A mais recente estrela da capa da revista de música eletrônica britânica Electronic Sound é o lendário Jean-Michel Jarre. O francês está em sua melhor forma para uma entrevista detalhada publicada na edição de número 96, oferecendo informações sobre seu brilhante novo álbum, Oxymore, um disco de música concreta feito com a tecnologia do século XXI. Uma experiência sonora imersiva e incrível, que marca um retorno às suas raízes no Groupe de Recherches Musicales, o estúdio de música eletroacústica onde aprendeu seu ofício com Pierre Schaeffer no final dos anos 1960. Além de falar sobre o álbum, Jarre também fala sobre suas primeiras influências – sua mãe fez parte da Resistência Francesa – e oferece seus pensamentos sobre o futuro da música, como era de se esperar de um artista que está sempre procurando avançar inexoravelmente.
Como esta é a última edição de 2022 da revista, algo extra especial foi preparado para acompanhar a edição de dezembro: a revista foi embalada com uma prensagem em vinil prateado do ultra-raro single de estreia da superestrela do sintetizador, lançado em 1971. É a primeira vez que este pedaço da história da música eletrônica, está sendo relançado em seu formato original de 7″ completo, com uma reconstrução fiel da capa original. Este disco nunca foi relançado até hoje e as cópias existentes geralmente mudam de mãos por mais de £ 200.
O single de 7″ possui duas faixas: a intensamente rítmica “La Cage” no Lado A e a divertida “Erosmachine” no Lado B. Jarre gravou o single no Groupe de Recherches Musicales, trabalhando à noite e em segredo, porque os alunos não podiam usar os equipamentos do GRM sem supervisão. “Não ousávamos nem mesmo acender as luzes”, lembra. Ele empregou bancos de osciladores e filtros em “La Cage”, enquanto “Erosmachine” é uma faixa de música concreta mais óbvia. Juntas, as duas formam uma fatia altamente significativa e verdadeiramente soberba da história da música eletrônica.
Como acontece com todos os lançamentos musicais da revista, este single é estritamente limitado e foi disponível apenas para os assinantes da “Electronic Sound”.
La Cage e Erosmachine, as duas faixas apresentadas no single de estreia de Jean-Michel Jarre, lançado em 1971, foram gravadas dois anos antes. Na época, Jean-Michel estudava no Groupe de Recherches Musicales (GRM), o laboratório de música eletroacústica em Paris, dirigido pelo pioneiro da música concreta Pierre Schaeffer. Jarre montou os principais componentes de “La Cage” no GRM na calada da noite, com um amigo atuando como vigia.
“Como estudantes, não tínhamos permissão para ir sozinhos aos grandes estúdios profissionais”, lembra ele. “Eles eram mantidos trancados e apenas os compositores consagrados podiam usá-los. Mas conseguimos fazer uma cópia da chave para podermos entrar nos estúdios à noite. Fiz a maior parte de La Cage no escuro, incluindo as sequências, porque não ousamos nem mesmo acender as luzes.”
A estreita associação do GRM com o ORTF (Office de Radiodiffusion-télévision Française – Escritório Francês de Radiodifusão e Televisão, anteriormente conhecido como TF), que era responsável pela rádio e televisão nacionais francesas, deu a seus tutores e alunos, acesso a uma ampla gama de equipamentos de transmissão, principalmente os osciladores da estação. Jarre usou pelo menos 12 osciladores para a intensamente rítmica “La Cage”, junto com uma serra musical, um violão que tocava com arco e muitos instrumentos de percussão, incluindo rototons.
“Trabalhar com osciladores e bancos de filtros, que foram sequestrados da estação de rádio, foi uma abordagem totalmente underground”, ri Jarre. “A rádio usava osciladores para fazer testes e manutenção, e não para fazer qualquer tipo de música. Usá-los para fazer sequências dessa forma foi muito interessante e o resultado é algo que soa bem eletrônico.”
Jarre seguiu um caminho bem diferente para “Erosmachine”, uma faixa eletroacústica muito mais lúdica com vozes sampleadas e um Harmônio que ele encontrou no estúdio. Os samplers é um dos aspectos que liga seu primeiro single com “Oxymore”, seu novo álbum, e também com seus lançamentos da década de 1980, Zoolook e Music for Supermarkets.
“Pesquisando amostras de pessoas gritando e respirando, eu estava sendo fiel à forma de como estávamos lidando com os sons no GRM”, diz ele. “O essencial da música como uma forma de arte não são apenas canções, então sempre acreditei que os vocais poderiam ser explorados de maneiras que não envolvem letras. Toda a ideia de ‘Oxymore’ era sobre voltar para como eu trabalhava durante este período. Então o fato desse single estar saindo de novo é algo especial.”
O single La Cage / Erosmachine saiu pelo selo Pathé, na época uma divisão da EMI, e estava disponível apenas na França. A história frequentemente repetida de que apenas 117 cópias foram vendidas é quase certamente uma lenda, mas é improvável que o número real esteja acima de 1.000. É por isso que os discos em perfeito estado normalmente são vendidos por cerca de £ 200. A reedição da revista “Electronic Sound” é lançada com uma reconstrução da capa original, cuja parte de trás apresenta um parágrafo maravilhosamente poético escrito pelo amigo de infância de Jarre, Max Dumas (creditado como Xam Samud, seu nome ao contrário), descrevendo como Jarre criou as faixas na escuridão do GRM:
“Órgão, baixo, bateria com força total”, diz o texto em inglês. “Muitos pauzinhos. Toda uma gama de equipamentos de percussão, desde o bongô até o chocalho, passando pelo flexatone e pela colher de pau. Finalmente, música. Mista, aterrada, modulada por sintetizadores, geradores, filtros próprios manipulados e monitorados graças a cerca de 50 potenciômetros e dials. O mágico troglodita recém-saído do Groupe de Recherches Musicales da ORTF está lá, reinando em sua caverna escura no centro de Paris. Ele toca tudo, vê tudo. O som vem de potentes alto-falantes”
ENTREVISTA
Jean-Michel Jarre está sempre procurando avançar inexoravelmente. Seu último álbum, Oxymore, é um disco de música concreta criado com tecnologia do século XXI, levando o som binaural em 3D a novidades incríveis e mantendo o maestro francês vários passos à frente da curva. Fones de ouvido ligados…
Existem os primeiros a adotar… e depois há Jean-Michel Jarre. O pioneiro eletrônico francês teve uma carreira incomparável de meio século, sempre na vanguarda da tecnologia, e com cada lançamento antecipando de alguma forma, o que estava por vir – de sintetizadores inovadores e harpas laser, a avanços na produção de estúdio e no consumo da própria música.
E é assim que, em uma tarde ensolarada de outono no norte de Londres, um pequeno grupo de jornalistas musicais e promissores compositores, foram convidados a ouvir “Oxymore” nas instalações da L-Acoustics, a fabricante francesa de amplificadores e alto-falantes. Embora o álbum possa obviamente ser escutado em um sistema “hi-fi” simples ou através de fones de ouvido, a pura fantasia do evento imersivo com o qual somos tratados é realmente incrível.
Artistas tão diversos como Brian Eno, Tears For Fears, Lady Gaga e Snarky Puppy adotaram recentemente o “Dolby Atmos”, o formato universal para multicanal, home theater e áudio espacial lançado pela “Dolby Laboratories” há uma década. Jarre está um passo à frente do jogo, como sempre, com seu novo álbum disponível em “Dolby Atmos” e mixagem binaural. O som binaural, uma experiência imersiva de fones de ouvido, pode lhe dar uma ideia da revolução que se acena, mas nada o prepara para a emoção de 360° de “Oxymore”, com o som espacial penetrando em seus receptores em uníssono.
Alto-falantes brancos foram montados em um círculo ao redor dos convidados durante a reprodução, posicionados como as horas de um relógio. Foi possível ouvir a água escorrendo suavemente pelas paredes de um lado da sala quando a faixa de abertura do álbum, “Agora”, começa a tocar, contrastando com o fogo crepitante do outro lado. Ruídos da selva surgem em “Crystal Garden”, espirais de cliques e zumbidos mecânicos sustentam “Brutalism” e um pássaro voa ameaçadoramente em “Animal Genesis”. Não são exatamente os irmãos Lumiêre projetando imagens em movimento para espectadores estupefatos na Paris do fin-de-siécle, mas está lá em cima.
Jarre vagueia pela sala discretamente enquanto o álbum toca, batendo na alvenaria e observando como os diferentes elementos reverberam nas paredes e no teto. “O objetivo de tudo isso é, na verdade, compartilhar com as pessoas a sensação de estar dentro da música”, diz, falando para os convidados após a audição.
A transição do estéreo para o espacial pode ser tão sísmico, como foi a mudança do mono para estéreo. Houve falsos amanheceres antes, é claro, e este pode ser outro. Mas Jarre acredita que, a nossa inclinação para o mundo virtual para nos comunicarmos uns com os outros durante a pandemia, acelerou nossa aceitação coletiva de conceitos, como o Metaverso. E se estamos nos abrindo para a ideia de Realidade Virtual, é lógico que o aprimoramento do som acontecerá em breve.
Jean-Michel Jarre está ocupado com seu telefone, quando ligo para ele nos escritórios da Sony Music no dia seguinte. Esteve em uma reunião por várias horas e está digerindo suas mensagens perdidas enquanto anda para cima e para baixo. Você sempre imagina que um homem como Jarre já teria se conectado à matrix, como é sua interação com a tecnologia, mas ele ainda precisa responder textos como nós. Ele pede a alguém para buscar um café e promete me dar toda a atenção quando terminar de responder suas mensagens. Jarre é fiel à sua palavra e, com a entrevista em andamento, ele é um sujeito pensativo e atencioso. Expressões como “Essa é uma boa pergunta” e “É verdade o que você diz” aparecem durante a conversa. Recente ganhador da Légion d’Honneur na França, ele é muito amigável, e uma de suas táticas durante a entrevista, parece ser para fazer você pensar que pensou em tudo. Também como sendo charmoso sem esforço, ele parece ser tão jovem como sempre. Poucas pessoas de 74 anos poderiam usar uma jaqueta pele de cobra e óculos de sol dentro de casa, mas Jarre certamente é uma delas. O tecladista francês pode estar aqui para promover seu novo álbum, mas ele é um evangelista de algo mais radical a longo prazo – e seu proselitismo está funcionando. “Estou absolutamente convencido de que o som envolvente é a próximo revolução, assim como foi o surgimento de sintetizadores antes disso”, ele anuncia.
Antes de entrar no âmago da questão de “Oxymore”, eu me pergunto por que Jarre acha que o som espacial é a próxima fronteira quando outros formatos não corresponderam às expectativas iniciais. Ele estava igualmente entusiasmado com o som surround Dolby 5.1 quando lançou seu álbum AERO em 2004. Além de sua adoção em cinemas, ficou significativamente aquém de se tornar a próxima grande novidade. “Essa é uma pergunta muito interessante”, diz ele, ponderando por um momento. “Porque no começo, o 5.1 era realmente incrível”. Ele fala sobre como saltou sobre a tecnologia – assim como artistas como Pink Floyd – mas admite que o que eles fizeram pode parecer um pouco objetivo em comparação às últimas possibilidades sonoras. “Primeiramente, existe uma plataforma para isso, que não havia com o 5.1”, continua ele. “Claro, 5.1 foi adotado nos cinemas mas a maioria das pessoas não tinha o equipamento, então não havia mercado para isso. Você já tem as ferramentas para binaural agora, embora, pode ser usado com seu smartphone e um conjunto de fones de ouvido padrão. Você pode ter uma experiência totalmente imersiva, experiência cercada por música sentado no metrô. Nós também não tínhamos a polifonia com 5.1 que temos com isso”. Jarre passa a falar sobre o efeito “Doppler”, onde uma frequência muda à medida que a fonte altera a posição em relação ao ouvinte. Com o novo sistema de som espacial, esta simulação de detalhes se movendo ao seu redor – água corrente, um pássaro batendo asas, ou seja o que for – torna-se perfeito. “De repente, o fato de você não ter que lidar mais com o estéreo, significa que eu poderia colocar isso aqui… e então eu poderia movê-lo lá”, diz Jarre, gesticulando com as mãos. “E não é só por diversão, porque na verdade cria emoções. Eu acho que esta é a razão que vai mudar a forma como a música é produzida no futuro. Principalmente música eletrônica.”
“Oxymore” é um disco que olha para trás e raramente é nostálgico. Relaciona-se com uma série de eventos formativos na vida de Jarre, todos eles interligados por fios de tempo. “Lembro que Fellini me disse um dia: Faça o que fizer, você sempre faz o mesmo filme ou a mesma música”, diz Jarre, falando de Federico Fellini, o grande autor italiano e um de seus heróis. “É a inclinação de quem você é e de sua próprias obsessões”, complementa.
Jarre troca a melodia pela textura em “Oxymore”, uma espécie de política de terra arrasada que compensa generosamente. O álbum marca um retorno para onde tudo começou para ele – no Groupe de Recherches Musicales (GRM), o laboratório de música eletroacústica em Paris, onde estudou sob a tutela da lenda da música concreta, Pierre Schaeffer, no final dos anos 1960. Há até ecos de seu lançamento de estreia em 1971, um single reunindo “La Cage” e “Erosmachine”, duas faixas que ele havia gravado no GRM dois anos antes.
“A origem da música eletrônica está nas texturas”, diz Jarre. “Todo esse projeto é uma homenagem aos pioneiros da eletroacústica e principalmente ao jeito francês de abordar essa música. Esses caras eram obcecados por textura e como o som poderia evoluir com o efeito ‘Doppler’ de algo como um trem ou um carro passando. Então, eu queria voltar a essa abordagem, a esse método e, ao mesmo tempo, explorar o que os sons imersivos permitem que você faça, porque cada elemento do álbum recebeu o espaço no qual pode ser totalmente expresso e ouvido.”
Ao impor formas bastante rígidas de trabalhar a si mesmo, Jarre abriu diferentes mundos sonoros para brincar e criou um de seus álbuns mais relevantes desde os anos 1980. Na verdade, é indiscutivelmente um de seus melhores no geral. Como sempre, ele está de olho na valorização – e esse objeto brilhante e muitas vezes, evasivo é quase sempre o futuro.
“Trabalhar na evolução das texturas é o motivo de ‘Oxymore’ ser uma álbum muito especial na minha carreira”, afirma. “Porque acho que fiz um link entre a origem da música eletroacústica – porque eu estudei e essa também foi a minha origem – e a tecnologia do século XXI.”
Talvez surpreendentemente, um álbum que não se relaciona com “Oxymore” e Oxygene, o impressionante lançamento inovador de Jarre. Ele gravou o clássico de 1976 em um estúdio montado na cozinha de seu apartamento, em Paris, com um “ARP 2600”, um “EMS VCS 3”, um “Mellotron” e um “Revox” de 4 canais, bem como uma bateria eletrônica “Korg Mini-Pops 7”. Seu conceito inicial surgiu de um desejo de trilhar uma linha entre música de vanguarda e pop. E isso provou que foi um palpite astuto, pois “Oxygene” já vendeu mais de 18 milhões cópias em todo o mundo.
“Eu nem pensei em ‘Oxygene’ até a fase final deste álbum,” ele diz. “Realmente não tinha me ocorrido. E claro, eu percebi depois, porque algumas pessoas disseram: Sim, é como ‘more oxygen’…”
O título “Oxymore” vem da palavra “oxymoron”, que o “Oxford English Dictionary” define como “uma figura de linguagem na qual termos aparentemente contraditórios aparecem em conjunção”. Então, como era Schaeffer?
“Sabe, ele era uma pessoa bastante estranha e um verdadeiro gênio também”, responde Jarre, com profunda admiração. “Ele viu tudo. Ele viu a música do futuro, viu a Internet, viu o futuro das comunicações e escreveu muitos livros complexos, mas muito inteligentes, sobre o futuro da radiodifusão, que você deveria ler se tiver coragem.”
No entanto, o GRM não era o lugar mais feliz para Jarre. Ele achou o foco muito seco, muito sério, muito obviamente acadêmico. Às vezes era quase prescritivamente anti-emocional. “Saí do GRM porque não gostei da arrogância da sua abordagem intelectual da música, que ignorava totalmente o que estava acontecendo na cultura pop”, revela Jarre. “Bandas como Pink Floyd e Soft Machine também estavam usando texturas e experimentando de maneiras que eram próximas do que estava acontecendo no GRM, mas o pessoal do GRM não queria saber deles. Eles pensavam que eram os únicos no mundo fazendo isso.”
Quando Jarre disse a Schaeffer que não estava interessado em ficar em um laboratório para o resto de sua vida, o chefe da GRM incentivou seu protegido a seguir seus instintos. “Schaeffer me disse: Sim, você não deveria perder seu tempo aqui”, lembra. “Ele disse: Seu destino está fora deste lugar, para experimentar mais com um público em mente e você deve seguir o seu próprio caminho.”
Jean-Michel Jarre foi um dos rostos mais conhecidos da planeta durante as décadas de 1970 e 1980, se apresentando em partes do mundo onde outros artistas não conseguiram alcançar. Em 1981, tornou-se o primeiro músico ocidental a se apresentar na China após a era-Mao, resultando no seu enorme sucesso The Concerts in China, álbum duplo ao vivo, que acabou de ser remasterizado em uma edição comemorativa de 40 anos do seu lançamento. Ele é conhecido por ter tocado para mais pessoas em uma noite do que qualquer outro artista, na frente de três milhões e meio de pessoas, para comemorar o aniversário de Moscou em 1997 (quebrando seu próprio recorde anterior com concertos em Paris e Houston).
A influência de Jarre na música eletrônica foi profunda e inquantificável. Suas muitas realizações são conhecidas por pessoas que professam não ter nenhum interesse por música, seja eletrônica ou não. O francês continua sendo um nome familiar, cinco décadas após quebrar várias barreiras com “Oxygene” e seu sucessor de 1978, o igualmente brilhante Equinoxe. Isso é uma façanha para um ícone pop que não é cantor.
Olhando mais para trás, para as influências e epifanias que levou Jarre para onde ele está indo, nota-se que é um boulevard menos movimentado. No entanto, suas experiências como homem mais jovem, são informados sem dúvidas, no seu último lançamento. Com “Oxymore”, o presente é o passado e vice-versa.
Jean-Michel André Jarre nasceu no 4º arrondissement de Lyon em 1948. Sua mãe, France Pejot (1914-2010), foi membro notável da Resistência Francesa durante a Segunda Guerra Mundial. Presa pelos nazistas em junho de 1944, ela sobreviveu quase um ano em um campo de concentração e faleceu em 2010, aos 96 anos. Seu pai foi o compositor Maurice Jarre (1924-2009), responsável pelas trilhas sonoras de “Doutor Jivago”, “Lawrence da Arábia”, “Jesus de Nazaré”, “Atração Fatal”, entre inúmeros outros.
Apelidada de “Capital da Resistência” por Charles de Gaulle, Lyon agora tem uma rua com o nome de sua mãe, Passage France Pejot, em homenagem à sua notável bravura. “Talvez seja um pouco estranho que, entre minha mãe, meu pai e eu, quem recebeu o reconhecimento do nome da rua foi minha mãe”, diz Jarre, radiante de orgulho. “Além de ser uma figura importante da Resistência Francesa, ela também teve uma forte influência sobre mim na maneira como ela encarava a vida. Ela foi uma pessoa extraordinária”.
Jarre é mais ambivalente ao falar sobre seu pai, que partiu para Hollywood quando ele tinha apenas cinco anos, separando-se de France no processo. Sem surpresas, o jovem Jarre cresceu em uma casa cheia de música e visitada por uma verdadeira procissão de artistas e compositores, muitos deles ligados ao seu pai. John Cage apareceu durante a gravidez de France, colocou a mão na barriga dela e declarou: “Tem um músico aí!”. Cage estava certo, embora dificilmente estivesse protegendo suas apostas. Jarre conheceu o compositor americano através de um de seus grandes amigos modernistas, Pierre Boulez, que era tão feroz e franco pessoalmente, quanto sugeria sua imagem pública.
“Meu pai e Boulez eram muito próximos”, diz Jarre. “Ambos tinham sido músicos na Compagnie Renaud-Barrault, a famosa trupe de teatro parisiense, depois da guerra. Boulez tocava piano e meu pai era percussionista. Isso foi antes do meu pai abandonar minha mãe, então deve ter sido quando eu tinha três ou quatro anos. Tenho essa lembrança dele e do Boulez pintando a cozinha do pequeno apartamento onde morávamos, nos subúrbios do sul da França. E Boulez disse: Além de Bach e eu, todo mundo é uma merda. Então, sim, talvez ele era um pouco arrogante”, completa.
Na verdade, a pintura foi o primeiro amor de Jarre. Ele inicialmente lutou para decidir entre tentar fazer uma carreira na música ou na arte. Mas ele sente que conseguiu combinar os dois no final, criando paisagens sonoras texturais em imagens de artistas abstratos, como Pierre Soulages, que usava principalmente tinta preta aplicada em camadas grossas, técnica que ele chamou de “Outrenoir” (Além do Preto). Soulages morreu há apenas algumas semanas, aos 102 anos, tendo trabalhado até o fim da vida. “Ele tinha essas telas enormes”, observa Jarre. “Ele é um modelo para todos nós, porque eu considero o que ele fez nestes últimos 15 anos, provavelmente o seu melhor trabalho.”
O companheiro de armas da musique concrète de Schaeffer foi outro Pierre, o Henry, que o ajudou a fundar o Groupe de Recherche de Musique Concrète (GRMC), alinhado com a rádio francesa, em 1951. Antes disso, eles estiveram envolvidos no Studio d’Essai, um estúdio de Schaeffer orientado para a radiofonia, onde eles trabalharam com toca-discos superficiais. “É por isso que eu falo que esses caras foram os primeiros DJs”, observa Jarre. “Muita gente acha que música eletrônica é coisa recente, mas todo o movimento remonta a um longo caminho. O que Schaeffer e Henry fizeram nas décadas de 1940 e 1950 deu início a tudo. O fato é que eles foram os primeiros a pensar na música não em termos relacionados ao solfejo, mas em termos de ruído.”
Enquanto Schaeffer continuou na academia por muitos anos, tornando-se professor associado no Conservatório de Paris na última parte de sua carreira, Henry viajou para um mundo mais amplo e voltou sua atenção para a composição. Uma ou duas de suas peças encontraram um lugar na cultura pop, mas seu sucesso foi um tanto limitado.
“Poucas pessoas realmente sabem sobre Pierre Henry… e acho isso injusto”, diz Jarre. “Se ele fosse americano, provavelmente seria tão conhecido quanto John Cage foi, se não mais. O aspecto trágico de Henry é que ele é reconhecido principalmente pela música ‘Psyché Rock’, que foi remixada por Fatboy Slim, mas que na verdade foi co-escrita por um famoso compositor de trilhas sonoras chamado Michel Colombier, que fez muitos arranjos para Serge Gainsbourg.”
Pierre Henry era um dos artistas com os quais Jarre pretendia trabalhar no primeiro de seus álbuns colaborativos Electronica em 2015, mas a saúde debilitada de Henry impediu a sua participação. E embora tenha falecido dois anos depois, ele inadvertidamente forneceu o ímpeto para “Oxymore”, quando ele legou a Jarre uma série de sons contendo alguns dos materiais de música concreta que ele havia acumulado.
Henry recebeu um crédito póstumo de Jarre na maior parte das faixas do álbum, apesar de estar envolvido apenas em espírito. Ele também pode ser ouvido falando sobre os processos de seu trabalho em algumas faixas, incluindo “Agora”. Seus sons encontrados permeiam o álbum e Jarre reconhece que eles foram um impulso para o projeto, cujo subtítulo é ‘Homage to Pierre Henry” (Homenagem para Pierre Henry). “No final de tudo, eu usei talvez 5% dos sons de Pierre Henry”, diz ele. “Não foram muitos, mas foram muito importantes como fonte de inspiração.”
Em última análise, o álbum é uma homenagem a ambos os Pierres, as rochas sobre as quais a música eletrônica foi construída, usando o que há de mais moderno em equipamentos de ponta disponíveis. “Essa é outra razão pela qual o álbum se chama ‘Oxymore’, afirma Jarre. “Porque ‘Oxymore’ é a base do sampling do som eletrônico. Você pega um sample de chuva e mixa com um de clarinete. Ou pega um sample de um motor e mixa com um de guitarra elétrica. Ao fazer isso, você cria esses monstros — criaturas metamorfoseadas e androides sônicos.”
Jarre empregou uma fascinante variedade de instrumentos para conjurar seus “monstros”. Ao lado de seu fiel “Mellotron”, as notas do encarte do álbum mencionam dois sintetizadores novinhos em folha: um “Osmose” da fabricante francesa “Expressive E” e um “C15” da “Nonlinear Labs” da Alemanha, além de um “Blipbox”, um “Wuhan WindGong” e um “Cristal Baschet”, que é um instrumento escultural que funciona como um ressonador metálico. Ele também fez seus próprios sons orgânicos do zero. “Para simular o fogo, por exemplo, eu usei fita magnética”, ele explica. “Mas eu estava tocando, torcendo e triturando na frente de um microfone. Realmente explorei várias técnicas diferentes para produzir esse tipo de coisa”. Como resultado, “Oxymore” é menos uma coleção de composições, e mais uma colagem artística de design de som. “E o design de som é um dos elementos centrais da composição da música moderna atual”, afirma Jarre. “É por isso que pensei que seria uma boa jogada ligar meu trabalho com alguém como Pierre Henry, e mostrar como fui inspirado por ele.”
Se esse fosse o ponto de partida, então o álbum deveria tornar-se algo completamente diferente, uma vez iniciado. A adição de componentes díspares faz dele um disco de música concreta com uma sensibilidade distinta do século XXI. É bastante diferente de qualquer outra coisa que já se tenha ouvido antes. “O que eu tentei fazer o tempo todo foi manter esse tipo de aspecto orgânico, sensual e sexual. Então, em ‘Brutalism’, tivemos contato direto contato com um turbilhão de ruídos, não apenas ruídos industriais mas também uma avalanche. É uma coisa bem orgânica… mas também perigosa”, diz Jarre.
O primeiro sintetizador de Jarre foi um “EMS VCS 3”. Quando os anos 1960 chegou ao fim, ele vendeu sua guitarra e amplificador, e foi para Londres, a fim de comprar um dos famosos sintetizadores de Peter Zinovieff. Ele se lembra bem da cena: “Era uma casa pequena e foi um momento muito louco”, diz ele com uma risada. “Era uma atmosfera muito hippie. Peter e sua esposa estavam no meio da sala de estar, com alguns VCS 3 e muitos componentes eletrônicos espalhados. E então havia dois meninos que brincavam com dardos pela casa. E eram dardos de metal reais. Era muito perigoso! E ninguém se importava porque era tudo, você sabe, paz e amor.”
O VCS 3 desempenhou um papel de liderança na contribuição de Jarre para o Aor, uma partitura de balé que ele e seu colega de estudos do GRM, Igor Wakhévitch, foram convidados a escrever para a Ópera de Paris em 1971. Eles estavam entre os artistas mais jovens a compor para a Ópera e “Aor” foi a primeira peça eletrônica a ser executada no Palais Garnier. Jarre passou grande parte do tempo no backstage, esperando ser preso a qualquer momento por causa de uma confusão sobre se deveria ou não cumprir o serviço militar.
No mesmo ano do Aor, Jarre se deparou com uma radical produção teatral em Paris, do diretor americano Robert Wilson. “Deafman Glance”, conhecido como “Le Regard Du Sourd” em francês (Olhar Surdo), foi um épico mudo de oito horas escrito como uma homenagem a Raymond Andrews, um menino surdo-mudo que Wilson adotou como o filho dele. Infelizmente, temos que confiar no testemunho daqueles que viram para explicar o que foi esse espetáculo de vanguarda. “Fui lá por acaso”, diz Jarre. “É uma pena que não foi filmado porque era uma obra-prima. Para mim, foi algo absolutamente novo. Não houve diálogo e só mais tarde é que eu percebei que Bob Wilson era autista. Todo o conceito era sobre som, mas como um filme mudo. Era algo muito difícil de definir porque era como uma pintura em movimento, com esse controle extraordinário da iluminação cênica. Foi uma grande influência para mim no design de palco”. Mas não foi apenas a iluminação de “Deafman Glance” que teve um efeito profundo em Jarre. Ele também ficou impressionado com o fato de como Wilson foi capaz de comunicar ideias complexas sem palavras. “Eu disse: Isso é o que eu quero fazer”, ele continua. “Queria usar a música instrumental para tentar criar uma relação com o público que fosse além das palavras. Eu fiquei convencido de que poderia fazer isso também com apresentações ao vivo, com luzes e técnicas teatrais, e mais tarde com vídeos e lasers.”
Na sequência de “Aor”, Jarre compôs músicas para peças de teatro, programas de televisão e jingles publicitários, além da trilha sonora de um filme de 1973 intitulado Les Granges Brûlées. Ele também trabalhou como letrista, o que foi um tanto irônico, considerando como o silêncio de “Deafman Glance” o inspirou. Depois de ajudar a reviver a carreira do cantor francês Christophe (1945-2020), ele foi contratado para ser compositor do suíço Patrick Juvet (1950-2021), fazendo com que a gravadora de Juvet pagasse pelos melhores músicos de estúdio. “Isso me deu muita experiência em termos de produção em estúdios”, diz Jarre.
Outra de suas composições foi “Que Vas-Tu Faire?”, que ele deu de presente para Françoise Hardy. Serge Gainsbourg, uma das figuras mais importantes da música popular francesa, enviou-lhe uma garrafa de champanhe com uma nota dizendo: “Bem-vindo ao clube!”
Jarre tinha outras ideias, no entanto. Na época em que ele escreveu “Que Vas-Tu Faire?”, ele usou parte de seus royalties de composição para comprar um “ARP 2600”. O sintetizador provou ser um dos catalisadores do “Oxygene”, assumindo papel principal no álbum e tornando-se sua marca registrada sonora. Ele reconhece que demorou a abraçar o “Moog” – de forma incomum – em parte porque o “Minimoog” era muito caro na Europa quando chegou ao mercado. “Eu era definitivamente um cara do ARP no começo da minha carreira”, admite Jarre. “Não há dúvidas de que o ARP 2600 deu uma grande contribuição ao meu trabalho naqueles primeiros dias. O Moog veio depois para mim, mas o primeiro modular foi fantástico e gostei muito do Memorymoog também. Eles têm esse som muito esponjoso, enquanto eu acho que o ARP é muito mais preciso e muito mais ousado em termos de ataque. Mas eles se complementam. Um instrumento que acho muito interessante no momento é o Animoog no iPad. Eu acho isso ótimo!”
Jarre também destaca o “Yamaha CS-60”, que ele usou em Equinoxe, e o “Elka Synthex”, usado em Rendez-Vous, como importantes peças de maquinário para ele ao longo dos anos. Mas o seu xodó atualmente é o “Osmose” da “Express E”. Se eu tivesse deixado, suspeito que ele teria passado metade da entrevista delirando sobre a sensibilidade e intuitividade desse sintetizador.
Em 1957, em seu nono aniversário, a mãe de Jarre o levou ao “Le Chat Qui Pêche” em Paris, um influente clube de jazz dirigido por Mimi Ricard, outra célebre lutadora da Resistência Francesa. Chet Baker, o famoso trompetista americano, estava se apresentando naquela noite. “Existe uma ligação direta entre esta história e Oxymore”, diz Jarre. “Acredito que esta foi minha primeira experiência física de música, do efeito do som em meu corpo. Para o meu aniversário, Chet Baker sentou-me em um piano vertical e tocou seu trompete para mim, o instrumento fazendo assim…”, ele faz uma pausa e indica o instrumento bem perto de seu tórax. “Cada vez que me lembro desse momento, ainda penso no efeito do ar do instrumento em meu peito. O aspecto fisiológico e o efeito sobre o meu corpo, acho que é algo que provavelmente foi muito, muito importante no meu relacionamento com som.”
Com o pai radicado na América, onde permaneceu para o resto de sua vida, o avô paterno de Jarre entrou na brecha. Paralisado, o menino assistia André Jarre fazer todos os tipos de dispositivos e máquinas incríveis em sua oficina. “Ele foi um personagem interessante”, observa Jarre. “Ele era um engenheiro, inventor e músico também. Fez uma das primeiras mesas de mixagem, que foi usada por uma estação de rádio em Lyon antes da guerra. Ele também criou um ancestral do iPod, um antigo toca-discos portátil chamado Teppaz. No meu aniversário de 11 anos, ganhei um gravador de segunda mão. Era alemão, um Grundig, e eu fiquei muito impressionado com aquela máquina. Fiquei totalmente obcecado em gravar tudo o que pudia. Minha avó me disse: Uau, por que você está gastando todos os seus dias com essa coisa?. Eu saía e registrava os barulhos da rua, as conversas que ouvia, tudo o que estava acontecendo ao meu redor. E então, um dia, toquei a fita ao contrário… e de repente pensei que os alienígenas estavam falando comigo. Eu descobri o processamento de som por acidente”. Jarre fez uso do gravador nas duas bandas que montou na adolescência: Mystères IV e The Dustbins. “Eu processava as guitarras, os órgãos e tudo o mais nesta máquina”, explica ele. “Então isso primeiro me deu a conceito do que viria a ser o meu trabalho. Eu suponho que isso pode parece clichê, mas a vida é toda feita de sorte, acaso e coincidências. Por sorte, por acaso, meu avô deu me deu este gravador… e mudou minha vida.”
Na época em que Jarre estava gravando pessoas na rua, a França esteve envolvida na Guerra da Independência da Argélia. Eu lhe pergunto se alguma dessas atividades teve alguma influência em seu álbum Revolutions, de 1988. “Sim, acho que talvez sim, embora eu diria que minha mãe provavelmente me influenciou muito mais”, ele argumenta. “Porque ela estava obviamente ligada à ideia de resistência, que está associada à noção francesa de revolução. A revolução parece estar sempre acontecendo em algum lugar. E não se esqueça que as pessoas na França são conhecidas em todo o mundo por querer bloquear as estradas, ou os portos do país, ou o que quer que seja a cada duas semanas.”
Outro grande momento na formação musical de Jarre foi assistir os Beatles se apresentando no “Olympia” em Paris. Foi durante a série de 18 shows do grupo na capital francesa no início de 1964. A experiência deixou o jovem de 15 anos sem palavras, mas também teve uma epifania importante. Ele decidiu que Rock and Roll era para os anglo-saxões e que precisava tentar encontrar um caminho diferente – um caminho que o levaria ao GRM alguns anos depois.
A parceria entre som e visão vem sendo um marco característico das apresentações de Jean-Michel Jarre, desde o final dos anos 1970. E enquanto Robert Wilson forneceu sua inspiração inicial, ele recebeu também uma forte influência do trabalho de Lannis Xenakis, que foi um de seus palestrantes no Groupe de Recherches Musicales. Xenakis estava entre os mais teimosos acadêmicos pensadores do GRM, quando se tratava de música, mas as peças audiovisuais do compositor grego, tiveram um impacto duradouro em Jarre. Particularmente, suas impressionantes instalações “Polytope”, que apresentavam complexos shows de luzes em locais deslumbrantes ao redor do mundo, entre 1967 e 1984. “É engraçado você mencioná-lo”, diz Jarre. “Eu encontrei com a família Xenakis, que comemora o centenário do seu nascimento este ano, e eles recriaram uma de suas peças ‘Polytope’. Xenakis estava fazendo músicas realmente brutais e mixando com ótimos efeitos visuais, mesmo nos anos 1950. Ele fez um dos primeiros shows de luz com muitos lasers, talvez o primeiro, e suas peças eram sempre fantásticas. Algumas pessoas não o conhecem, mas ele é uma figura importante para os músicos eletrônicos. Ele foi um cara com outras texturas.”
As apresentações ao ar livre em grande escala, frequentemente associadas ao Jarre, parecem estar em desacordo com o que ele está fazendo agora, mas seus concertos ao vivo sempre foram mais do que apenas espetáculos. À medida que a entrevista chega ao fim, eu digo a Jarre que, às vezes, ele têm sido indicador de eventos globais. Menciono como suas apresentações na China e na Rússia refletiram a maneira como esses dois países estavam se abrindo naquele momento, e como seu concerto Welcome to the Other Side transmitido de uma Notre-Dame virtual no Réveillon em 2020 foi o tônico perfeito para um mundo em confinamento. Então, onde seguir?
“Os shows hipertrofiados ou hiper-realistas do rock ‘n’ roll não está mais lá,” ele responde. “Estamos muito mais conscientes dos problemas energéticos neste momento e a ideia de ‘menos é mais’ é algo que se tornou importante para todos nós no nosso dia-a-dia. Com a música, como em tudo, a tecnologia nos permite pensar de forma diferente e pode nos ajudar a resolver muitos problemas que temos com o meio ambiente. Estou convencido de que a única forma de sobrevivermos, é estabelecendo uma harmonia entre tecnologia e ecologia”, complementa.
Tudo isso faz todo o sentido, especialmente vindo deste homem do futuro. Um músico que está sempre procurando avançar inexoravelmente, constantemente buscando novas maneiras de melhorar ou avançar o que faz. Quanto a “Oxymore”, realmente há mais por vir. Brian Eno e Martin Gore estão entre os grandes nomes que estão remixando as faixas do álbum para uma nova coleção a ser lançada em 2023. Típico de Jarre, vários artistas emergentes que ele deseja dar exposição também foram convidados a contribuir com o projeto. O futuro é tão brilhante, que ele tem que usar óculos escuros.
Fonte: Electronic Sound
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