Três perguntas para Jean-Michel Jarre
O lendário compositor, intérprete, produtor musical e pioneiro Jean-Michel Jarre responde a três perguntas:
Quais são alguns dos seus sintetizadores favoritos de todos os tempos e por quê?
“EMS VCS 3, meu primeiro sintetizador, ainda trabalhando e presente em cada um dos meus álbuns como um ritual. O ARP 2600 por sua nitidez e calor. Osmose da Expressive, incrível por suas possibilidades ao vivo. E o OP1 da Teenage Engineering, que parece um brinquedo, mas foi construído como um projeto da NASA.”
Você consegue se lembrar de um momento mágico que aconteceu no estúdio durante uma gravação?
“Quando meu Memory Moog ficou totalmente louco enquanto eu estava gravando, e esse som inesperado ficou tão legal, que decidi mantê-lo como parte da faixa.”
Você é conhecido por seus impressionantes shows ao vivo. Como é o processo de preparação para eles?
“Tendo hesitado entre a pintura e a música na adolescência, sempre concebi o visual dos meus espetáculos. Então, estou sempre começando criando ‘mood boards’ e ideias gráficas diferentes e quando tenho esboços diferentes o suficiente, escolho qual música funcionará com um estilo gráfico.”
Pergunta bônus: Como foi colaborar recentemente com Martin Gore?
“Martin é um dos músicos mais ecléticos que conheço, capaz de compor melodias brilhantes além de ser totalmente experimental. Ele fez um brilhante remix de Brutalism, uma faixa do meu novo álbum Oxymore.”
Fonte: Synth History
Jean Michel Jarre, como vai?
“Estou um pouco resfriado por causa do ar condicionado em todos os lugares, e também estou cansado. Dias longos, noites curtas. Acabei de chegar de Milão, agora Berlim, amanhã volto para Paris. Tudo meio agitado.”
Não são apenas os últimos dias que foram agitados, pois você lançou seis álbuns nos últimos seis anos, e o próximo está saindo hoje, Você é um homem muito ocupado…
“Isso mesmo, nunca trabalhei tanto quanto agora. Durante a pandemia, muitas pessoas na indústria da música sentiram que o mundo havia parado. Para mim foi quase o contrário. Mas também tive a sorte de terminar minha turnê mundial cinco dias antes do primeiro confinamento. Então me mudei para o meu estúdio. Como músicos, estamos acostumados a situações de bloqueio. No que diz respeito à vida privada, é claro que era algo completamente diferente.”
Você estava em seu próprio estúdio?
“Sim, tenho um estúdio fora da cidade e um pequeno estúdio caseiro em Paris, onde moro. Quando você é um músico produzindo música eletrônica, você é quase como um pintor no atelier ou um escritor na biblioteca. Muito retraído, isolado, sozinho. Essa é uma grande diferença do rock ou do jazz, onde você trabalha principalmente com uma banda e cercado de pessoas. É um processo solitário para mim.”
Você não sente falta da troca criativa?
“Sim, por isso comecei a trocar ideias com outros músicos. No momento, para o novo álbum Oxymore, sugeri várias colaborações. A ideia são extensões das peças individuais do álbum junto com outros artistas. Com Martin Gore do Depeche Mode, Deathpact e também com Brian Eno, cujo trabalho eu adoro. Isso permite um novo processo. Este novo material será lançado gradualmente ao longo dos próximos meses e poderá eventualmente tornar-se num novo álbum.”
Vamos falar sobre seu novo álbum “Oxymore”. Como surgiu essa homenagem ao pioneiro da música eletrônica, Pierre Henry?
“A ideia surgiu do meu entusiasmo pela Realidade Virtual, que me ocupa intensamente há cerca de cinco anos. Me ocorreu que quando você fala sobre mundos imersivos, é quase sempre sobre os aspectos visuais e quase nunca sobre o som. Então pensei que seria interessante desenvolver um projeto com uma experiência sonora de 360°.”
É sobre ouvir a música de todas as direções, estar no meio da música, por assim dizer?
“Certo. Como humanos, temos uma relação muito frontal com a música. Quando você está em um show, o palco da frente é onde a orquestra ou a banda de rock está tocando, o som vem da frente e nós ficamos na frente dele e escutamos. Mas eu tinha outra coisa em mente e queria compor a partir de uma nova perspectiva, posicionando os sons no espaço enquanto as peças eram desenvolvidas. Esta abordagem é tão diferente desde o início, que levou a resultados muito especiais no final. Eu queria pesquisar essa tecnologia com Oxymore”.
Mas como a obra de Pierre Henry, o pioneiro da música concreta, se encaixa nisso?
“As faixas do álbum são composições minhas, usei pouquíssimos sons de Pierre Henry mas foram importantes no trabalho. Há duas razões pelas quais decidi que Oxymore deveria ser uma homenagem a Pierre Henry. Ao pensar sobre espacialidade e som, percebi que Henry foi o primeiro compositor a explorar a espacialidade, nos anos 1940. Naquela época de uma forma muito simplista, em multi-mono, mas ele estava na vanguarda desse pensamento. A outra razão foi que pensamos em trabalhar juntos há alguns anos e ele faleceu pouco tempo depois, em 2017. Então, em 2018, recebi uma ligação da viúva dele e ela disse: Pierre deixou alguns sons para você”.
Foi o legado dele para você? Uma coleção de sons de Henry para Jarre?
“Sim, e não eram apenas samples como você conhece do hip-hop, onde pequenos trechos são retirados de uma peça existente. Estes eram fragmentos individuais que ele selecionou para mim. Isso foi muito especial porque eu não tinha tido muito a ver com ele antes. Meu professor e mentor foi o outro Pierre da vanguarda eletrônica francesa, o Pierre Schaeffer. Os dois Pierres fundaram um estúdio de som para música eletroacústica juntos na década de 1940, mas seguiram caminhos separados na década de 1950. Schaeffer queria criar um laboratório de sons e Henry estava interessado apenas em suas próprias composições, nas quais trabalhava em seu próprio estúdio caseiro. Talvez o primeiro home studio de todos os tempos! Claro que eu conhecia a música de Henry e o vi algumas vezes, mas não nos conhecíamos. Mas o que me impressionou foi a importância de sua contribuição para o desenvolvimento da música moderna.”
Você pode contar um pouco mais sobre a contribuição de Henry?
“Com seu conceito de música concreta, Pierre Henry e Schaeffer foram os primeiros compositores a integrar ruídos na música. Eles foram os primeiros designers de som nesse sentido e lidaram intensamente com as texturas dos sons. Hoje não trabalhamos tanto com texturas na eletrônica, existem infinitas bibliotecas de sons, presets, softwares. Naquela época, havia apenas som bruto, então eles criaram suas próprias evoluções de sons. A ideia de que qualquer som pode se desenvolver é muito importante para minhas próprias composições. Então achei interessante homenagear esses pioneiros franceses da música eletroacústica. Oxymore é uma ponte entre o passado e o futuro, remonta aos primórdios da eletrônica e ao mesmo tempo utiliza ferramentas de sons inovadoras, algumas das quais ainda em fase de desenvolvimento.”
Você fala sobre as raízes francesas da música eletrônica. Agora estamos em Berlim, capital da “dance music” eletrônica. Você está acompanhando o que está acontecendo aqui?
“Claro! Em princípio, a ideia de Oxymore é um desenvolvimento de sons, talvez não sombrios, mas crus, em uma situação dançante. Nesse sentido, o techno, especialmente o techno de Berlim, está muito próximo da música concreta. Há essa crueza aqui. Há uma conexão aqui com a queda do muro. Falo dos resquícios do caos, assim como os primórdios da música concreta foram uma reação aos resquícios do caos da Segunda Guerra Mundial. Há uma conexão entre brutalismo e inovação. Um desenvolvimento semelhante ocorreu no Japão após o bombardeio atômico de Hiroshima. Essa crueza que vem do trauma do caos. Oxymore carrega um eco disso. E acho que techno e clubes como Berghain também têm essa continuidade. Não quero ser arrogante, mas a música eletrônica vem da Europa continental. Originalmente não tem nada a ver com os Estados Unidos.”
Pelo menos Detroit é relativamente importante para o desenvolvimento do techno.
Para o techno sim. Fui ao festival de Coachella em 2018 com Pedro Winter, DJ de electro house e empresário do Daft Punk. Alguém da Billboard veio até nós e perguntou: ‘Quais cidades vocês acham que são as origens da música eletrônica?’ E Pedro disse: ‘Detroit’. Detroit é a origem do techno, é verdade, mas a cena lá foi fortemente influenciada pelo Kraftwerk, por exemplo. E a música eletrônica é muito mais antiga. Então eu disse: ‘Você está brincando? 40 anos antes disso você tinha Luigi Russolo, você tinha Stockhausen, você tinha Leon Theremin, você tinha Pierre Schaeffer’. Eu queria lembrar a importância daquela época. Até porque hoje ninguém conhece mais Pierre Henry. Se fosse americano, seria tão conhecido quanto John Cage. Acho que a influência de Henry é muito mais importante que a de Cage, que é claro que eu também amo.”
Hoje, a mais conhecida é “Psyché Rock” de Pierre Henry, a música-título da série animada “Futurama”.
“A tragédia de Psyché Rock é que a faixa é atribuída a Pierre Henry, mas na verdade foi composta por seu parceiro musical Michel Colombier, e Henry apenas contribuiu com alguns sons para ela. Ele é conhecido por algo que nunca fez.”
A pandemia acabou por enquanto e você tem um novo álbum. Você vai sair em turnê novamente?
“Sim, haverá um show híbrido. Metade ao vivo e metade Realidade Virtual. Este é um conceito que pretendo aprofundar no futuro. A música vem de um sistema multicanal de 360°, você está bem no meio. O melhor de tudo é que o público está em uma arena e o som vem de todos os lados. E o mais importante: sem recursos visuais. Os ouvidos devem abrir os olhos, nada deve distrair a audição.”
Você viu isso de forma diferente. Se você pensar em seus concertos espetaculares nas décadas de 1980 e 1990 com poderosos shows de luzes, projeções de vídeo e raios laser, muito se distraiu com o som.
“Vejo a ironia em falar sobre isso. O visual deve permanecer na Realidade Virtual, pois é transmitido ao vivo em fones de ouvido ou em smartphones.”
De volta aos grandes shows que o tornaram famoso: você acha que esses projetos ainda são possíveis hoje? Concertos com um milhão de pessoas?
“Proteção do meio ambiente, energia, segurança, tudo isso mudou. Acho que esses grandes shows são relíquias do passado, estamos mais longe agora. Aconteceram várias mudanças de paradigma e é por isso que estou tão interessado na Realidade Virtual atualmente. Somos globais e ao mesmo tempo – não apenas durante a pandemia – isolados uns dos outros por vários motivos. É fascinante criar algo em VR que possa ultrapassar esses limites. Estou absolutamente convencido de que o Metaverso e a VR se tornarão seus próprios meios de expressão que revolucionarão a cultura. Assim como o cinema já foi uma revolução. No começo as pessoas diziam que eles não eram atores de verdade, que eles estavam no teatro. Mas o cinema tornou-se a forma cultural mais importante do século XX. E a VR vai mudar o conceito de concerto ao vivo. Não substituirá, mas expandirá e fortalecerá. Da mesma forma que o cinema acabou por mudar e fortalecer o teatro, mas não o substituiu.”
Fonte: tip Berlin
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