Padrinho do novo MIDEM, agora renomeado MIDEM+, realizado anualmente desde 1967 em Cannes (França), Jean-Michel Jarre compartilha as novas metas a serem alcançadas para este congresso, entre a promoção da música de nicho e o papel dos avanços tecnológicos.
Como você foi escolhido para ser padrinho do MIDEM+?
“Bem, David Lisnard, o Presidente da Câmara de Cannes, contactou-me dizendo: ‘Decidi assumir a marca MIDEM’ e se eu aceitaria ser o seu padrinho visto que o MIDEM é agora MIDEM+, com o desejo de imprimir desde logo uma imagem de inovação, sobretudo ligada ao som e à música, claro. E aceitei de imediato por várias razões: em primeiro lugar porque acho que o MIDEM é uma marca conhecida em todo o mundo, que tem caído bastante em desuso, de certa forma, ou que não tem conseguido adaptar-se à evolução da música nos últimos 20 ou 25 anos. Assim, ficou um pouco esvaziado do seu conteúdo, mas ao mesmo tempo, hoje, depois da Covid, percebemos que neste momento de disrupção ao nível tecnológico e ao nível próprio da forma como consumimos, no bom sentido do termo música, cinema, etc., podemos ver claramente que as coisas estão mudando e que com o surgimento de mundos imersivos, do Metaverso, VR, etc., finalmente percebemos, quando falamos de mundos imersivos, que todo mundo tem universos em mente, mas muito poucos se preocupam com som e música, quando, para os humanos, o campo visual é de 140° e o campo auditivo é de 360°. E assim, para nós, o primeiro dos sentidos sensível à imersão é a audição. E acho muito importante que um evento como o MIDEM possa justamente celebrar esse ‘know-how’ que temos na França historicamente com o Groupe de Recherche Musicale e Pierre Schaeffer, Pierre Henry que foram os pioneiros a quem presto homenagem através de Oxymore, e o IRCAM também. E depois todas essas start-ups relativas à imersão, que estão entre as mais avançadas do mundo. Portanto, existe a possibilidade, justamente, graças a eventos como o MIDEM, de poder participar da soberania digital de amanhã, da Web 3.0 em particular, graças a esse ‘know-how’ que temos. E num país tradicionalmente mais de literatura e cinema, precisamos de eventos como o MIDEM. Então, é por isso que estou muito feliz em poder apadrinhá-lo e realizar, além disso, três shows totalmente focados em tecnologia e em inovação.”
Nos seus dois últimos álbuns, (Amazônia, 2021 e Oxymore, 2022), você parece ter optado por um método de composição bem diferente dos anteriores, com muitas sobreposições de sons e texturas, deixando de lado as melodias tradicionais que você costuma fazer. Tecnicamente, como você aborda esse tipo de composição? Você, talvez, usa mais computadores do que o habitual?
“Sim e não. Se falarmos de ‘Oxymore’ parti da ideia de que durante séculos, de fato, a nossa relação com a música tem sido frontal. Ou seja, quando compomos para uma orquestra, visualizamos a orquestra à nossa frente, quando estamos no estúdio, temos os alto-falantes à nossa frente, quando estamos em um show, temos o sistema de som à nossa frente, e por fim, temos essa relação em 2D, frontalmente, com a música. No entanto, o estéreo não existe na natureza. Quando falamos um com o outro, falamos em mono. Um pássaro cantando canta em mono. Na verdade, é o ambiente ao nosso redor e nossos ouvidos que criam perspectiva no áudio. E paradoxalmente, com a tecnologia de hoje, podemos pela primeira vez voltar a conceber a música como simplesmente concebemos o som na vida cotidiana, ou seja, não estar na frente da música, mas estar dentro da música. E o que o ‘Oxymore’ tem de especial – que eu já tinha começado a explorar um pouco com o ‘Amazônia’, mas principalmente com o ‘Oxymore’ – é realmente compor desde o início em 360°, ou seja, eu não vou desenhar minha orquestração, meu arranjo na minha frente, mas na verdade ao meu redor. É colocando os sons um pouco como objetos ao seu redor, dizendo para mim mesmo: ‘Bem, este som, eu quero tê-lo aqui, atrás de mim, à esquerda, e então viajar à minha frente para a direita’. Obviamente, essa é uma maneira totalmente diferente de compor. Ou seja, de repente, cada som tem seu espaço vital, é uma mudança total. E assim fui explorando, diria, sem referência, já que realmente não foi feito antes, com um resultado que acho bastante convincente e que quero democratizar de duas formas, porque afinal, no fundo, quem se importa sobre tecnologia? O que importa é o resultado, é a emoção e a emoção que compartilhamos com o público. E é isso que eu fiz aqui em Cannes com o set ao vivo, de certa forma, com aparelhos assim, que hoje é um aparelho que a gente instalou no Salon des Ambassadeurs do Palais des Festivals, mas que amanhã pode ser bem maior , muito maior, recebendo muito mais pessoas, e ao mesmo tempo também poder compartilhar com o público, com fones de ouvido padrão, seu smartphone ou laptop, fazendo o download – claro, o álbum está disponível em estéreo – mas fazendo o download da versão binaural. Ou seja, na verdade, mais ou menos o que vemos aqui ao nosso redor, mas trazido de volta para os fones de ouvido, ou seja, ter a imersão e a sensação de imersão nos fones de ouvido e, portanto, consequentemente, essa ideia de imersão, de 360°, que conhecemos há muito tempo no cinema com ‘Dolby Atmos’. Quando vemos filmes como Avatar, já estamos acostumados a ficar imersos no som, mas em relação à música ainda não era algo que havia sido feito, então fico feliz em apresentá-lo, obviamente, em Cannes, em pré-visualização, ou na estreia, para ser mais exato.”
O avanço da I.A. (Inteligência Artificial) na composição musical: você a vê mais como um perigo desumano ou como um progresso salutar?
“Bem, a tecnologia sempre ditou estilos e não o contrário. É porque nós inventamos o violino que Vivaldi fez a música que fez, porque nós inventamos o sintetizador que pessoas como eu ou outras estão aqui. Então a tecnologia é neutra, depende do que você faz com ela. E para mim, a I.A. não é necessariamente um perigo se for bem utilizada, ou seja, cada vez mais à medida que a tecnologia se sofistica, precisamos pensar em regulamentações. Então, existe um código de ética que teremos que criar, inventar rapidamente em relação à I.A: até onde estabelecemos o limite e depois também todos os problemas de propriedade intelectual que surgirão. É por isso que o MIDEM também colocará todos esses problemas nos próximos anos e é muito importante ter um evento que possa abordar todos esses assuntos com o fato de que, a longo prazo, poderemos ter reuniões aqui, precisamente, que podem refletir em um código de ética, em regulamentos em termos de propriedade intelectual, direitos autorais, etc.”
A criação do “Oxyville” significa que você pretende abandonar os shows ao vivo para se concentrar no virtual?
“De jeito nenhum. Para mim, VR é um modo de expressão em si, como o cinema era nos primórdios do teatro, onde as pessoas do teatro diziam: ‘Essas pessoas que estão se movendo em uma tela branca, não são atores de verdade, um ator de verdade é um ator no palco com seu público’. E, de fato, percebemos que não só o cinema se tornou uma arte maior, e não só não enfraqueceu o teatro, como o fortaleceu, assim como a televisão reforçou o cinema. Assim, a VR deve ser considerada hoje como um modo de expressão adicional que reforça a performance ao vivo e não o contrário. E para mim, o que me interessa é fazer tantos shows ao vivo como aqui, mas também, ao mesmo tempo, que sejam híbridos e que eu também possa estar ao vivo no Metaverso e em VR porque isso atinge outro público, e as pessoas encontram-se lado a lado com outros que estão fisicamente em Xangai, Rio, Berlim, Londres ou Cannes. E, portanto, é algo completamente novo e que também permite, a um custo menor, imaginar cenografias, grafismos, visuais completamente novos, e esta é uma oportunidade para jovens artistas.”
De todos os concertos espetaculares que você já realizou, se pudesse reviver algum, qual seria?
“É complicado porque revivê-los não é necessariamente o que eu gostaria, mas se há um concerto que guardo, provavelmente será o que fiz na minha cidade natal, Lyon, para a visita do Papa João Paulo II, pois o palco era exatamente na praça do mercado onde eu costumava ir com a minha avó, e de fato, houve uma colisão ao mesmo tempo entre a reminiscência de memórias e um lado espiritual que me impressionou muito.”
Entre 2017 e 2022, você lançou mais de 200 projetos de som criados para a FranceInfo e, em última análise, sabemos muito pouco sobre isso. Eles foram compostos em vários períodos ou datam do período anterior ao seu lançamento?
“Na verdade, sempre me interessei muito pela relação entre música e notícias e eu realmente abordei esse projeto como uma trilha sonora de filme para notícias. Com a informação que é um animal muito particular porque é um animal que está realmente vivo, que progride, que se move permanentemente. Então, na verdade, todas essas sequências musicais diferentes, eu finalmente as desenhei gradualmente, um pouco como coleções de verão e coleções de inverno, mantendo o DNA dos temas iniciais, mas evoluindo ao longo do tempo.”
Você é sem dúvida o mais famoso dos músicos experimentais contemporâneos, ficando Aphex Twin um pouco mais atrás. A maioria das gravadoras experimentais e IDM (Intelligent Dance Music – termo que descreve um gênero de música eletrônica que apareceu no início de 1990) independentes estão prestes a fechar devido ao custo cada vez maior da fabricação de vinil, especialmente na Europa, e a grande maioria dos artistas experimentais se encontra confinada à autopromoção digital, no Bandcamp em geral, na sequência da total falta de cobertura midiática deste tipo de música.
“Certo”.
O que pode ser feito, na sua opinião, para promover a cena eletrônica experimental e talvez reavivar sua inclusão junto ao público?
“Bem, acho que, precisamente, estamos no cerne da questão. Acho que eventos como o MIDEM não são neutros. Eles podem ajudar muito selos independentes, artistas, com o fato de, que se a gente começar a pensar e vincular eventos como o MIDEM com o Metaverso e o virtual, ou seja, democratizar ferramentas de realização, produção, justamente, para artistas que estão começando fora e, portanto, poder mudar o gabarito, atingir um público que não poderia alcançar de outra forma, acho que existem possibilidades realmente grandes para todos os artistas independentes que tentam desbravar e explorar. Acho que realmente estamos em um período em que temos a possibilidade de dar aos artistas que estão um pouco fora da caixa meios de se expressar. E é realmente por isso que estou lutando, em todos os casos.”
Da mesma forma que o posicionamento do canal de televisão “Arte” em relação aos grandes canais de televisão, que deliberadamente decidem promover a cultura apesar de uma audiência menor, você acha que é possível e potencialmente viável uma unidade cultural que visa promover apenas música alternativa?
“Absolutamente. O problema que temos na França é que somos historicamente um país de cinema e literatura, e não propriamente de música. O CNC (Centro Nacional do Cinema e da Imagem em Movimento) foi criado em 1946, o CNM (Centro Nacional da Música) em 2020. 75 anos de diferença, isso diz tudo. E assim, penso que, ao mesmo tempo, vemos o serviço público que, no entanto, segue uma linha editorial confusa – não estou a falar apenas da France Inter (principal estação de rádio nacional francesa do serviço público desde 1947) – ainda bastante ousada, bastante orientada, precisamente, para a experimentação. Nunca podemos prestar homenagem suficiente ao serviço público e seu lado pioneiro em termos de inovação sólida, então acho que, de fato, podemos estar absolutamente esperançosos com o fato de que na França podemos ter as ferramentas para garantir isso. Acho que o rádio tem um futuro brilhante pela frente e, cada vez mais, também, todas as tecnologias XR e VR que permitirão, a um custo menor, se comunicar com o público em todo o mundo. Então eu acho que a gente só tem que conseguir democratizar as ferramentas. Deve haver vontade política na França e acho que pode existir, para poder participar, basicamente, da soberania de amanhã. Porque o problema é que tem havido muita tendência na França, particularmente na Europa, de separar a produção das ferramentas de transmissão e deixá-las nas mãos dos americanos. E então, hoje existe uma oportunidade de tentar exatamente ter controle sobre as ferramentas de transmissão. Não estou nem falando de distribuição, mas de transmissão. Porque esse é o problema: poder ser disseminado e divulgar as obras que existem. Temos uma forma de nos exprimirmos em termos sonoros, especialmente musicalmente, mas nós, franco-europeus, temos de ter um domínio dos instrumentos de divulgação. Isto é crucial, caso contrário, nos tornaremos, como já disse muitas vezes, os astecas de Hernán Cortés. Seremos comprados ainda mais por miçangas de áudio baratas. Mas penso que temos todos os meios na França para tornar possível.”
Fonte: Nouvelle Vague
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