AS RAÍZES ELEMENTARES DE JEAN-MICHEL JARRE: “EU AINDA ESTOU EM BUSCA DE UM CORREDOR DE SONS”

O compositor francês, ainda muito ativo desde que publicou dois álbuns este ano, o Live in Notre-Dame VR e Amazônia, para a exposição parisiense de Sebastião Salgado, recebeu o “Le Soir” em sua residência na Avenue Montaigne para uma volta ao passado. Quando contamos a ele sobre o conceito de “Raízes Elementares”, Jarre, apaixonado por novos desafios, imediatamente aceita, com duas restrições impostas: fazer um teste de Covid na mesma manhã e cobrir ou tirar os sapatos. Você nunca pode deixar de ser cuidadoso! O artista de 85 milhões de discos vendidos foi acolhedor e aberto à sessão de fotos e a todas as perguntas que foram feitas.

Bélgica – 02/10/2021|Por: Thierry Coljon

Jean-Michel Jarre, aos 73 anos, continua inovando. Quarenta e cinco anos após o sucesso esmagador de seu álbum Oxygène, que vendeu mais de 18 milhões de cópias em todo o mundo, ele retorna com Live in Notre-Dame VR – Welcome to the Other Side, a gravação do show realizado ao vivo e em Realidade Virtual na noite de 31 de dezembro de 2020, na Catedral de Notre-Dame reconstruída pela empresa Ubisoft, que foi visto por 75 milhões de pessoas espalhados pelo mundo. “Le Soir” teve a oportunidade de conversar com ele sobre sua vida e carreira excepcionais.

“Eu não seria quem eu sou se… É amplo. Podemos começar com o mais mundano: eu não teria me tornado o que sou se eu não tivesse os pais que tive. Cada pai é metade do que você é. No meu caso, tive pais complementares tanto na minha formação como na minha falta de formação. Porque tive uma mãe muito presente e um pai muito ausente. Minha mãe principalmente fez quem eu sou e meu pai, no fundo, também fez o que sou tentando repor essa lacuna e essa ausência que eu poderia ter sentido. É mais fácil se identificar quando criança e adolescente contra um pai com o qual você possivelmente pode se rebelar do que enfrentar um buraco negro. É muito mais complicado de construir.”

Este pai, Maurice Jarre, que não vemos, o mitificamos quando somos crianças? Estamos fazendo um Deus ou um bastardo?

“Não, nem um nem outro. E minha mãe sempre foi muito correta. Ela sempre se saiu bem nisso. Nunca tentou retratar meu pai negativamente. Tampouco mitificando. Como meu pai foi para os Estados Unidos muito cedo, era uma abstração. Seu sucesso não me impressionou em nada, porque eu não sabia disso. Porque naquela época a música de cinema não estava em destaque como hoje. Eu finalmente saí totalmente de seu rastro. E a minha figura paterna era o meu avô, André Jarre.”

Um homem que te influenciou muito já que era músico e tinha um grande interesse por novas tecnologias…

“Ele não estava necessariamente no meio. Foi um engenheiro e também um personagem muito cativante. Ele foi um inventor, tocou oboé, inventou uma das primeiras mesas de mixagem para rádio, em Lyon, e o Teppaz, considerado o ancestral do iPod, que foi o meu primeiro gravador portátil. Fazíamos um piquenique ao som de Edith Piaf ou Chet Baker. Ele foi muito educado e eu não seria quem eu sou sem ele. Tive uma relação especial, pois ele me deu algo fundamental em minha carreira quando eu tinha 10-11 anos: um gravador alemão Grundig de segunda mão, com o qual eu andava por toda parte, mesmo sendo muito pesado e gravava tudo o que vinha até mim. Curtia muito isso. E um dia toquei a fita ao contrário e achei que alienígenas estavam falando comigo. E a partir daí tive o gosto de começar a adulterar sons nas bandas de rock que eu tinha. Eu já tinha o vírus da aproximação de um som diferente do jeito acadêmico de abordar a música.”

E ao mesmo tempo, aos 8 anos, você começou a tocar piano antes de fazer aulas de harmonia e contraponto no Conservatório de Paris. Sua mãe era muito atraída pela música?

“Sim! Ela não ouvia rock, porque não era muito de sua praia. Mas ela ouvia principalmente música clássica e um pouco de jazz graças a uma mulher que conheceu quando foi presa pelos alemães. Uma mulher que fundou o mais influente clube de jazz de Paris, que se chamava ‘Le Chat Qui Pêche’. Por lá passavam todos os grandes nomes da época: Chet Baker, John Coltrane, Archie Shepp e Don Cherry. Minha mãe também ouvia muito músicas francesas: Brassens, Trenet… Ela era bastante eclética, muito aberta em seus gostos musicais e abriu minha mente.”

Foi neste clube de jazz que você viu artistas no palco pela primeira vez que talvez tenham feito você querer fazer o mesmo mais tarde?

“Não subi no palco, mas me deu gosto pelo som, sim. Eu descia as escadas e ouvia essas pessoas tocando jazz, ensaiando. Fiquei especialmente fascinado com o som naquela sala cheia de ecos. Um momento de que me lembro que foi muito forte na minha vida, foi quando eu acho que no meu aniversário de nove anos, Chet Baker me sentou ao lado dele e tocou para mim. Ainda sinto essa sensação incrível do toque do trompete no meu peito. Me impressionou muito essa relação orgânica com o som. Como resultado, sempre fiz uma estranha conexão entre o jazz e o que aprendi mais tarde com Pierre Schaeffer, sobre a abordagem sonora da música antes de abordá-la através da teoria.”

Você conheceu Pierre Schaeffer em 1968 e ele o integrou no Grupo de Pesquisa Musical, o GRM…

“Sim, além das minhas bandas de rock e minhas aulas de harmonia no Conservatório com Jeanine Rueff. Quando eu tinha 16 anos, muitas vezes ia ao Olympia para assistir grupos de rock inglês. Passava noites inteiras lá com meus amigos. Achava que era a música da nossa geração e do nosso tempo. Mas isso foi a revolução dos ingleses ou dos americanos, e não a nossa. Não foram os franceses e nem os europeus continentais. Sempre me incomodava um pouco com o que ouvia no rádio, ou seja, os covers franceses de canções inglesas ou americanas. Era como se eu tivesse escutado um chileno Jacques Brel ou uma malgaxe Piaf. Eu me perguntava onde estava nossa música europeia quando conheci Schaeffer e me envolvi com música eletrônica e eletroacústica. Pensei comigo mesmo: esta é a nossa identidade. É algo diferente de jazz, blues ou rock. É algo que faz parte das nossas raízes europeias. Antes do Kraftwerk, é Stockhausen, é Pierre Henry, é Pierre Schaeffer. Este é o Theremin na década de 1920 na Rússia. São os Ondas Martenot também nos anos 20 e 30 na França. É a arte sonora de Luigi Russolo na Itália durante o futurismo na virada do século. Portanto, isso remonta a um longo caminho, e é um longo caminho desde a influência pop anglo-saxônica. Esta é a razão pela qual a Europa continental tem tanta legitimidade e importância no que mais tarde se tornaria a música eletrônica.”

Musicalmente, você já estava fazendo a grande diferença entre acadêmico e popular. Dois mundos muito diferentes em que você evoluiu. Você sempre manteve essa miscigenação?

“Sim, está absolutamente certo. Sempre tenho muita coisa na minha cabeça. Eu rapidamente percebi que havia algo errado com a maneira como nós, no Ocidente, ensinávamos música. Aprender teoria musical antes de fazer som por exemplo, é como ensinar uma criança a escrever e ler antes de ensiná-la a falar. É por isso que estou planejando começar uma escola de música online no próximo ano. Na França, somos um país de literatura e cinema, mas não somos fortes o suficiente na música. Estamos muito atrasados em relação a um certo número de países, incluindo a Bélgica. Já a palavra ‘conservatório’ é ambígua. Ao mesmo tempo, em 1968, queríamos sacudir as coisas e nos rebelar contra o sistema. Incluindo o do rock. O que Pierre Schaeffer representava era perfeitamente adequado para aquela época, para pensar diferente, explorar outros caminhos.”

Pierre Schaeffer também foi para você uma figura paternal de substituição?

“Sim, claro. Ele não era alguém extremamente expansivo, mas sim, sem contra-psicanálise. Quando o pai está ausente tende-se a encontrar em pessoas mais velhas substitutos profissionais ou algo assim. É verdade que, intelectualmente, Pierre Schaeffer desempenhou em algum momento esse papel.”

No início dos anos 70, com o diploma de literatura comparada no bolso, você passou muitos anos não só compondo, mas também escrevendo letras de músicas, em particular para Christophe e Patrick Juvet, antes de lançar “Oxygène” em 1976 e encontrar o seu caminho. São coincidências da vida, dos encontros, da curiosidade, da necessidade de ganhar a vida?

“Eu gosto da palavra dispersão. É o que desejo para todas as crianças e adolescentes: dar-se ao luxo de serem dispersos em algum momento. Os dias de 1968 foram abençoados porque havia muito caos, uma confusão nas estruturas educacionais, onde fui capaz de colher informações de todos os lugares. Porque eu sabia que queria fazer música. Na universidade, fiz um pouco de ciência política, direito, filosofia, química, música aplicada. Tudo contava para ter licença. Eu hackeei o sistema a meu favor, por assim dizer. Era um conhecimento geral, curiosidade, que sempre esteve no meu DNA e que minha mãe passou para mim, com certeza. No entanto, eu não controlei as coisas. Elas caíram em mim. Então, existem escolhas entre as oportunidades. Quando saí do grupo de Schaeffer um amigo coreógrafo chamado Norbert Schmucki me pediu para tocar música em um balé na Ópera de Paris. Foi o Aor em 1971. Comecei onde as pessoas muitas vezes acabam. Foi a grande volta da música eletroacústica na Ópera, templo da tradição. A partir daí, descobri o mundo do pop onde os estúdios me pareciam a nave de Star Trek. De repente fiz produção, composição, toquei em grupos, escrevi textos… Fiz de tudo um pouco como trabalhos práticos que me permitiram viver e aprender diferentes formas de abordar a criação em geral. E ao mesmo tempo segui meu caminho da música eletrônica, no meu pequeno estúdio caseiro em casa. Então lancei alguns discos cuja divulgação não passou do fim da minha rua. O sucesso que eu queria ter na música só veio com o Oxygène.”

Ao mesmo tempo, suas colaborações de curta duração com Christophe, Françoise Hardy, Gérard Lenorman ou Patrick Juvet, apesar de bem sucedidas, não te trouxeram arrependimentos?

“De jeito nenhum. Recentemente, descobri que Pharrell Williams queria fazer um cover de ‘Où sont les femmes ?’ que produzi com Patrick Juvet. Esse disco, que fizemos em Los Angeles com os melhores músicos locais daquela época, não está datado. Naquele tempo, eu era obcecado pelas produções de Ken Scott, Supertramp, Electric Light Orchestra… Patrick também. Eu realmente fiz o som do Patrick saindo da variedade, assim como o Christophe com ‘Les Paradis Perdus’, para ir em álbuns conceituais onde o som, de fato, predominava. Mesmo quando escrevi ‘Les Mots Bleus’, foi o som das palavras que me interessou. Nunca me vi como um letrista, mas sim como alguém que trabalha com sons.”

Você não perdeu palavras depois?

“Não, porque sempre escrevi para mim. Depois disso, fui absorvido por uma carreira que continuou a se desenvolver. Não foi uma recusa, mas sim uma falta de tempo. E também um problema de encontros. Pessoas como Christophe me inspiraram a costurar um guarda-roupa, por assim dizer. Eu realmente não conheci isso depois”

Outra pessoa importante em sua jornada foi Francis Dreyfus, o dono da gravadora que te contratou por um longo tempo. Ele morreu em 2010, algumas semanas após a morte de sua mãe e alguns meses depois da perda seu pai.

“Na época em que nos conhecemos, o pessoal da indústria da música era o serralho, que hoje se encontra em pequenas gravadoras independentes. Quando o CD chegou, as gravadoras foram esvaziadas de seu conteúdo criativo e os patrões (Barclays, Bransons, Dreyfus, Erteguns, Blackwells…) foram substituídos por advogados, banqueiros, etc. Francis Dreyfus era apaixonado por música e era um OVNI ao mesmo tempo. Ele já tinha uma visão muito internacional, ao contrário dos outros franceses que eram muito franceses. Desde o início, Francis foi o editor na França do Pink Floyd, David Bowie, ‘jazzmen’. Tivemos muitas reuniões sobre este assunto. Tínhamos um pouco a mesma rota. E uma visão bastante sofisticada e muito atraente. Sua imagem de pai e de irmão mais velho, também foi muito importante para mim. Foi ele quem nos reuniu com Christophe.”

O enorme sucesso sem precedentes de “Oxygène” na França, transformou sua vida?

“É claro! Mudou tudo. Econômica e socialmente, e ao mesmo tempo, com Dreyfus, já que éramos bastante marginais. Mas não mudou minhas dúvidas, minhas hesitações, minha curiosidade, meu desejo de seguir em frente. De certa forma, isso tranquiliza e preocupa. É reconfortante saber que o que fazemos encontra eco. E me preocupa porque de repente você se torna um produto, um centro de interesse econômico, com as pessoas que vêm para lhe dar uma pressão que não foi solicitada. E então somos tatuados por seu primeiro sucesso. O que quer que façamos depois, esse sempre será o ponto de referência. Você tem que saber e aceitar. Então, aos poucos, vai demorando para entender que a vida de um artista é entre sucessos e fracassos. Estes são acidentes e seu destino está no meio.”

O conceito de mega-concerto que você inventou na França foi o sucesso?

“Não, estava relacionado com uma experiência. O problema sempre foi levar a música eletrônica para o palco por causa dos instrumentos que não são de compartilhamento, mas de laboratório. Portanto, ficar atrás de uma parede de sintetizadores, botões, cabos e computadores não era muito sexy. Outra coisa precisava ser encontrada. Eu me interessava muito por teatro e ópera e isso me inspirou a usar as tecnologias da minha época que eram projeções de imagens, vídeos, luzes, laser… Sempre fui apaixonado por arquitetura. Se eu não fosse músico, acho que seria arquiteto. Achei minha música mais adequada ao ar livre, mais do que jazz ou rock. Eu também estive, por meio de minha mãe, muito envolvido com a ecologia. Daí veio o tema do Oxygène. Meu primeiro show, de forma totalmente experimental, atraiu um milhão de pessoas na Place de la Concorde. Não foi planejado e levei um ano para superar isso. No rock, naquela época, não havia cenografia. Lembro que Mick Jagger veio me parabenizar dizendo: ‘Eu nunca vi isso na minha vida’. Esse show na Place de la Concorde abriu muitas portas.”

Você também era apaixonado pelo mundo da pintura…

“Sim, com certeza, a ponto de hesitar um pouco entre a pintura e a música. Até inventei que tinha um irmão para ajudar minha mãe a manter seu estande de roupas de teatro e cinema que ela amava. Eu pintei, mas como era muito jovem, não tinha credibilidade em vender minhas pinturas aos 13-14 anos. Então eu fingia que era meu irmão mais velho (imaginário) que pintava. Eu vendi e desisti. Muitos músicos já passaram pela pintura. Pink Floyd, Bowie, Eno, Gabriel… Nick Mason, o baterista do Pink Floyd, disse uma coisa muito legal em determinado momento: Paramos, damos lugar a Jean-Michel Jarre!”

Voltemos à sua mãe, France Pejot, uma grande lutadora da Resistência, que sobreviveu a Ravensbrück, filha de comerciantes que administravam uma loja de lingerie em Lyon antes de ir para Paris…

“A minha mãe esteve imersa no teatro por causa do meu pai nos primeiros sete anos que passaram juntos. Eu nasci dois anos depois que eles se conheceram. Meu pai, na época, trabalhava na Compagnie Jean-Louis Barrault. Ele era um percussionista e Pierre Boulez um pianista. Lembro que tinha 3-4 anos, no apartamento em Issy-les-Moulinaux, onde o meu pai e o Boulez repintaram a cozinha. Meu pai viajava muito, com o mímico Marceau também, e minha mãe o seguia. Ela gostava muito. É por isso que nos shows que fiz ao redor do mundo, sempre levava minha mãe. Ela esteve em toda parte, mesmo depois dos 90 anos. Ela sempre amou. Há poucos dias ela foi homenageada na cidade de Lyon com a colocação de uma placa na Passagem que agora leva seu nome. É tudo muito comovente. Ela me incutiu valores de tolerância para distinguir entre uma ideologia e um povo. Comparada com sua própria jornada, ela nunca confundiu os nazistas com os alemães. Não era comum depois da guerra. Ela também pode ser iconoclasta. Quando Mitterrand foi eleito em 1981, ela disse: ‘Mas por que a esquerda elege um cara da direita?’ Ela era muito engraçada. Ela também me influenciou muito, por exemplo, em ir a vários lugares e ser contra o boicote. Ir para países onde as pessoas não têm as mesmas liberdades que nós e ver a cultura como um cavalo de Troia. Por exemplo, pouco antes da pandemia, defini minhas condições para tocar na Arábia Saudita. Pedi que neste concerto ao ar livre houvesse total paridade entre homens e mulheres. Eles concordaram e eu aceitei. Caso contrário, colaboramos na radicalização, aplicando uma dupla pena que sempre me pareceu injusta. Ser manipulado não importa. O importante é chegar às pessoas e começar. Um dia ou outro, teremos que ir ao Afeganistão como artista. Ou na Coréia do Norte ou no Irã. Não ir para lá é como uma traição às pessoas que estão isoladas da cultura… Eu gosto muito de Roger Waters mas achei sua atitude completamente sectária ao ameaçar seus colegas artistas de tocarem em Israel, enquanto ele ao mesmo tempo foi tocar na América do Trump.”

No Making of de “Welcome to the Other Side”, você admite que prefere escolher seus sonhos vivendo no mundo virtual… Como Peter Pan que se diverte e se recusa a crescer…

“É uma característica de um artista permanecer curioso. É um ingrediente básico da criação. A Realidade Virtual – VR – é muito antiga. O primeiro objeto da Realidade Virtual é o livro. O fato de se projetar em um universo imaginário é o livro e o cinema. Tecnicamente, a VR hoje possibilita o teletransporte usando um avatar, em um determinado universo. Para ver e sentir e não apenas imaginar. É a peculiaridade da arte oferecer um universo imaginário, virtual, paralelo à realidade. A VR se oferece para estar no livro, é isso que é interessante. Estou convencido de que a VR se tornará um modo de expressão em si, deixará o mundo dos videogames para se tornar um modo de expressão como o cinema foi. Sem ser competitivo com as salas de concerto ou cinemas que continuarão existindo.”

Esse mundo futuro descrito pelo escritor Ernest Cline em “Jogador Nº 1”, que Spielberg adaptou para o cinema, também pode ser assustador, com todos em casa vivendo em mundos virtuais?

“É muito mais sexy, na visão de futuro de um designer, ser distópico do que ser positivo. Também faz parte do DNA humano dizer que ontem foi melhor e amanhã será pior. É porque não faremos parte do futuro que temos uma visão sombria dele. A VR permite que você faça coisas que não faria de outra forma. Cada nova técnica não existe para substituir, mas para complementar algo que já existe. Os concertos de VR não substituem as apresentações ao vivo. Por que não fazer os dois? Da mesma forma que o cinema não substituiu o teatro. Ele o fortaleceu em vez de enfraquecê-lo.”

O concerto virtual em Notre-Dame nos mostra mais uma vez que você sempre foi muito moderno. Como você faz isso?

“Trabalho muito, faço música e experimentos todos os dias. Software, sintetizadores, instrumentos. Estou sempre em busca do corredor de sons. Soulages diz algo que gosto muito: ‘É o que eu faço que me diz para onde estou indo’. É uma paixão. Eu não quero fazer mas nada. Escrever o livro da minha vida foi um divertido exercício de estilo. Não estou com saudade. Tudo o que fiz, fiz muito bem, mas estes são rascunhos para a próxima etapa. Estou explorando. A Realidade Virtual veio até mim quando me perguntaram se eu gostaria de fazer um show virtual. Eu disse que sim e fizemos em três semanas algo que não existia. O primeiro concerto virtual ao vivo. É uma coisa totalmente diferente de hologramas no palco como o ABBA fará em breve. Welcome to the Other Side foi um concerto realizado e transmitido ao vivo, com um universo construído para isso. Com a ideia de mandar uma mensagem de esperança na passagem do ano novo, de passar como Cocteau para o outro lado do espelho, do fim do vírus, de celebrar uma catedral danificada e enfraquecida como nós estamos. Tecnicamente, é entrar em um universo virtual com a possibilidade das pessoas, sempre virtuais, se encontrarem ao mesmo tempo enquanto estão em casa e reuni-las no mesmo lugar. Eu também gosto dessa dimensão social. Pessoas podem vir, se encontrarem, sem se mexerem. Ainda podemos compartilhar, mesmo que não podemos nos mover.”

Welcome to the Other Side” e “Amazônia” são as suas atividades mais recentes. O que virá em seguida?

“São dois projetos nos quais me imergi totalmente, mais ou menos ao mesmo tempo. O que eu gosto no Welcome to the Other Side é que esse show foi projetado para ser multimídia. É um show em VR que está sendo lançado em Blu-Ray, CD e vinil, e estamos a 180º, onde o círculo se fecha. Não tenho planos de usá-lo em uma turnê. Não penso muito sobre shows no momento, pois ainda há muitas perguntas sobre o vírus. Todo mundo está um pouco perdido. Sei que voltarei ao palco algum dia, mas não como antes. Ainda não sei como. Esse período mudou muitas coisas em meu pensamento. Estou trabalhando muito no momento com áudio em 3D. Também sonho com Realidade Aumentada, numa cenografia que combina diferentes técnicas. Ao mesmo tempo, faço muita música, como Amazônia que também foi uma imersão sonora.”

Quando perguntamos a Jean-Michel Jarre qual seria o seu texto inspirador, ele nos pede um tempo para refletir. Alguns dias depois, recebemos esta simples frase de Michel Serres: “Dependemos do que depende de nós.”

Fonte: Le Soir