Jean-Michel Jarre é um dos compositores mais renomados e aclamados do mundo. O artista realizou um concerto em Radom para marcar o aniversário dos protestos de trabalhadores na cidade. Ania Senkara acompanhou os preparativos para a apresentação. Ative as legendas do YouTube para o português:
Fonte: Dzień Dobry TVN
No princípio, no Jardim do Éden eletrônico, havia aquele silêncio peculiar que precede todas as revoluções, o silêncio de uma orelha inclinando-se em seu eixo, de uma trajetória descobrindo sua direção. Antes das multidões de milhões de pessoas se aglomerarem às margens do Sena, antes dos lasers rasgarem as noites de Houston e Moscou, antes do sintetizador se tornar um signo musical em si mesmo, Jean-Michel Jarre era um jovem com um olho fixo no futuro, mesmo sem desejá-lo. Convencido de ter ouvido algo nos lábios de uma máquina que outros descartavam como mera beleza fria. Cinquenta anos se passaram. A visão permanece a mesma. Enquanto se prepara para se apresentar pela primeira vez em Ibiza, no quinquagésimo aniversário da Amnesia, templo de todos os trances, Jarre é aquela figura rara e inflexível. Um homem que dedicou toda a sua vida à busca da emoção e da experimentação onde outros viam apenas mecânica. Do seu avô inventor ao GRM, do Oxygene à Inteligência Artificial. Sua história acompanha a trajetória daqueles que amam a máquina, um amor que nunca deixou de florescer nas mãos de um homem que a abraçou em todas as fases de sua vida.
No princípio, havia Jean-Michel Jarre. E a máquina.
ECOS
Como o fio vermelho que predestina os amantes, Jean-Michel Jarre ainda não conhecia o grande amor de sua vida, mas já podia vislumbrá-la em toda parte ao seu redor, ouvi-la, até mesmo roçá-la com a ponta dos dedos. Ela estava ali, aquela a quem ele viria a amar tão profundamente, orbitando-o sempre, como um objeto de infinita curiosidade.
André Jarre, seu avô, engenheiro, inventor, oboísta e pescador nas horas vagas, contribuiu para a invenção da primeira mesa de mixagem projetada para a rádio francesa e construiu o Teppaz, aquele pequeno toca-discos portátil que toda uma geração teve em mãos: o ancestral, diria Jean-Michel mais tarde, do iPod. Antes de acrescentar:
“Ele provavelmente me transmitiu essa ideia de que a tecnologia pode estar a serviço do processo criativo e que tecnologia e música podem ser misturadas.”
Seu pai, uma figura ausente durante toda a sua infância, era músico. Um vazio que ele preencheria com música e criação: encarnado, magnético, corajoso. E nessa linhagem de homens que moldaram a história, havia também aquela que moldou o homem. Sua mãe. Aquela que traçou, ao longo da tênue linha de um destino, algo inesquecível:
“Minha mãe era uma pessoa extraordinária. Como muitos filhos, eu poderia dizer que minha mãe era a pessoa mais extraordinária do mundo, mas no meu caso, acho que é verdade. Ela foi uma figura importante na Resistência Francesa durante a guerra. Ela realmente abriu minha mente para as artes em geral: música, pintura, todas as formas de arte. Devo muito a ela em termos do meu despertar para a arte.”
Em casa, ela tocava Ray Charles. Um single, Jarre recorda: ” What’d I Say” de um lado, “Georgia on My Mind” do outro. Ele não conseguia definir exatamente o que o havia impactado, mas algo naquela voz o havia tocado profundamente. Mais tarde, ele entenderia que a emoção e a genialidade não vêm da perfeição, mas de um deslocamento perfeitamente dominado. Um passo além da linha, uma ideia à margem, um som ligeiramente fora do ritmo. Bem ao lado da regra, como uma criança insolente.
Nem sempre se pode acreditar em predestinação, muito menos em determinismo, mas com Jarre, como não projetar cada fragmento daqueles que o construíram em seu amor pelas máquinas? Música para dizer algo. A máquina para personificá-lo. Coragem para dizê-lo ao mundo.
“É estranho, porque não sei como acontece com outras pessoas, mas sempre tive uma espécie de ligação orgânica com a música. Nunca ‘percebi’ realmente que queria criar música. Foi mais como algo óbvio: dedicar meu tempo a um processo criativo.”
Quando tinha apenas onze anos, seu avô o apresentou à sua primeira musa: um gravador de fita usado. Já misterioso para um adulto, aquele aparelho o atraiu como o canto de uma sereia. A própria essência do mistério no qual ele se afogaria. A cristalização começa. Primeiro é admiração, não, algo mais do que isso. Obsessão.
“Fiquei completamente obcecado por aquela máquina. Gravava tudo, dia e noite. Um dia, reproduzi a fita ao contrário e tive a sensação de que alienígenas estavam falando comigo.”
Profecia ou não, uma coisa é certa: ninguém poderia saber, naquele momento, o que Jean-Michel Jarre viria a representar na história da música eletrônica. Nem ele mesmo sabia. Mas ele já havia compreendido uma coisa: “O poder da tecnologia, o poder das máquinas elétricas…”
O LABORATÓRIO
Buscar a linguagem na manifestação do som. O que fascina Jarre é precisamente o que ainda não é. Não é uma melodia, não é uma harmonia, às vezes nem mesmo algo agradável de se ouvir. Apenas uma matéria-prima bruta e estranha que intriga. Essa lacuna, essa distância entre o que esperamos e o que ouvimos, essa é a sua assinatura: a manifestação de algo um pouco maior do que uma melodia bem-sucedida.
“Misturar o som de um pássaro com um clarinete, o ruído de uma máquina com um trompete ou uma guitarra elétrica – essa estranha maneira de distorcer sons e ruídos”
Aquela sede infinita de experiência, que sempre o impulsionou, finalmente encontrou uma forma de se expressar. Em 1968, Jean-Michel Jarre ingressou no GRM, o Groupe de Recherches Musicales, o lugar onde pôde fundir a experimentação com a prática artística:
“Sempre fui obcecado pela ideia de criar uma ponte entre experimentação, pop e melodia. Sempre achei que a melodia é fundamental na música, mas que as texturas e o design de som também são uma parte importante da música moderna. (…) a música não se baseia apenas em notas ou solfejo, mas é feita de sons.”
E ela estava lá, ela que aguardava o momento em que a história deles finalmente tomaria um novo rumo. A máquina jamais desvia o olhar do jovem — ou talvez seja ele quem se recusa a deixá-la desviar o olhar. Ela se torna a continuidade da ideia por meio do som. O solfejo dita as regras, mas ela sussurra no ouvido dele sons que parecem proibidos. O GRM proporcionou a Jarre uma gramática para aquilo que ele sempre intuíra desde a infância: o chamado dos sons e, sobretudo, uma promessa de composição nova, atípica, situada à margem daquilo que poderia “realmente funcionar”.
“É essa forma de quebrar as regras que cria emoção. (…) Se você sempre segue as regras, na maior parte do tempo, provavelmente não deveria ser artista.”
No entanto, é com uma humildade serena que ele se define, ou melhor, que se recusa a se definir como uma figura de vanguarda, mesmo que sua visão tenha ajudado a conduzir a música eletrônica à legitimidade que possui hoje.
“Acho que nunca se sabe ao certo se o que você está fazendo pode se tornar parte de um movimento no futuro. Quando você cria, não se trata necessariamente de nostalgia, nem mesmo de tentar moldar o futuro. Esse não é o meu objetivo. O que me interessa mais é explorar o presente, aproveitá-lo, compreendê-lo.”
Ele prefere nomear aqueles que considera os verdadeiros pioneiros, seus mentores, como foi o caso de Pierre Schaeffer. Engenheiro da rádio pública francesa, Schaeffer aproveitou as tecnologias de gravação para experimentar com o som. Ele chegou a cunhar o conceito de “objeto sonoro”, considerando o som em sua forma mais pura, pelo que ele é, independentemente de sua origem. Hoje, é difícil compreender o quão radicais esses experimentos foram para a teoria musical, especialmente no que diz respeito à fusão do chamado “ruído” com a melodia. No entanto, eles foram os primeiros a lançar as bases do que a música eletrônica viria a ser: “(…) uma mistura de tecnologia, instrumentos orquestrais, acústicos e elétricos.”
Hoje, todo produtor, todo DJ, todo músico que manipula um ruído, sampleia um fragmento ou transforma uma textura acidental em um elemento rítmico ou atmosférico está expandindo uma ideia que antes era revolucionária: qualquer som pode se tornar música.
O que a máquina deve ao homem
Jean-Michel Jarre não podia permanecer confinado a este laboratório para sempre. Democratizar uma música experimental feita de sintetizadores não era tarefa fácil; na época, era quase um desafio. Ele precisava alcançar as pessoas. Precisava dizer algo. Tinha que ir além do próprio som e encontrar um território onde a máquina pudesse finalmente falar com aqueles que ainda não a conheciam. O mundo acadêmico e científico do GRM, por mais fértil que fosse, parecia distante e elitista demais para o que a máquina lhe sussurrava. Então Jarre fez o que parecia uma escolha simples: virar as costas para a teoria musical e abraçar a prática. Uma decisão que, sem que ele soubesse ainda, ajudaria a legitimar a música eletrônica como um todo.
Jarre não quer que a melodia apague a experimentação. Nem quer que a experimentação despreze a melodia. Ele está buscando o ponto de contato entre elas.
Ele a encontra primeiro no cinema. Em 1973, compôs a trilha sonora de Les Granges Brûlées.
“(…) as trilhas sonoras, sem dúvida, desempenharam um papel fundamental na popularização da música eletrônica. Quando fiz minhas primeiras trilhas sonoras para filmes, achei muito interessante usar a música eletrônica não apenas para ilustrar a imagem, mas para criar um contraponto, um diálogo com o visual. Tarantino ou Christopher Nolan costumam dizer que a música representa mais de 50% de um filme. Concordo plenamente.”
Essa obsessão por fazer a máquina falar, por torná-la acessível sem traí-la, jamais o abandonaria. Ela já estava plenamente presente quando ele começou a conceber o que viria a ser Oxygene. Em 1976, o álbum foi lançado para um mundo que não o esperava. Dezoito milhões de cópias vendidas. Um choque. Mas talvez ainda mais notável do que o seu sucesso seja o que ele revela sobre o próprio artista: não um visionário obcecado pelo futuro, mas um homem obstinadamente enraizado no presente.
“Nunca me interessei por nostalgia, nem pela ideia de criar ‘a música do futuro’. O que me interessa é a música fazer parte do presente e reunir pessoas.”
Por trás da obsessão solitária do criador, e ele não esconde isso, “somos egoístas, somos ladrões”, sempre houve outra fome, maior e mais urgente que o próprio impulso criativo: compartilhar. Oxygene não é apenas um álbum. É a primeira prova de que a máquina podia dizer algo tão imediato, tão contemporâneo, ao público. Na época, os sintetizadores estavam longe de serem considerados instrumentos legítimos. Mas Jean-Michel Jarre estava pronto para defender sua alma gêmea com toda a sua alma.
“Na época, essas máquinas foram rejeitadas pelo establishment, até mesmo pelo establishment do rock ou do punk. As pessoas diziam: ‘O que é isso? Não é um instrumento de verdade’. Para muitas pessoas, um instrumento era uma guitarra elétrica, bateria ou baixo, mas não um sintetizador. O sintetizador não era considerado um item musical confiável.”
Em Oxygene reside todo o mistério da máquina: uma música sem palavras que, no entanto, soa instantaneamente compreensível, silábica, hipnótica e assombrosa. Uma música que não busca impor sua modernidade, mas simplesmente respira. Nada é mais reconhecível do que esse estranho e melódico coquetel que se tornou a assinatura de Jarre. Uma música totalmente enraizada na presença, que acabaria por se impor ao mundo.
“Olhando para trás, percebo que, sem saber, contribuí para abrir muitas portas: ajudando a música eletrônica a se tornar um gênero importante em todo o mundo (…)”
Essa era a sua maior obsessão: construir pontes entre sons que nunca deveriam se encontrar. Como uma criança travessa, sempre transgredindo as regras e resolutamente ancorado no presente.
“Na verdade, a ideia de futuro não faz parte do vocabulário das crianças, mas sim do vocabulário dos adultos. Os adultos falam de modernidade, de futuro, não as crianças. (…) O que me interessa é o conceito do instante único. Nada é mais importante do que o momento que compartilhamos, quando sentimos e compartilhamos emoções.”
E talvez tenha sido isso que o manteve por toda a vida: uma criança crescida, fascinada pelo mundo, transformando cada momento em um espetáculo. Lado a lado com suas máquinas, ele imaginava shows extraordinários onde música, imagens, arquitetura e cenografia interagiam constantemente. Quadros monumentais que percorriam o globo, onde o olhar respondia ao ouvido e onde o som só podia se transformar em emoção.
IMAGINAÇÃO AUMENTADA
Há também um medo que percorre a história da música como um fio condutor. Em cada época, ele assume uma face diferente, e esse medo é o progresso. A fotografia iria matar a pintura. O cinema iria matar o teatro. O sintetizador iria matar as orquestras, e Jarre se lembra disso com precisão, tendo visto músicos da Ópera de Paris desligarem seu sistema no meio de um concerto, em um gesto de protesto. É sempre esse medo profundamente humano de encontrar uma inteligência que nos supere. Hoje, essa inteligência é a artificial. E Jarre, fiel a si mesmo, abraça essa nova máquina à sua maneira. Ele cita sua avó:
“Como dizia minha avó, não podemos deter o progresso. Quanto mais cedo o abraçarmos, melhor poderemos explorá-lo, aproveitá-lo e, eventualmente, combater seus efeitos negativos. (…) Imaginação aumentada. Imaginação amplificada. A IA expande as fronteiras da minha imaginação.”
Uma expansão dos limites do possível, uma nova musa para o artista, e ainda assim a mesma promessa que aquele gravador de fita usado fizera aos onze anos de idade. O mesmo convite para descobrir um novo objeto de curiosidade. A convicção de que o diálogo entre o homem e a ferramenta é tão antigo quanto a própria humanidade.
“A única música sem interface é a voz. Assim que você pega um violino, um sintetizador modular ou qualquer instrumento, você inicia um diálogo com a tecnologia. A IA é mais um passo nessa direção.”
E, como cada etapa anterior, não substitui a arte, transforma-a, impulsiona-a para além dos limites que nós, meros mortais, podemos sequer imaginar:
“A tecnologia é sempre o catalisador para novas formas de arte. A IA moldará o novo hip-hop, o novo techno, a nova música eletrônica do amanhã, porque as ferramentas que usamos mudam a maneira como produzimos música.”
Para aqueles que temem que a IA esvazie a criação de seu significado, que qualquer um agora possa gerar música a partir de um simples comando, Jarre tem uma resposta: a próxima Billie Eilish não tem nada a temer. O que faz um artista não é a ferramenta. É o que ele projeta sobre ela, a intenção, essa maneira única e irredutível de habitar o mundo para dizer algo. Alguns acham a arte contemporânea ridícula: diante de um Soulages, uma tela monocromática, totalmente preta, a reação costuma ser a mesma: eu também poderia fazer isso. Talvez. Mas dizer o quê?
Isso é o que Jarre sempre representou: não apenas um homem capaz de se comunicar com máquinas e torná-las mais belas, mas um artista que tem algo a dizer através delas. A Inteligência Artificial jamais mudará a sinceridade do diálogo que ele estabelece com a máquina. Ela simplesmente estará lá para sussurrar performances únicas em seu ouvido.
“A música eletrônica se baseia mais em um conceito compartilhado: o importante não é apenas o intérprete, mas a performance.”
Para Amnesia, ele já está trabalhando com isso. Uma nova máquina que ocupa seu lugar no conjunto das outras, sem substituir nenhuma delas. Jarre nunca foi um homem de uma única musa. O que o fascina é tanto o poder da ferramenta quanto a liberdade que ela lhe oferece.
“O que é fantástico hoje em dia é que a tecnologia me permite fazer o que eu quero. Para a Amnesia, estou trabalhando muito com IA no design de palco. Eu mesmo desenho toda a cenografia, o que seria impossível há dez ou quinze anos. Hoje, do meu quarto, posso criar meu design de palco, assim como posso criar minha música graças aos computadores.”
Toda a cenografia do espetáculo, concebida como uma extensão da música, é o diálogo que ele nunca deixou de buscar, uma arquitetura efêmera que invade o espaço. E isso não é novidade para ele: incorporar o espaço em que se apresenta ao seu quadro visual sempre fez parte do seu trabalho.
Lembramos, é claro, de sua apresentação na Cidade Proibida, ou em Moscou, no maior concerto da história da música ao vivo. A ideia se torna mais clara, essa concepção quase filosófica de deixar uma marca e depois partir como se nada tivesse acontecido. Uma visão profundamente metafísica de uma realidade paralela, por uma noite, em qualquer lugar que o deixasse falar. Por trás desses shows imensos que marcaram a história, há uma lembrança de infância:
“Isso provavelmente vem da minha infância. Em frente ao apartamento dos meus avós, havia uma grande praça onde um circo chegava e montava seu espetáculo. Eu ficava fascinado com aquelas pessoas que chegavam, construíam a lona, apresentavam seu show e depois desapareciam na manhã seguinte. Há algo de romântico nessa ideia de performance, e eu tento reproduzi-la com as tecnologias modernas.”
APENAS UMA NOITE NA AMNESIA
Há encontros que o destino demora a organizar. O encontro entre Jarre e a Amnesia é um deles. Como se todos esses anos tivessem que passar para que a lendária casa de shows e o artista fundador finalmente se encontrassem, nesta era e não em outra, para este show e não em outro, um show que jamais se repetirá.
“Estou feliz por ter mantido uma espécie de virgindade em termos de apresentações em Ibiza, para celebrar o 50º aniversário da Amnesia. A Amnesia é o lugar onde tudo começou para a música eletrônica. É uma lenda.”
Este espetáculo jamais será como o da Cidade Proibida. Nem como o de Moscou. Nem como o de Houston. Será apenas ele mesmo, insubstituível por ser irredutível a tudo o que o precedeu e ao momento em que acontece.
“O que vou criar na Amnesia não poderá ser vivenciado exatamente da mesma forma no sábado seguinte. O que me interessa como forma artística é ocupar um lugar por uma noite e depois desaparecer.”
No dia 5 de julho, Jarre iluminará a ilha no âmago daquilo que mais a representa. Uma noite báquica, embriagante, com as suas máquinas como musas. O alinhamento perfeito dos astros, o do clube, o do Oxygène, o de um homem que terá esperado o momento exato para tocar no lugar exato. E depois desaparecer.
No fim, sempre haverá Jean-Michel Jarre. E suas máquinas.
📷: Créditos da foto da capa / Cortesia de Jean-Michel Jarre
📷: Créditos das fotos adicionais / Cortesia de Jean-Michel Jarre
“Jean-Michel Jarre: a alma nas máquinas.
A música eletrônica tem uma história.
Muito antes dos palcos gigantescos, dos painéis de LED e dos festivais globais, antes de a EDM se tornar um fenômeno mundial e de a cultura rave remodelar os movimentos juvenis, Jean-Michel Jarre já estava redefinindo a relação entre tecnologia, som e emoção humana.
Alguns artistas seguem o futuro.
Outros o constroem.”
Fonte: Deep Tech Magazine
De volta aos palcos da França para um concerto único no dia 16 de julho no Poney Club, Jean-Michel Jarre apresentará um projeto inovador que mescla música eletrônica e Inteligência Artificial. O artista, arquiteto e pioneiro da música eletrônica, defende uma visão de criação sonora dentro de um design de palco totalmente reimaginado para o espaço ao ar livre de Blagnac e seus festivais de verão. Um grande evento, sobre o qual ele compartilha suas ideias em uma entrevista exclusiva.
Já se passaram dezessete anos desde sua última visita a Toulouse?!
“De fato, o tempo voa, e estou feliz por vir a Toulouse com um projeto que será meu único concerto na França em 2026. Estou empolgado por poder tocar no Poney Club, que é sem dúvida o festival mais original e relevante do mundo da música eletrônica. Estou aqui para apresentar um projeto que é uma expansão de uma série de poucos shows que comecei a apresentar no ano passado, antes de uma turnê mundial em 2027. Então, farei muitos outros concertos na França, Estados Unidos, Inglaterra, norte da Europa, Ásia e assim por diante. Mas esta série de shows surgiu porque me foram oferecidos vários festivais bastante diferentes, específicos ou únicos, como o Poney Club ou a Amnesia em Ibiza. Portanto, é um projeto realmente muito diferente daquele que apresentei em Toulouse alguns anos atrás.”
Qual será a sua característica específica?
“Este projeto integra totalmente a Inteligência Artificial ao design do cenário. Ele demonstrará que a IA pode ser simultaneamente poética, orgânica e descritiva, apesar de todas as controvérsias existentes. Ao mesmo tempo, o projeto possui uma forte influência da música eletrônica, apresentando algumas faixas do meu repertório revisitadas para a ocasião, bem como novas composições perfeitamente adequadas a este tipo de festival de verão.”
Você cria quadros? Você ainda pinta?
“Menos… Eu projetei quase toda a cenografia graficamente usando ferramentas de IA, e reconheço plenamente que o resultado é inteiramente pessoal, aquele que eu queria compartilhar com o público. A vantagem da IA é o diálogo que ela nos permite estabelecer, possibilitando que cheguemos o mais perto possível da ideia inicial.”
Por que você descreve a música eletrônica como “tátil, orgânica, sensual e carnal”?
“Para mim, a música eletrônica e eletroacústica não tem nada a ver com pop, blues ou rock. Ela nasceu na Europa continental, e na França em particular, com fontes que vêm tanto do impressionismo, pelas texturas e pela busca por nuances e atmosferas, quanto do surrealismo, com essa ideia de fazer música com ruídos que nada têm a ver com os sons orquestrais que conhecíamos até então. Pessoas como Pierre Schaeffer e Pierre Henry emergiram do movimento surrealista por causa de sua abordagem sonora, que não se baseava na notação musical, mas nos próprios sons, na matéria sonora. Essa revolução foi completa, e eu, junto com toda a família da música eletrônica, particularmente a música eletrônica francesa, vim dela. É por isso que essa música, que se espalhou pelo mundo hoje, tem legitimidade real. Ela nasceu na França, mas também na Alemanha e na Itália, e não tem nenhuma ligação inicial com os Estados Unidos. Estou muito feliz em poder compartilhar todas essas criações com o público de Toulouse neste verão.”
O ano de 2026 é especial para você, pois o álbum Oxygene celebrará seu quinquagésimo aniversário em dezembro e as notícias estarão muito movimentadas…
“Não sou muito fã de aniversários, mas é uma plataforma divertida para poder fazer várias coisas. E, de fato, muita coisa está acontecendo para mim, incluindo o lançamento de um livro, editado pela Thames & Hudson e publicado pela MIT Press nos EUA, intitulado ‘Machines’. É a história da música eletrônica contada através da minha coleção de instrumentos. Fotografamos tudo e o livro narra a evolução da tecnologia, desde as primeiras máquinas eletrificadas do início do século XX até o servidor de inteligência artificial, passando pelos sintetizadores analógicos. O livro será lançado no final do ano, juntamente com três documentários que serão filmados na França, Inglaterra e EUA, e que irão acompanhar meu trabalho. E então, um novo álbum será lançado em 2027, seguido por uma turnê internacional em 2027 e 2028.”
Fonte: La Depeche
Quem tem medo da Inteligência Artificial? Certamente não Jean-Michel Jarre, que está tão entusiasmado com as novas possibilidades tecnológicas que transformou a sigla em Imaginação Aumentada. O visionário músico eletrônico francês também usará um sistema de IA em seu concerto marcado para 18 de julho na Itália, o ponto alto do Jazz Open Modena (festival que começa no dia 13 com Diana Krall e Gregory Porter): “Usarei técnicas imersivas para criar um impacto 3D tanto no som quanto nos visuais, enquanto algoritmos transformarão as imagens para que nunca sejam iguais às de outros shows. Gosto da ideia de que cada show seja único.”
Jarre faz questão de reiterar que “a tecnologia é neutra e não deve ser temida. O que importa é a pessoa que a utiliza, e as emoções podem ser expressas tanto com um violino quanto com Inteligência Artificial”. Ele acredita que, dentro de 10 anos, todos os artistas a estarão utilizando de alguma forma: “É inevitável, porque é como se estivéssemos falando de uma nova gramática que todos irão integrar”, afirma Jarre, de 77 anos. “Não devemos ser ingênuos; existem questões de propriedade intelectual que precisam ser resolvidas, mas a ferramenta em si oferece tantas possibilidades que certamente criarão os próximos gêneros artísticos, musicais e cinematográficos.”
Ciente da necessidade de regulamentação da IA, Jarre vê este período como “uma nova era de ouro” para aqueles dispostos a experimentar: “A IA é atualmente o Velho Oeste, e para os artistas, o Velho Oeste é fantástico. Estamos vivenciando algo semelhante ao início do cinema mudo; a IA ainda não funciona tão bem; tem limitações e erros, como tudo que é novo. Mas acredito que, em breve, será perfeita demais, e tudo o que for criado durante este período será inimitável, como os primeiros filmes de Charlie Chaplin ou Fritz Lang.”
Para ele, que no final do ano celebrará o 50º aniversário do lançamento de Oxygene, seu álbum mais icônico, esse novo horizonte o leva a refletir sobre o processo criativo: “Estou preparando meu novo álbum, que será lançado no ano que vem. Tenho interesse em não me repetir e sempre querer explorar. E a IA é o equivalente hoje ao que os sintetizadores analógicos eram nos anos 1970.”
Com Oxygene, ele relembra: “eu queria criar uma ponte entre a experimentação e a cultura pop.” O resultado é uma obra “que permanece tatuada na minha pele, independentemente do que eu faça, como Pulp Fiction para Tarantino ou The Dark Side of the Moon para o Pink Floyd.”
E dizer que lançá-lo na época foi uma façanha: “Foi rejeitado por quase todas as gravadoras, disseram que não havia vocalista, nem bateria, e que faixas com 10 minutos ou mais não podiam ser singles. Até minha mãe me perguntou: ‘Por que você dá o nome de um gás à sua música e coloca uma caveira na capa?'”
Em vez disso, aquele álbum chegou às paradas de sucesso , tornando-se o mais vendido de sua carreira e levando-o a realizar concertos com recordes de público nos lugares mais extraordinários da Terra, das pirâmides do Egito à Praça Tiananmen, na China. Do que ele sente falta? “Eu fui amigo de Arthur C. Clarke, o cara que escreveu ‘2001: Uma Odisseia no Espaço’. Ele costumava me dizer: ‘Você vai ver, Jean-Michel, mais cedo ou mais tarde você vai tocar na Lua’. Talvez não seja possível lá, já que não há atmosfera, mas talvez um dia eu toque em Marte, já que Elon Musk está trabalhando duro para torná-lo acessível.”
Fonte: Corriere della Sera
Pioneiro da música eletrônica, o homem por trás de concertos épicos apresentará um design de palco reinventado no Poney Club em Toulouse, no dia 16 de julho. Esta é a única data francesa de sua turnê europeia de 2026. Ainda à frente de seu tempo após 50 anos de carreira, o compositor de Oxygene declara-se resolutamente a favor da IA, que também utilizará em seu próximo álbum, com lançamento previsto para 2027: para ele, não devemos temer a IA, mas sim “persuadi-la”.
Então você se apresentará em Toulouse na quinta-feira, 16 de julho. O que você oferecerá ao público do Poney Club: seus maiores sucessos, músicas imperdíveis? Algum material novo também?
“Musicalmente, haverá algumas faixas de Oxygene e Equinoxe que retrabalhei completamente em uma versão de 2026, e também algumas peças novas. O projeto que estou propondo em Toulouse será uma experiência imersiva. Será um concerto único que quero compartilhar com as pessoas da região, baseado no entusiasmo que todos temos pela inovação. Trabalhamos em um som estéreo expandido para este concerto. Desenhei todo o palco usando IA e usarei IA ao vivo! Haverá transformações ao vivo de mim mesmo que darão a tudo uma sensação orgânica! Também quero mostrar que a tecnologia pode ser poética e sensual!”
Então você estará sozinho no palco, sem banda, sem músicos?
“Ao longo da minha vida, experimentei todo tipo de formação, de bandas de rock a orquestras sinfônicas. Para este concerto, quis estar sozinho no palco mais por razões cênicas do que sonoras. Ao mesmo tempo, estarei no que chamo de ‘minha cozinha’, rodeado por todos os meus sintetizadores, onde tocarei todas as minhas músicas ao vivo! Poderei improvisar com uma minicâmera nos meus óculos para que o público possa ver todo o espetáculo em grande escala! O que me interessa é tocar neste festival de renome internacional em Toulouse, no Aeroporto de Blagnac, um lugar completamente único, ligado ao espaço e ao tempo!”
O que Toulouse evoca para você? Potência aeroespacial? Ou também os pioneiros do serviço de correio aéreo, como Saint-Exupéry e Guillaumet, liderados por Latécoère?
“Você tem razão em me fazer essa pergunta, porque Toulouse é uma cidade que eu amo, uma cidade ligada à tecnologia. Toulouse tem uma relação especial com o espaço e a inovação, e eu sempre liguei minha música ao espaço, não apenas ao espaço sideral, mas também ao nosso meio ambiente, ao fato de poder tocar ao ar livre. Para mim, considerado um pioneiro da música eletrônica, Toulouse representa um espírito pioneiro: uma mistura de inocência e curiosidade. Ter audácia e um toque de imprudência permite abrir portas para territórios inexplorados. A música também se trata de conquistar espaço, de transmitir ondas sonoras do músico para o ouvinte. Quero prestar homenagem a Toulouse e a esse espírito pioneiro de Latécoère, Saint-Exupéry e outros: além da emoção, é a quebra de limites que nos força a superar a nós mesmos.”
Como artista de vanguarda, compositor de música instrumental e cidadão global, qual é a sua posição sobre a Inteligência Artificial (IA) hoje, em 2026? Ela representa uma ameaça ou uma oportunidade extraordinária para aprimorar a humanidade?
“No meu caso, IA significa mais como ‘Imaginação Aumentada’. Graças à IA, agora podemos ter uma visão panorâmica do nosso próprio trabalho. Nunca nos esqueçamos de que o que torna uma criação especial é a pessoa que segura o pincel, a câmera, o algoritmo. Portanto, o próximo Miles Davis, Georges Brassens, Billie Eilish, ou o próximo Kubrick, Tarantino ou Nolan não têm nada a temer. O que torna uma criação especial é a sua singularidade, o seu estilo. Não devemos temer o uso malicioso da tecnologia. A malícia existiu muito antes da eletricidade, ao longo da história, e existirá depois da IA, assim como o fogo, que não podemos controlar e é perigoso. Claro, devemos ter cuidado, mas a IA é neutra. A IA é sempre essa mesma história de medo humano, transmitida de geração em geração. Isso me lembra os primórdios da fotografia, quando os pintores assinaram petições contra os fotógrafos porque diziam que seria o fim da pintura.”
Como exatamente você explica esses medos humanos diante de mudanças tão profundas?
“Existe uma ansiedade humana constante em relação ao futuro porque, em algum momento, sabemos que não faremos parte desse futuro. Tudo o que perturba as coisas acaba por gerar uma ansiedade existencial inconsciente: é sempre a mesma coisa. Por exemplo, quando introduzi música eletrônica na Ópera de Paris, alguns músicos da orquestra desligaram o sistema de som, dizendo que a música eletrônica sinalizava o fim da música tradicional. E essa IA na Europa está alimentando uma paranoia que nos coloca em significativa desvantagem em relação aos Estados Unidos e à China. Na China, a partir deste ano, alunos do ensino fundamental estão aprendendo sobre IA como uma ferramenta desde as séries iniciais, não para usar IA, mas para criar IA. Precisamos abordar a programação como se aprende uma língua estrangeira. Nós, como franco-europeus, precisamos adotar uma estratégia semelhante à de piratas: pegar o que há de bom na China e nos EUA, trazer para casa e forjar parcerias com eles. Quanto mais cedo abraçarmos o progresso, melhor poderemos combater seus efeitos negativos.”
Quais são seus planos para os próximos meses: primeiro será lançado um livro?
“Tenho um projeto de livro maravilhoso chamado Machines (Éditions du Chêne), no qual conto a história da música eletrônica desde o início do século XX através de todos os instrumentos que utilizei. Este livro, que será lançado em outubro de 2026, é para todos, inclusive para aqueles que não conhecem meu trabalho. Ele terá uma dimensão estética porque, para mim, a estética é tudo: essa conexão com a beleza de um violino, um sintetizador, uma tela — é essencial. Somos seres analógicos em um mundo digital. Quero mostrar que a música eletrônica ainda é atemporal e inovadora. Haverá até uma exposição itinerante deste trabalho.”
E quando será lançado o seu próximo álbum?
“Para o meu novo álbum, estou trabalhando bastante com IA: estou realmente explorando os limites da IA porque ela é cheia de falhas. Daqui a 10 ou 15 anos, quando estiver mais perfeita, reconheceremos a década de 2020 como a era de ouro da IA, assim como aconteceu com o surgimento dos filmes mudos. Hoje, a IA ainda é primitiva, e é essa frescura que quero resgatar dos meus primeiros álbuns, quando eu explorava os primeiros sintetizadores. O álbum está quase pronto: ainda tenho bastante orquestração e arranjos para fazer. O lançamento está previsto para março de 2027.”
Só para lembrar, você também é o autor de uma das mais belas canções francesas, Les Mots Bleus para Christophe, mas também de Les Paradis Perdus , La Dolce Vita e Les Vestiges du Chaos ? Você não gostaria de escrever novas canções hoje para outros ou para si mesmo?
“É verdade, sempre escrevi muito. Para mim, as palavras têm uma musicalidade; sempre abordei as palavras sonoramente. Estudei solfejo de objetos sonoros com Pierre Schaeffer através da linguagem. Participei da produção de álbuns de Christophe e Juvet (também escrevi “Où Sont les Femmes”!). Mas eu tinha uma visão geral que se alinhava com as letras. Tínhamos conversado na época sobre um projeto com Bashung, mas ele não precisava que eu escrevesse letras sublimes. Hoje, escrever letras não é uma obsessão para mim. É a oportunidade que faz o ladrão.”
Mais algum projeto, talvez inesperado?
“Estou colaborando com a Renault para definir o som do carro do futuro, o som do carro elétrico e o som interior. Para mim, o aspecto ruidoso dos carros pertence ao século XX. A velocidade da luz não faz barulho.”
Fonte: La Vie Économique
A lenda da música eletrônica Jean-Michel Jarre compartilha sua história com o icônico sintetizador PS-3300, bem como seu encontro com a Korg e seus diversos instrumentos que acompanharam e continuam a acompanhar sua jornada artística. Visionário e pioneiro da música eletrônica, Jean-Michel Jarre oferece sua perspectiva sobre sintetizadores, seu papel na criação musical e o futuro da música. Ele também discute sua abordagem ao design de som e compartilha conselhos valiosos para nutrir sua própria criatividade.
Fonte: La Boite Noire du Musicien
“Não temo o futuro, pois o que nos torna únicos é a nossa humanidade, não os instrumentos que utilizamos”, declara Jean-Michel Jarre. Ele se apresenta no dia 18 de julho no “Festival Jazz Open Modena” para celebrar o cinquentenário do Oxygene, ao mesmo tempo em que prepara o lançamento do livro Machines: A History of Electronic Music — uma jornada pelo som instrumental que vai do manifesto futurista de Luigi Russolo, A Arte dos Ruídos, até os dias de hoje. “Os instrumentos são interfaces entre a emoção e o público, e seu valor depende de como os utilizamos”, explica. “Vivenciei três revoluções tecnológicas e vejo a Inteligência Artificial, a Realidade Virtual e o som imersivo como novas oportunidades para criar, despertar a curiosidade e compartilhar novas experiências.”
Você sempre utilizou a música eletrônica para criar uma experiência coletiva; imaginou que ela evoluiria para a linguagem global do século XXI?
“Sim, porque — como ensinaram Pierre Schaeffer e Stockhausen — é o músico quem transforma o som em música. Para mim, a IA é também uma ferramenta de ‘Imaginação Aumentada’; ela expande a criatividade sem substituir o artista. Defendo as raízes europeias dessa linguagem, de Duchamp ao Impressionismo. A emoção nunca nasce da máquina em si, mas do coração e da sensibilidade de quem a utiliza.”
Qual a importância do cenário onde você se apresenta?
“Como Embaixador da UNESCO, vejo o futuro como um diálogo com o passado. A Itália é uma fonte inesgotável de inspiração: de Veneza a Pompeia, de Calvino a Fellini, Verdi ou Celentano, encontro aquela mistura de alegria e melancolia que ressoa profundamente em mim e continua a guiar minha trajetória artística.”
Agora é a vez de Modena.
“Recebi o convite do CEO da Ferrari e aceitei com entusiasmo, pois o ‘Cavallino Rampante’ personifica a extraordinária capacidade italiana de combinar tecnologia, design e estética, transformando a engenharia em pura emoção. Isso me lembra uma conversa com Federico Fellini, que confidenciou que cada uma de suas obras — mesmo ao explorar novos caminhos — sempre nascia da mesma visão. Acredito que esse seja o destino de todo artista: buscar um ideal inalcançável enquanto reinventa constantemente sua própria linguagem.”
No novo álbum da banda Muse, ’The wow! Signal’, eles se inspiraram na música de seu pai, Maurice Jarre, chegando até a fazer referência ao tema de ‘Lawrence da Arábia’ em uma de suas faixas. Você já pensou em fazer algo semelhante?
“Com toda a minha profunda admiração e respeito pela música do meu pai — não. Sempre encarei as trilhas sonoras de filmes como o território dele; por isso, recusei vários convites para compô-las. No entanto, como filho de um artista, é possível que eu tenha absorvido algo do mundo dele e veja isso refletido — mesmo que inconscientemente — no meu próprio trabalho.”
Para onde mais você gostaria de levar a sua música?
“Para a Índia. Nestes tempos de intensa tensão política internacional, sinto que é importante ressaltar que, em princípio, oponho-me a qualquer forma de boicote cultural. Considero-os um erro grave. Na verdade, acredito que a música poderia servir como um poderoso ‘Cavalo de Troia’ para alcançar a consciência das pessoas.”
Os políticos parecem pensar de outra forma.
“E estão enganados. É inaceitável punir povos que já sofrem restrições severas à liberdade de pensamento e de expressão, negando-lhes o acesso à arte de culturas diferentes da sua. É por isso que acredito que devemos tentar levar nossos filmes e músicas a países como o Irã ou a Coreia do Norte. Minha mãe — uma figura de destaque na Resistência Francesa que sobreviveu ao campo de concentração de Ravensbrück — costumava dizer que a ideologia nunca deve ser confundida com as pessoas. Essa é uma lição que mantenho sempre em mente.”
Fonte: Il Resto del Carlino
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