COMPILADO DE ENTREVISTAS PUBLICADAS DURANTE A SUMMER TOUR
Uma caveira emergiu de uma terra destruída, e eu não conseguia desviar o olhar: era a capa de Oxygene.
Era 1976, aquele foi o primeiro disco que comprei, e mudou minha vida: um pioneiro absoluto, visionário e inventor de paisagens sonoras. Jean-Michel Jarre não apenas fez a história da música eletrônica: ele definiu seu espaço físico. Seus concertos nunca foram simples performances, mas “obras totais” colossais capazes de reunir arquitetura, tecnologia de ponta e sintetizadores, quebrando repetidamente o recorde de público repetidas vezes no Guinness Book of Records. De um milhão de pessoas na Place de la Concorde em Paris em 1979, ao incrível recorde de 3,5 milhões de pessoas reunidas em Moscou em 1997. Perto do 50º aniversário de Oxygene, Jarre nos conta como será o seu concerto em Modena.
Como surgiu a ideia?
“No ano passado, toquei em Stuttgart e Benedetto Vigna, o CEO da Ferrari, foi assistir ao concerto porque é fã de música eletrônica. Ele estava entusiasmado e me disse que lançaria um novo festival em Modena em 2026: sou um grande fã da Ferrari e aceitei imediatamente. É fascinante quando se fala de música eletrônica e Ferrari, porque existe, de fato, uma ligação inextricável entre tecnologia e criatividade. Obtivemos o som do violino porque o inventamos, assim como o cinema ‘panorâmico’ nos deu Fellini ou Sergio Leone. E é graças à revolução industrial que temos a Ferrari, e é graças à invenção dos componentes eletrônicos que consigo fazer a música que faço hoje.”
O que podemos esperar?
“Será um concerto muito especial, com uma nova cenografia na qual estou tentando incorporar muita IA — uma espécie de ‘Arquitetura Inteligente’ para o design do palco. No entanto, tudo será feito de uma maneira muito poética, muito latina. A música eletrônica é a forma de arte mais popular hoje em dia, mas nunca devemos esquecer que ela surgiu na Europa. Não tinha nada a ver com blues ou jazz. Especificamente, nasceu bem aqui na Itália com Luigi Russolo, que escreveu ‘A Arte dos Ruídos’ em 1913, prevendo que a música do século XXI seria criada com o uso de máquinas. E é exatamente isso que está acontecendo.”
Você começou sua pesquisa com Pierre Schaeffer. Qual foi a lição mais importante que ele lhe ensinou?
“A ideia de que a música não se resume a notas e teoria musical, mas também ao som em si. Sob sua influência, descobri que a música eletrônica deriva de dois movimentos: o Impressionismo — pelas texturas, pelas cores e pela forma como as formas de onda são tratadas, tal como um pintor trata as cores em uma tela — e o Surrealismo, que envolve misturar o som de um clarinete com o de um pássaro, ou de um violino com percussão ou com o som da chuva. É isso que quero levar a Modena.”
Você também vai tocar Oxygene? O álbum está prestes a completar 50 anos.
“Vou apresentar Oxygene, Equinoxe e Magnetic Fields, mas não como remixes; são, na verdade, versões reformuladas, que refletem como os sons evoluíram ao longo das últimas décadas. Estou muito animado para demonstrar que, de Oxygene até os dias atuais, a música pode ser atemporal porque tudo se resume à produção sonora. Hoje mesmo, no meu estúdio em Paris, ficamos impressionados com os técnicos: Oxygene, em 2026, soa futurista, não vintage. Para um público mais jovem, pode parecer algo feito na semana passada. Para marcar o 50º aniversário de Oxygene, lançarei uma versão em Dolby Atmos, além de um novo álbum criado com o auxílio de IA, previsto para o início de 2027, acompanhado de uma turnê mundial.”
Qual é o seu maior desafio em termos de produção sonora hoje em dia, comparado com a infinidade de música eletrônica disponível?
“Há muitos DJs e afins hoje em dia, mas com todo o respeito às pessoas talentosas, na maioria das vezes o som é muito comprimido e igual do começo ao fim do show. É muito plano sonoramente. O que estou tentando fazer com minha equipe e meu engenheiro de som é criar uma dinâmica e diversidade onde, de uma música para a outra, você nunca sabe o que vai acontecer, assim como nos filmes.”
Como a “música concreta” influenciou sua ideia escultural de som?
“Isso exerceu uma influência enorme. O fato de podermos gravar e captar os sons do mundo — na rua, na floresta ou no campo — e misturá-los à música transformou todos nós em designers de som. Hoje, em todos os estilos musicais — seja trilha sonora de filmes, techno, electro ou pop —, todos incorporam o design de som às suas produções. Isso começou com Pierre Schaeffer e Pierre Henry; criei o álbum Oxymore para homenageá-los. A ideia deles era dizer que entre o ruído e a música, existe apenas a mão e a intenção do músico. Você pode pegar o som de uma pedra caindo de uma montanha ou o som de um motor e fazer música com isso, separando a origem do som do som em si. Ao analisar um som apenas através do ataque, da liberação e da textura, você de repente tem uma abordagem completamente diferente para a exploração.”
Você trabalhou com muitos artistas nos projetos Electronica 1 e 2, de Laurie Anderson a Gary Numan: há algum artista hoje criando algo novo?
“Adoro Armin van Buuren. Outra artista fantástica é Caterina Barbieri. Tenho muito respeito por ela; acho que ela tem um tom muito especial e um estilo único: adoraria trabalhar com ela também algum dia.”
Hoje, também temos novas ferramentas à nossa disposição, como a Inteligência Artificial, que você definiu como “Imaginação Aumentada”. O que você quer dizer com isso?
“O algoritmo coleta os big data do mundo. Mas como uma ideia musical nos surge? Isso acontece porque nosso subconsciente, nosso cérebro, coletou nossos ‘dados analógicos’. E Para mim, esses dados representam nossa memória, nossa cultura, nossas lembranças, nossas famílias e as pessoas ao nosso redor. Nosso subconsciente extrai elementos aleatórios desses vários momentos de nossas vidas e, de repente, os transforma em uma ideia musical. A IA faz a mesma coisa. Claro, não devemos ser ingênuos; é preciso estabelecer regras para proteger os artistas — você sabe o quanto levo a sério as questões de direitos autorais. Mas não devemos temer a IA. Geração após geração, artistas e a sociedade sempre temeram a inovação. No início da fotografia, pintores assinavam petições alegando que ela marcava o fim da pintura. Quando o cinema surgiu, o pessoal do teatro o via como uma ameaça. Quando introduzi a música eletrônica no Palais Garnier, no início da minha carreira, alguns integrantes de orquestras sinfônicas desconectavam o sistema de som, alegando que aquilo significaria o fim das orquestras. Um instrumento é neutro; tudo depende de como você o utiliza. A mediocridade existia antes da eletricidade e continuará existindo depois da IA.”
Então, você acha que isso não representa um perigo real para a criatividade humana?
“Acima de tudo, não devemos perder tempo precioso deixando que os Estados Unidos e a China sigam sozinhos. Acabei de voltar da China e me sinto como se tivesse retornado do futuro: no Conservatório de Pequim, inauguraram um departamento chamado ‘Inteligência Artificial e Neurociência Musical’, onde abordam a IA como uma nova espécie de solfejo. E é exatamente isso que nós, europeus, devemos fazer: mergulhar na IA, usá-la e aprender com ela. Eu mesmo estou trabalhando intensamente com IA no meu próximo projeto musical. Ela nos dá a oportunidade não só de sermos compositores de nossas próprias músicas, mas também curadores de nossas próprias criações. Historicamente, sempre tendemos a rejeitar as rupturas, esquecendo que a arte é feita justamente de rupturas, acidentes, distorções da realidade cotidiana. É por isso que a IA não representa uma ameaça para Billie Eilish, o próximo Miles Davis, ou mesmo o próximo Adriano Celentano. O que torna um artista único é justamente a sua singularidade e as suas imperfeições.”
Você também está trabalhando em um livro monumental sobre música eletrônica.
“Ele será lançado no final de outubro, durante o Amsterdam Dance Event (ADE). Será intitulado Machines e é como acompanhar a trajetória da minha vida como compositor através da minha vasta coleção de instrumentos eletrônicos — desde as primeiras máquinas eletrificadas do início do século XX até os servidores de IA, passando pelos sintetizadores analógicos das décadas de 1950 e 1960. É uma odisseia: da época em que Russolo era considerado louco até os dias de hoje. É um projeto muito ambicioso, publicado pela Thames & Hudson e que também será lançado na Itália, em italiano.
Você toca muitos instrumentos eletrônicos e até criou vários, incluindo a famosa harpa laser, mas qual é o seu favorito de todos os tempos?
“Adoro todos os tipos de instrumentos; o Yamaha CS-80, por exemplo, é uma máquina incrível. Mas o meu favorito de todos os tempos é provavelmente o primeiro que comprei quando era adolescente. Vendi minha guitarra elétrica, meu amplificador e um trenzinho elétrico que meu avô tinha construído para mim, e com esse dinheiro, fui a Londres comprar meu primeiro sintetizador: o EMS Putney VCS3. Foi o primeiro sintetizador eletrônico europeu da história. E ainda o uso hoje! Vou levá-lo para o palco em Modena. Virou uma espécie de fetiche, um mascote que sempre levo comigo em todos os meus projetos.”
Existe, no entanto, um instrumento que você talvez nunca tenha tocado: estou me referindo ao sintetizador usado por Eduard Artemyev na trilha sonora de “Solaris”, de Andrei Tarkovsky. Era um instrumento gigantesco, e apenas dois foram construídos na Rússia.
“Que instrumento era esse?”
Chamava-se ANS, pelas iniciais do compositor Alexander Nikolayevich Scriabin. O único exemplar que sobreviveu está no Museu Glinka, em Moscou. Sei que você tocou em Moscou, então talvez também tenha tido a oportunidade de tocar essa peça…
“Sim, tenho alguns instrumentos russos que serão apresentados no livro ‘Machines’, mas não esse, obviamente. É simplesmente grande demais. Mas a trilha sonora de Solaris é única justamente por usar esse instrumento.”
Fonte: La Repubblica
Poucos artistas podem se gabar de terem deixado uma marca profunda na cultura e de terem liderado pessoalmente uma mudança em seu rumo. Jean-Michel Jarre (Lyon, 1948) é um deles. Ele não é apenas o grande responsável por transformar a música eletrônica de um experimento para iniciados em um verdadeiro fenômeno de massa; ele também revolucionou as performances ao vivo, transformando seus shows em espetáculos totais nos quais a música se funde com projeções monumentais, lasers e a paisagem circundante.
Com mais de 80 milhões de discos vendidos e um público recorde em seus concertos — ele levou impressionantes 3,5 milhões de pessoas a Moscou em 1997 — a carreira de Jean-Michel Jarre abrange mais de cinco décadas. Do seu inovador álbum Oxygene aos seus atuais projetos de Realidade Virtual e áudio imersivo, este francês se destaca por sua natureza visionária. Filho do aclamado Maurice Jarre — compositor das trilhas sonoras de filmes icônicos como Lawrence da Arábia (1962), Doutor Jivago (1965) e Passagem para a Índia (1984) — Jean-Michel Jarre não apenas sonhou com o futuro, como o tornou realidade. Aqueles que comparecerem aos concertos imersivos que ele oferecerá no dia 3 de julho e no dia 10 de julho no Las Noches del Botánico, em Madrid, poderão testemunhar isso em primeira mão.
Já se passaram 50 anos desde o lançamento do seu álbum Oxygene, em 1976. Esse álbum, considerado uma das obras-primas da música eletrônica, vendeu cerca de 18 milhões de cópias. A que você atribui o enorme sucesso desse álbum?
“Foi uma surpresa para mim encontrar um público dessa magnitude, e continua sendo um mistério. Mas, pensando bem, acredito que seu sucesso provavelmente se deveu ao fato de ser algo muito diferente do que se esperava. Oxygene foi lançado bem no meio da era disco e punk, então, naquela época, era um projeto verdadeiramente atípico. E estou bastante convencido de que, quando você cria algo tão diferente, é tudo ou nada. É exatamente por isso que nunca devemos ter medo de nenhuma ferramenta nova ou de qualquer coisa nova.”
Você está se referindo à Inteligência Artificial?
“Sim. Atualmente, todos parecem muito preocupados com a IA , por diferentes motivos. É uma nova tecnologia que, necessariamente, criará novos gêneros musicais e cinematográficos. Porque a tecnologia sempre ditou o estilo ou foi um catalisador para novos estilos musicais. Foi graças à invenção do violino que Vivaldi compôs a música que compôs. Foi graças à invenção da eletricidade que tivemos Chuck Berry, Jimi Hendrix, Billie Eilish ou Rosalía. Foi graças à invenção de componentes eletrônicos que pessoas como eu fazem a música que fazemos. Quando Oxygene foi lançado , as pessoas não tinham ideia de como eu fazia aquele tipo de música. Voltando à sua pergunta: acho que a ponte que aquele álbum construiu entre a experimentação e o uso de novas ferramentas, mantendo o senso de melodia como eixo central do projeto, foi provavelmente um dos motivos do seu sucesso.”
Você fala sobre a importância da tecnologia para que os artistas encontrem novas formas de se expressar. O problema com a Inteligência Artificial é que talvez ela já esteja fazendo música, então é possível que os artistas fiquem sem trabalho no futuro.
“Acho que essa abordagem está completamente errada. A tecnologia é neutra. Não devemos confundir a ferramenta com a forma como ela é usada. A IA é neutra, mas, claro, pode ser mal utilizada. O mau uso e a pirataria existiam antes da eletricidade e continuarão a existir depois da IA. Portanto, não devemos ser ingênuos em relação à IA. Mas, na minha opinião, e como minha avó costumava dizer, não podemos parar o progresso. Então, quanto mais cedo a adotarmos, quanto mais cedo a utilizarmos, quanto mais cedo a explorarmos, melhor poderemos combater seus potenciais efeitos negativos. Mas nunca devemos confundir a ferramenta com a forma como ela é usada. Para mim, a IA é uma oportunidade fantástica para explorar diferentes maneiras de compor música. Eu diria que a sigla IA, para mim, significa Imaginação Aumentada, e não Inteligência Artificial . E não sou ingênuo quanto a isso. As reservas que vemos agora em relação à IA são as mesmas histórias de sempre: lembrem-se de que, no início da fotografia, os pintores assinaram petições dizendo que a fotografia mataria a pintura; E, no início do cinema, o mundo do teatro assinou petições alegando que o cinema mataria o teatro. Eu, por exemplo, introduzi música eletrônica na Ópera Francesa, e alguns músicos da orquestra desligaram o sistema de som em protesto, porque reclamaram que a música eletrônica mataria as orquestras. O sucesso de Oxygene provavelmente se deveu ao fato de ser algo completamente inesperado, de ter surpreendido as pessoas. Porque, afinal — e este é um paradoxo —, as pessoas também sabem reconhecer o que é diferente, o que de repente parece inesperado.”
Se não me engano, você vendeu cerca de 85 milhões de discos ao longo da sua carreira. É um número realmente impressionante, especialmente hoje em dia, quando as vendas de discos estão em baixa e os músicos precisam depender de shows para sobreviver. Antigamente era o contrário, não era?
“Sim, é muito estranho. Antes fazíamos shows para promover álbuns, e agora lançamos álbuns para promover shows. A economia mudou. E, nesse sentido, acredito que a propriedade intelectual é fundamental, algo que nós, como europeus, como franceses, como espanhóis, como alemães, devemos defender. A Europa sempre foi pioneira em propriedade intelectual. Devemos lembrar às pessoas que a criação, seja ela de mil anos atrás, do século passado ou do futuro, tem valor. O que você escreve, o que eu componho, o que Pedro Almodóvar, Jean-Luc Godard ou Tarantino fazem tem valor. E, em termos econômicos, devemos ter isso em mente. Na França e na Europa, sempre fomos pioneiros na proteção e promoção da importância da propriedade intelectual, e devemos continuar sendo.”
Neste verão, você fará um grande show em Ibiza para comemorar o 50º aniversário da boate Amnesia. O que você preparou para essa festa?
“Para começar, estou muito animado para tocar em Ibiza, um lugar lendário, porque já tínhamos conversado sobre isso várias vezes, mas nunca se concretizou por diversos motivos. E, claro, a Amnesia é onde tudo começou em Ibiza. A Amnesia foi uma verdadeira pioneira em levar a música eletrônica para as pistas de dança. Então, celebrar o 50º aniversário da Amnesia ao mesmo tempo do 50º aniversário do Oxygene faz todo o sentido. Vou preparar este show de uma forma muito especial. Estou usando muita Inteligência Artificial para o design do palco; concebi todo o set usando diversas técnicas de Inteligência Artificial. Além disso, estou combinando trabalhos recentes com alguns dos meus clássicos, reinterpretados para Ibiza. Acho que vai ser divertido. Estou muito animado para tocar em Ibiza, mas também me apresentarei em outros lugares da Espanha, como o Jardim Botânico Real de Madrid, Marbella e Valência. Estou muito feliz por ter a oportunidade de compartilhar esses momentos com o público espanhol, com quem sempre tive uma conexão muito especial. Os artistas e a cultura espanhola sempre tiveram uma enorme influência na minha vida como artista. A pintura espanhola, o cinema espanhol, a literatura espanhola, a música espanhola, de Albéniz e Manuel de Falla ao flamenco… tudo isso faz parte das minhas raízes.”
de 2024 em Paris. (© Steph Chambers/Getty Images)
Os seus dois concertos no Jardim Botânico de Madrid também serão experiências imersivas?
“Sim. Desde Oxygene, minha música sempre esteve ligada ao espaço. Mas não é tanto o espaço sideral que me inspira, mas sim o espaço que nos rodeia, o espaço entre a terra e o céu, nosso ambiente humano imediato, por assim dizer.”
Falando em espaço, você já disse algumas vezes que, se não fosse músico, gostaria de ter sido arquiteto.
“Sim, acho que a música e a arquitetura têm muito em comum. Ambas trabalham com espaço e tempo, dependem do espaço e do tempo. O tempo está dentro do ritmo da música, mas a música, assim como uma obra de arquitetura, também trabalha com o espaço: o espaço entre os instrumentos e os ouvidos, meu instrumento e seus ouvidos, o espaço de um edifício ou de uma cidade que de repente cria uma atmosfera propícia para uma festa… Sempre achei que a música e a arquitetura têm muito em comum.”
Há alguns minutos você estava falando sobre a cultura espanhola, sobre o quanto ela te influenciou. Não sei se você já viu o filme espanhol Sirāt…
“Sim, claro, já vi duas vezes. Sou um grande fã deste filme. Acho que é uma verdadeira obra de arte. É uma obra de arte importante porque é especial. O que sempre gosto em qualquer forma de arte é que ela não apenas conta uma história, mas que é uma jornada através de um filme, um livro ou uma peça musical. Essa é a chave. Além disso, todo bom filme necessariamente tem uma trilha sonora excepcional. Não devemos esquecer que diretores como Hitchcock e Tarantino afirmam que a música representa pelo menos 50% do filme, e às vezes até mais. No caso de Sirāt, a trilha sonora é uma obra-prima porque se integra perfeitamente à história; é uma parte fundamental da jornada. Aliás, fiquei muito decepcionado por a trilha sonora de Sirāt não ter ganhado o Oscar de Melhor Trilha Sonora Original porque, para mim, é de longe a trilha sonora mais interessante do ano. Além disso, para mim, Sirāt é muito espanhol; está muito ligado a tudo o que amo na arte espanhola.”
E o que há de especial, o que há de diferente na arte espanhola?
“Acredito que, de Cervantes a Dalí e Sirāt , há algo de surreal e, ao mesmo tempo, muito realista na arte espanhola. Diria que ela responde precisamente à dualidade de estar profundamente enraizada na terra e, simultaneamente, embarcar numa jornada psicológica. Penso que as expressões artísticas espanholas encapsulam certos sentimentos e elementos que são muito espanhóis, mas também universais. Artistas franceses e espanhóis partilham a compreensão de que existe uma grande diferença entre ser internacional e ser universal. Ser internacional é como a Coca-Cola ou o McDonald’s : tentar encontrar um denominador comum que todos no planeta possam entender. Ser universal, por outro lado, é mergulhar nas suas raízes para descobrir o que um brasileiro, um inuit, um chinês e um americano podem sentir e compreender. E é isso que eu gosto na nossa cultura latina: que somos capazes de criar obras de arte universais que, na realidade, estão profundamente enraizadas na nossa cultura. No caso de Sirāt, para mim, é como uma pequena viagem à Espanha, mas ao mesmo tempo é tão extrema e tão universal que pode comover qualquer pessoa.”
Continuando com os artistas espanhóis, o que Jean-Michel Jarre pensa de Rosalía?
“Sou uma grande fã da Rosalía. Meu sonho seria colaborar com ela algum dia, porque a Rosalía é, sem dúvida, uma espécie de esperanto: ela fala uma língua universal. O que é realmente interessante nela é que ela constrói uma ponte para o multiculturalismo, mantendo-se fiel às suas raízes. Acho que essa ponte é o que torna o trabalho dela tão especial e magnífico”
Você é um músico com uma vasta formação musical; estudou música; seu pai, Maurice Jarre, compôs as trilhas sonoras de filmes famosos. Qual a importância da formação musical hoje em dia?
“Eu sou um ladrão. Roubo tudo o que ouço, tudo o que leio, tudo o que vejo. Sou como uma esponja, uma esponja consciente e inconsciente, e roubei muito da cultura espanhola. Você pode ser DJ e não ter a menor ideia de teoria musical, pode usar um tam-tam ou um sintetizador, pode usar Inteligência Artificial … O que importa é o que você faz com isso, o resultado final, se te emociona ou não. É por isso que a arte é tão importante em nossas vidas.”
No dia 21 de outubro você fará o concerto de abertura do Amsterdam Dance Event, que celebra seu 30º aniversário este ano. Qual a importância da dança para os seres humanos?
“Embora possa parecer clichê, a dança e a música estão intimamente ligadas há milhões de anos. Expressar ritmos e música através do corpo é intrinsecamente ligado ao ser humano. Não há diferença entre uma boate na Indonésia e o que nossos ancestrais faziam em uma caverna há 30.000 anos: em ambos os casos, trata-se de uma relação orgânica, tátil, sensual e até sexual com o som e a música. É por isso que não devemos ter medo da IA ou das novas tecnologias: nunca devemos esquecer que somos animais e que, aconteça o que acontecer, precisamos comer, precisamos fazer amor e precisamos mover nossos corpos ao ritmo da música.”
Há quase 30 anos, em 1997, você fez um concerto famoso em Moscou que atraiu nada menos que três milhões e meio de pessoas. Algo assim seria possível hoje?
“Hoje seria muito mais difícil por razões de segurança, devido a guerras, conflitos e à ameaça do terrorismo. Mas, dito isso, os seres humanos precisam se unir, estar juntos, amar uns aos outros… Quanto mais computadores, mais telas, mais transmissões ao vivo, mais TikTok e Instagram existem, mais precisamos estar ombro a ombro, nos reunir em um festival, em uma partida de futebol, em um estádio, ao ar livre, em qualquer lugar. É por isso que, desde o início da minha carreira, me senti atraído por fazer concertos ao ar livre. Acho especialmente interessante para a música eletrônica incorporar arquitetura e técnicas visuais em seus espetáculos. Desde o início da minha carreira, me pareceu que esse seria o formato do futuro. Acho que abri as portas para a integração de técnicas visuais e projeções gigantes em prédios e espaços ao ar livre. Quando fiz meu primeiro show, ninguém projetava imagens ou vídeos em fachadas de prédios; agora isso se tornou parte do nosso cotidiano em todo o mundo. Juntamente com minha equipe, ajudamos a definir uma espécie de gramática baseada em técnicas para nos expressarmos fora das paredes de uma sala de concertos convencional.”
Existe algum tipo de música que você não gosta, que não suporta ouvir?
“Não, eu sou muito eclético. Adoro death metal, rap, música clássica, jazz, flamenco, música chinesa… Ouço de tudo, de techno a heavy metal, jazz ou música clássica. Sempre achei estranho que as pessoas fiquem obcecadas por uma única coisa e só ouçam isso. Entendo quem só ouve rap, hip hop, techno ou música clássica, mas sempre senti pena dessas pessoas.”
Fonte: El Confidencial
Jean-Michel Jarre (Lyon, 1948) demonstra o entusiasmo de uma criança por novos sintetizadores. O músico francês está em visita à Espanha para celebrar o 50º aniversário de seu icônico álbum Oxygene. O pioneiro da música eletrônica fará um dos concertos mais aguardados do verão no festival Noches del Botánico, em Madrid (3 e 10 de julho), além de se apresentar na comemoração dos 50 anos da Amnesia, em Ibiza (5 de julho), na série FAR, em Valência (8 de julho), e no Starlite Festival, em Marbella (13 de julho).
Incansável aos 77 anos, alternando suas extensas apresentações com a preparação de um novo álbum (o 35º de sua carreira), Jarre revisita brevemente sua trajetória musical e defende a singularidade dos artistas na era da Inteligência Artificial. Revolucionário desde a juventude, ele reconhece ter abraçado a IA e afirma que ela terá um efeito “muito positivo” sobre a humanidade em geral e sobre a música em particular.
Admirador da “alma espanhola” e bajulador de Rosalía, o francês de renome internacional apela à Europa para que não fique para trás em relação ao futuro defendido pela China e proclama-se um “otimista subversivo” face às profecias distópicas — tanto políticas como artísticas — que dominam as manchetes atualmente.
Estamos em 1976, o ABBA está lotando as pistas de dança com “Dancing Queen” e, de repente, um compositor francês surge com o que alguns chamam de “o som do futuro”… O que lhe vem à mente quando pensa no sucesso inesperado de “Oxygene”?
“Nostalgia não é muito a minha praia, mas acho divertido lembrar o impacto que o Oxygene teve na época. Foi como se um OVNI de outro planeta tivesse pousado de repente na era disco. Também me lembro do que minha mãe disse quando viu a capa do álbum com a pintura de Michel Granger: ‘Meu filho, como você pôde dar o nome de um gás a um álbum e colocar uma caveira na capa?’ [Risos]. Quando eu estava preparando o álbum, não estava pensando em fazer ‘a música do futuro’; eu estava simplesmente experimentando na minha cozinha com meu primeiro sintetizador, explorando um tipo de música que ia além do solfejo. A música eletrônica nos deu a oportunidade de nos tornarmos artesãos, de misturar texturas e incorporar sons e ruídos.”
Alguma vez se sentiu tentado pelo rock, como tantos outros de sua geração?
“Na adolescência, toquei em bandas de rock e fui a muitos shows no Olympia, em Paris. Gostava de rock, mas quando ouvia aquelas bandas inglesas, pensava: esta é a revolução anglo-saxônica, mas qual é a minha revolução? Estávamos no contexto de maio de 1968, sabe, e era preciso se rebelar… Meu tempo com o GRM [Groupe de Recherches Musicales] e meu contato com Pierre Schaeffer e Pierre Henry foram fundamentais. Tudo começou com aquele conceito que chamávamos então de música concreta, que foi a base da música eletrônica… Diferentemente do rock, do jazz ou do blues, estávamos lidando com um gênero que nasceu na Europa, em países como França e Alemanha, com raízes no surrealismo e com uma atitude irreverente semelhante à de Marcel Duchamp aplicada à música. É algo de que nós, europeus, devemos nos orgulhar.”
Sua música não só foi bem recebida no mundo anglófono, como também conquistou um apelo universal e continua a atrair dezenas de milhares de fãs em todo o mundo. Qual é o segredo?
“Imagino que ser fiel às suas raízes… Há uma diferença entre ser universal e ser internacional . Internacional são Coca-Cola e McDonald’s, padronizando tudo. Universais são artistas como Rosalía, por exemplo, que rompem fronteiras ao incorporar o espírito da cultura espanhola e latina, sem medo de experimentar. Rosalía, para mim, também é um exemplo da singularidade de um artista na era da IA. A arte não tem nada a temer enquanto houver artistas dispostos a quebrar as regras e serem disruptivos à sua maneira, como Almodóvar, Dalí, Picasso e tantos outros artistas espanhóis.”
A Inteligência Artificial representa uma ameaça ou um incentivo para a música?
“Estou absolutamente convencido de que a IA pode ser muito positiva para a humanidade em geral, e também para a arte. É uma ferramenta fantástica que nos dá a possibilidade não só de criar, mas também de supervisionar o nosso próprio trabalho… Dito isto, também não sou ingênuo e acho que vamos precisar de regras para a sua utilização. Para proteger a propriedade intelectual, por exemplo.”
O que você diria para aqueles que acreditam que a IA pode ser o golpe final para a criatividade humana?
“O debate atual sobre IA me lembra os debates do início do século XX sobre a máquina a vapor, quando um jornal britânico alertou que o coração humano poderia explodir a 50 quilômetros por hora. Também me lembra das condenações do Vaticano à imprensa e ao acesso universal aos livros… Toda invenção serviu para democratizar o conhecimento e dar às pessoas ferramentas que elas não tinham antes. O fogo é perigoso, sim, mas aprimorou nossa civilização. A eletricidade também tem seus riscos, mas tem sido positiva para a humanidade… Lembro-me de como a música eletrônica inicialmente deixou as orquestras em alerta, a ponto de boicotar minha apresentação, desligando meus instrumentos quando toquei na Ópera de Paris no início da minha carreira. Houve um tempo em que se pensava que a fotografia mataria a pintura e o cinema mataria o teatro… Podemos ficar tranquilos: a IA não vai matar o Stradivarius e nem o violão.”
Você já utilizou Inteligência Artificial nos espetáculos que traz para a Espanha?
“Incorporei a IA nos aspectos visuais e no design de cenário dos espetáculos que vocês verão em Ibiza, Madrid, Valência e Marbella. Atualmente, considero a IA uma colaboradora multifacetada, com quem também é possível dialogar e alcançar resultados inesperados. Gosto de inverter o significado da sigla e falar de IA como Imaginação Aumentada. Pelo menos, é assim que a vejo. Gostaria de mostrar ao público como, com a ajuda da IA, é possível criar algo poético, surreal, orgânico, surpreendente, inesperado…”
Você também está usando isso no aspecto musical?
“Acabei de voltar de Londres, onde participei de algumas sessões para o meu próximo álbum, que será lançado em 2027 ou 2028. Estou trabalhando com ela no meu próximo álbum, não para copiar, mas para experimentar, para testar novas texturas, como sempre fiz com novas tecnologias. Vejo a IA como o super sintetizador do século XXI. Acho que, com o tempo, ela poderá servir para criar novos gêneros musicais e novas formas de nos expressarmos.”
Já se passaram 50 anos desde Oxygene… e outros 50 desde Amnesia. Como explicar que o padrinho da música eletrônica tenha demorado tanto para se apresentar em Ibiza?
“Tive várias oportunidades de me apresentar ao ar livre em Ibiza, mas elas nunca se concretizaram. A possibilidade de comemorar o aniversário duplo na Amnesia despertou minha imaginação, devido à importância do local para a música eletrônica e sua filosofia — essa ideia de esquecer o passado e o futuro e celebrar o momento presente… Acho que será um momento muito especial. Ainda vejo meus instrumentos como uma cozinha onde continuo a experimentar. Espero que desta vez consigamos preparar uma boa paella [Risos]“.
Qual a diferença entre tocar em uma sala pequena e tocar para mais de um milhão de pessoas?
“Não muito, além da adaptação técnica ao espaço. Para mim, o objetivo é sempre o mesmo: estabelecer uma conexão com o público, alcançar uma troca mútua de vibrações que, se tudo correr bem, deixe uma sensação de plenitude no final… Nesta era de celulares, tablets e telas, temos uma necessidade física de estarmos ombro a ombro e compartilhar experiências com outros seres humanos.”
Você se apresentou em frente às Pirâmides do Egito e no 25º aniversário da NASA. Foi o primeiro músico ocidental convidado a fazer concertos na China na década de 1980 e detém o recorde mundial do Guinness de maior público em um concerto em Moscou. Quais destas apresentações foi a mais marcante para você?
“É difícil escolher apenas uma. O concerto do ano passado em Samarcanda foi verdadeiramente especial, assim como a Cerimônia de encerramento dos Jogos Paralímpicos de Paris. A experiência na China foi inesquecível. Também guardo ótimas recordações do Rendez-Vous em Houston. Mas talvez o que mais me tenha marcado tenha sido o concerto na minha cidade natal, Lyon, nesse mesmo ano, 1986, por ocasião da visita do Papa João Paulo II.”
Será que tecnologia e emoção são compatíveis?
“Acho que sim, e acredito que venho provando isso há mais de 50 anos com concertos ao vivo. Passei mais tempo com meus instrumentos do que com seres humanos [Risos]. É curioso ver o quanto a tecnologia progrediu desde então, dos dispositivos analógicos à Inteligência Artificial, mas as emoções não mudam: ainda nos emocionamos com as mesmas coisas.”
E como ela alimenta seu entusiasmo e sua fé no futuro?
“Digamos que sou um otimista subversivo. Em todas as décadas, experimentei aquela sensação de fim do mundo por um motivo ou outro. Com o tempo, minha percepção de cada década melhora: aconteceu nos anos 1960, aconteceu nos anos 1970, aconteceu nos anos 1980, que agora estão por toda parte… Quero acreditar que a humanidade saberá como fazer bom uso das incríveis ferramentas que temos no século XXI. Vou muito à China [Jarre tem um relacionamento amoroso com a atriz Gong Li], e cada vez que volto de lá, é como retornar do futuro, tal é o investimento que eles fizeram em tecnologia e inovação. Gostaria que a Europa despertasse, criasse suas próprias ferramentas de IA, continuasse exportando seus valores e capacidade criativa para o mundo.”
Fonte: El Mundo
Jarre compartilhou a entrevista em suas redes sociais:
“Muitíssimo obrigado ao @elmundo_es e ao Carlos Fresneda pela entrevista de hoje!
Espero ver todos vocês nos próximos dias na Espanha.
📍 3 de julho – Madrid @nochesbotanico
📍 5 de julho – Ibiza @amnesiaibiza
📍 8 de julho – Valência @far_valencia
📍 10 de julho – Madrid @nochesbotanico
📍 13 de julho – Marbella @starlitefestival
¡Nos vemos pronto, España! 🇪🇸“
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