Jean-Michel Jarre se apresentará no dia 8 de julho em Valência, como parte do Festival FAR, realizada na Marina Norte. O pioneiro da música eletrônica retorna a uma cidade que se lembra de ter visitado há muito tempo e da qual destaca sua energia singular: “uma grande cidade onde tudo é muito próximo” e que, para ele, “funciona como um núcleo atômico”. O concerto também acontece em um momento simbólico: o 50º aniversário de Oxygene, obra fundamental que Jarre continua a entender não como um exercício de nostalgia, mas como um experimento artístico vivo, capaz de resistir ao teste do tempo e influenciar gerações sucessivas de criadores. Em Valência, ele apresentará um espetáculo concebido como uma experiência imersiva, com músicas completamente revisadas de seu catálogo e um cenário criado com Inteligência Artificial “de uma forma muito poética e orgânica, muito latina”.
Não sei se você sabe, mas houve uma época, lá pelos anos 1980, em que a música eletrônica era especialmente popular em Valência. Mais do que em Madrid ou Barcelona, e, além disso, era usada para dançar.
“Lembro-me de estar aí há muito tempo com amigos, e foi um momento revigorante e importante na minha vida. Acho que Valência ainda mantém essa conexão especial com a música eletrônica hoje em dia. Estou ansioso por esse momento em julho e muito feliz em compartilhar um projeto que é muito especial para mim. Tocarei algumas músicas do meu catálogo e da minha carreira, mas elas foram completamente repaginadas. Sempre me interessei por imersão e tecnologia, tentando expandir os limites da tecnologia para compartilhar o melhor som possível com o público. Como músico, presto muita atenção ao som; é o mínimo que se deve fazer ao compartilhar sua música com o público. Além disso, quando adolescente, eu alternava entre pintura e música, e sempre estive ligado a todas as artes visuais e à tecnologia visual. Desta vez, concebi todo o design de palco e cenografia usando Inteligência Artificial, mas de uma forma muito especial: de uma forma poética e orgânica, muito latina. E espero sinceramente que as pessoas gostem tanto quanto eu.”
Lembro-me dos seus concertos que foram transmitidos pela televisão quando eu era criança como algo incrível: a música, o som, as luzes, os efeitos visuais. Será que hoje em dia é mais difícil impressionar o público do que era nos anos 1970 ou 1980?
“Não sei. Acho que ajudei a criar uma espécie de gramática para shows. Quando comecei, ninguém fazia mapeamento ou projeções gigantes em prédios, incorporando luzes, arquitetura de luzes e lasers. Até as grandes bandas de rock usavam apenas algumas luzes, e só. Hoje, claro, não dá para imaginar um show de música eletrônica, rock ou pop sem cenografia e decoração de palco. Mas só porque existem mais livros ou mais filmes não significa menos criatividade; é o contrário. O que importa no final das contas é o conteúdo. Não sou nostálgico. O concerto que vou apresentar ao público em Valência é muito atual. É de 2026.”
Muitas pessoas temem a disrupção tecnológica, como a Inteligência Artificial. Há muita controvérsia em torno do assunto, e alguns dizem que a IA representa o fim da criatividade. Qual a sua opinião?
“Isso me faz lembrar dos primórdios da fotografia, quando pintores assinaram petições contra ela, dizendo que era o fim da pintura. Ou quando introduzi a música eletrônica na Ópera Francesa e alguns músicos da orquestra desligaram o sistema de som, dizendo que a música eletrônica significaria o fim das orquestras. É uma história sem fim. Estou bastante entusiasmado com o conceito deste novo projeto e muito feliz em compartilhar com o público espanhol. Sempre me sinto muito privilegiado por receber uma acolhida tão calorosa na Espanha, desde o início com Oxygene, Equinoxe, Magnetic Fields, Zoolook e Electronica. Tenho uma relação muito especial com a Espanha, e é sempre uma grande alegria.”
Mas você dirá isso em todos os países onde for se apresentar.
“Sim, muitos artistas internacionais dizem que ir à Espanha é maravilhoso como uma espécie de estratégia de marketing. Mas, no meu caso, a primeira carta de fã que recebi, fora da França, veio da Espanha. Uma das minhas frustrações é que minha mãe, que era uma ótima pessoa, me obrigou a estudar alemão em vez de espanhol. Foi um grande erro, porque meu alemão era muito básico e perdi a oportunidade de me conectar melhor com os espanhóis.”
Talvez a ligação que os espanhóis têm com a sua música derive do fato de, nos seus primórdios, a sua música representar a modernidade. E nas décadas de 1970 e 1980, a Espanha ansiava por modernidade após a ditadura.
“Sim, acho que sim. Quando comecei minha carreira, era uma época de muito otimismo em relação ao futuro; pensávamos que, no ano 2000, o mundo seria perfeito, que os sistemas sociais e educacionais seriam perfeitos e que os carros voariam. Minha música carregava esse tipo de positividade e conexão com o espaço. Nunca a vi como algo ligado ao espaço sideral, mas sim ao espaço que nos rodeia, ao nosso ambiente; Oxygene era muito simbólico nesse sentido. É por isso que sempre me interessei em tentar transmitir essa sensação de imersão e espaço. A música é feita de espaço e tempo. Mas gostaria de acrescentar algo sobre nós, espanhóis e franceses: somos latinos. A música eletrônica, em suas origens, não tem nada a ver com blues ou o rock; não tem nada a ver com os Estados Unidos. Ela vem da nossa herança de música clássica, pintura, impressionismo — o trabalho com texturas — e, em certo sentido, também do surrealismo.”
De que maneira Breton ou Dalí podem ter te influenciado?
“A abordagem de misturar o som de um pássaro com um clarinete ou uma máquina de lavar é muito latina e muito surreal. Nós inventamos o surrealismo, e as raízes da música eletrônica vêm desses movimentos europeus. Quando eu era adolescente, via bandas de rock como Soft Machine ou Pink Floyd e pensava: ‘Esta é a revolução da minha geração, mas é uma revolução anglo-saxônica, não minha’. Quando me envolvi com a música eletrônica, eu disse: ‘Esta é a nossa revolução como artistas latinos’. Ela permite músicas de 10 ou 11 minutos sem seguir as regras do pop americano ou o formato de música de três minutos com letra.”
Para os seus fãs, a sua música sempre foi a música do futuro, mas o que significa o futuro para você hoje?
“Sempre considerei o passado como um prólogo para o presente ou o futuro. Não sou obcecado pelo futuro; o que me move é a curiosidade. Sempre tive curiosidade de experimentar novas linguagens ou novas ferramentas. A tecnologia é o melhor catalisador para a criatividade. Foi porque inventamos o violino que Vivaldi compôs sua música; foi porque inventamos a eletricidade que temos Jimi Hendrix, Rosalía ou Billie Eilish. Foi porque inventamos componentes eletrônicos que pessoas como eu fazem a música que fazemos, e hoje é porque estamos inventando a Inteligência Artificial que os estilos musicais e os filmes de amanhã serão gerados. A tecnologia é neutra; tudo depende de como você a usa. A pirataria existia antes da eletricidade e existirá depois da IA. Não devemos misturar tudo isso.”
O que mais te entusiasma na IA como ferramenta criativa?
“É mais ou menos o que aconteceu quando surgiram as baterias eletrônicas ou o sampling. Dizia-se que elas acabariam com os bateristas, mas os bateristas tiveram que evoluir por causa delas. O mesmo está acontecendo com a IA. Podemos falsificar músicas pop com IA, mas também houve quem fizesse Picassos ou Dalís falsos; isso não põe em questão a validade da pintura. O pincel é neutro; tudo depende da pessoa que o utiliza. Para mim, a IA é uma espécie de super-musa. É menos Inteligência Artificial e mais Imaginação Aumentada. É uma forma de expandir e ampliar minha inspiração, como um superassistente com múltiplos braços e mãos, uma espécie de Shiva digital.”
Deveria haver algum limite para a criação impulsionada por IA?
“O limite é a minha imaginação, não a IA. Acredito que a década de 2020 será considerada a era de ouro da IA, como foi o surgimento do cinema em preto e branco ou dos primeiros samples. Nos anos 1980, o ‘Rolls-Royce’ da sampling era o Fairlight, e você só conseguia samplear 0,8 segundos em 8 bits. Hoje podemos samplear por horas em alta definição, mas naquela época fazíamos coisas muito interessantes que não conseguimos mais fazer. Hoje, a IA está cheia de erros, limitações e imperfeições; nem sempre obedece. Mas todas essas falhas criam algo que, em 10 ou 20 anos, será quase perfeito demais. Meu conselho para jovens artistas é explorar a IA agora por causa de suas fraquezas e falhas; é uma fonte fantástica de inspiração.”
Ao ouvir seus discos dos anos 1970 ou 1980, você sente que com a tecnologia de hoje poderia ter feito melhor?
“De jeito nenhum. É como assistir a um filme em preto e branco; você não diz ‘que pena que não é colorido’ quando assiste Metrópolis. Cada época tem suas vantagens e desvantagens. Para falar a verdade, não estou muito interessado em ouvir o que fiz antes; não sou nostálgico. Estou interessado no presente. Antes de Valência, vou tocar em Ibiza para o 50º aniversário da Amnesia. O interessante sobre o conceito de ‘amnésia’ é a ideia de esquecer o passado e o futuro; o que importa é o presente. É uma atitude bem punk, no bom sentido. Como artista, sou bastante egoísta; antes de tudo, crio para mim mesmo. Não penso em fazer isso para agradar o público; o público ou acompanha ou não. O que me interessa é tentar aprimorar o que tenho em mente, que é como uma miragem que você persegue a vida inteira. É como Pedro Almodóvar, Beatles ou Kubrick: é uma variação do mesmo universo ou do que chamamos de estilo. Você assiste a 30 segundos de um filme de Almodóvar e já sabe que é ele. Quaisquer que sejam as ferramentas que você use — um smartphone ou uma câmera preto e branco —, será o seu estilo. A Inteligência Artificial não é uma ameaça porque se baseia no passado, mas o que torna um artista único é o seu estilo.”
Será esse “egoísmo” o que o mantém seguindo em frente sem ficar preso ao passado?
“Sim e não. Acredito em duas coisas: primeiro, sou um ladrão; roubo tudo o que ouço, vejo ou leio como parte da minha inspiração. Segundo, um verdadeiro artista não conhece a aposentadoria, porque a criação é uma obsessão. Você persegue obsessivamente o sonho do filme, livro ou música perfeitos, e é como uma miragem ou uma bolha de sabão: você pensa que está perto, e então escapa. Essa mistura de frustração e esperança é a melhor força motriz para continuar.”
Os seus concertos têm uma forte ligação ao local onde se realizam. Qual a importância do ambiente na concepção do som?
“Eu pinto com os meus ouvidos. O meu objetivo em Valência é criar a trilha sonora de uma história ou de um filme que o público possa construir na sua própria mente enquanto ouve a minha música e vivencia a performance. É isso que eu gosto na música instrumental em comparação com as canções; a música eletrônica constrói a trilha sonora de um filme que se pode criar no próprio coração.”
A figura de Maurice Jarre, seu pai, um dos mais importantes compositores de trilhas sonoras de Hollywood, foi importante para você nesse sentido?
“Infelizmente, não tive contato com meu pai; ele nos abandonou, a mim e à minha mãe, quando eu tinha cinco anos. Sempre achei que trilhas sonoras e música fossem domínio dele, então recusei muitos projetos porque não queria ser ‘o filho de Maurice Jarre’, eu queria ser Jean-Michel Jarre. Mas ele morreu há mais de 15 anos, e agora penso nele com muito carinho; tenho certeza de que ele está me ajudando a encontrar a inspiração certa.”
É difícil equilibrar a imaginação sonora e o espetáculo visual?
“Para mim, a música é o centro de tudo, e depois eu componho a ‘trilha visual’. Percebi muito cedo que passar duas horas atrás de um sintetizador ou de um computador não é a coisa mais empolgante do mundo. Tentei definir uma gramática ou um vocabulário para a performance de música eletrônica ao vivo. Quando adolescente, me interessava por ópera porque aqueles grandes músicos trabalhavam com pintores e cenógrafos para potencializar o poder da música.”
Depois de uma carreira tão longa, você sabe quando uma nova peça ou um novo espetáculo realmente funciona?
“Você nunca sabe ao certo. Primeiro, precisa funcionar para você. Mas a armadilha do estúdio é que você não sabe se gosta de algo porque é interessante ou apenas porque está se acostumando. Lembro-me de estudar música eletrônica e gravar três minutos de ruído de rua e depois tocar a gravação o dia todo em casa. Meus filhos se familiarizaram com cada canto de pássaro ou som de bicicleta que surgia, e aquilo deixou de ser ruído e começou a se tornar uma espécie de peça musical. No estúdio, quando você passa semanas com uma música, você não sabe se gosta dela ‘como gosta do seu cachorro’, porque a ouve todos os dias. É sempre bom ter pessoas por perto com ouvidos confiáveis para obter diferentes opiniões.”
Quando você mencionou sua atitude punk, imaginei um punk da velha guarda, um daqueles tipos “sem futuro”, com cara de assustado.
“É engraçado, acabei de voltar da China, onde uma startup de IA me recriou como eu era aos 25 anos. Tive um momento louco conversando com um holograma meu aos 25. Eu só disse: ‘Não se preocupe, aconteça o que acontecer, no final tudo ficará bem’.”
Fonte: Levante – El Mercantil Valenciano
Para muitas crianças do final da era comunista, sua música é uma das melodias infantis mais ouvidas; outros o reconhecem como um pioneiro da música eletrônica e um sopro de liberdade durante o comunismo. Em 2005, ele se apresentou no concerto Space of Freedom e agora se se apresentará em Radom para comemorar o 50º aniversário do protestos dos operários em resposta ao anúncio de aumentos drásticos nos preços oficiais de certos bens de consumo pelo governo de Piotr Jaroszewicz, em junho de 1976. Jean-Michel Jarre afirma que este concerto também é importante para ele pessoalmente, pois também celebrará o 50º aniversário do lançamento de seu álbum inovador Oxygene.
Jean-Michel apoiou repetidamente a Polônia em seu caminho para a democracia e, nas últimas décadas, também não se esqueceu de nós. “Durante quase todo o século XX, a Polônia foi um exemplo de perseverança e resistência. Vocês nos mostraram como não perder a fé em um túnel excepcionalmente escuro e longo e como lutar pela luz no fim do túnel. A situação que toda a humanidade enfrenta durante a pandemia, de certa forma, se assemelha ao destino da Polônia, então devemos seguir o exemplo de vocês. Não desistam, reajam, ajam, busquem uma saída para uma situação que parece desesperadora”, disse ele em entrevista ao “Gazeta Wyborcza” em 2021.
Ele hesitou em se tornar pintor. E revolucionou a música.
Até hoje, mais de 18 milhões de cópias do Oxygene foram vendidas (mais de 85 milhões de álbuns vendidos em todo o mundo). O revolucionário disco do compositor francês é considerado um dos álbuns mais importantes da segunda metade do século XX. Gravado em um estúdio caseiro, foi o primeiro sucesso internacional do francês. O que ele diria hoje sobre as pessoas e as coisas que o inspiraram no início de sua carreira musical?
O que mais o moldou como artista e como pessoa?
“Acho que quando comecei minha aventura com a música eletrônica, não tinha nenhum ponto de referência, porque era uma abordagem nova e emergente para a composição musical. Minhas influências eram principalmente das artes visuais. Cheguei a hesitar entre me tornar pintor e músico, então me interessei por pintura e também por cinema. Lembro que, claro, o filme ‘2001: Uma Odisseia no Espaço’, de Stanley Kubrick, foi um choque total para mim e realmente me inspirou – essa ideia de criar uma espécie de mistura experimental com o pop, com a cultura popular, foi algo que fundamentou um álbum como Oxygene.”
“A IA é uma oportunidade fantástica para eu mudar minha maneira de pensar”
Jean-Michel Jarre é conhecido não apenas por sua abordagem visionária à música, mas também por seus próprios concertos. Durante suas apresentações, ele utiliza efeitos de iluminação, shows de laser, fogos de artifício e tecnologia de Realidade Virtual. Ele atrai multidões enormes. Seu concerto de 1979 na Place de la Concorde, em Paris, contou com a presença de mais de um milhão de pessoas, o que lhe rendeu um recorde mundial no Guinness. Posteriormente, ele quebrou esse recorde mais três vezes, chegando a ter 3,5 milhões de pessoas em Moscou. No Réveillon de 2021, durante o lockdown da pandemia, ele realizou uma transmissão ao vivo no espaço virtual da Catedral de Notre-Dame de Paris, que atraiu mais de 75 milhões de espectadores.
Ele também projetou todo o cenário para o evento agendado para 19 de junho, em Radom. Desta vez, ele se voltou para a IA. “É uma história sem fim de quem está à frente de quê — na minha opinião, a tecnologia dita o estilo, e não o contrário”, diz ele. “Para mim, experimentar novas ferramentas sempre foi interessante, e é provavelmente por isso que sou tão curioso sobre o mundo como era naquela época, tão curioso quanto era na adolescência, porque a tecnologia está avançando cada vez mais rápido. Por exemplo, a IA atual é uma oportunidade fantástica para mim de mudar a forma como pensamos e criamos de uma maneira completamente diferente, assim como quando comecei a trabalhar com sintetizadores e música eletrônica. Eu estava convencido de que era uma chance de criar minha própria revolução na Europa”, acrescenta.
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Fonte: Gazeta.pl
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