Após mais de meio século rodeado de sintetizadores e realizando alguns dos maiores concertos da história, o pioneiro da música eletrônica relembra os principais marcos de sua carreira. Ele retorna à Espanha em julho com “uma surpresa muito especial”.
Já se passaram quase cinquenta anos desde que Jean-Michel Jarre (Lyon, 1948) conquistou seu primeiro recorde mundial do Guinness de público em um show, atraindo mais de um milhão de pessoas para a Place de la Concorde, em Paris. Foi em 1979, no aniversário da Queda da Bastilha. Ele subiu ao palco sozinho, cercado por sintetizadores, como se representasse o fim do Antigo Regime e o início de uma nova era na música. Mick Jagger estava lá e ficou impressionado. A Revolução Francesa na tonalidade da música eletrônica. Ele não se sentiu como Napoleão conquistando a Europa? “Na verdade, é sempre o contrário. Quando me apresento para um ou dois milhões de pessoas, me sinto menor”, diz ele.
Naquela época, seu pai, o grande compositor de trilhas sonoras Maurice Jarre, já havia conquistado dois de seus três Oscars por ‘Doutor Jivago’ e ‘Lawrence da Arábia’. Encantado com a ideia de que ele seguisse seus passos, matriculou o jovem Jean-Michel em aulas de piano e, à medida que crescia, ele começou a frequentar o clube de jazz mais popular de Paris, Le Chat Qui Pêche, com sua mãe, onde conheceu Chet Baker. Jamais passou pela cabeça de seus pais, na época, que seu filho se desviaria desse caminho e, ainda assim, superaria os Beatles, Bruce Springsteen e os Rolling Stones em vendas com música feita com máquinas, considerada uma raridade.
Em 1981, este pioneiro da música eletrônica alcançou o topo das paradas de jazz e música clássica dos EUA com seu quinto álbum, Magnetic Fields, e obteve reconhecimento mundial ao se tornar o primeiro compositor ocidental a fazer uma turnê pela China. Em 1986, atraiu mais 1,3 milhão de pessoas para um concerto em Houston em comemoração ao 25º aniversário da NASA. E em 1997, elevou esse número para 3,5 milhões em Moscou, na maior apresentação ao vivo da história.
Aos 77 anos, o músico francês continua a quebrar recordes. O mais recente foi alcançado em 2021 com um concerto virtual da Catedral de Notre Dame na véspera de Ano Novo, que atraiu 75 milhões de espectadores em todo o mundo. “É curioso como nos sentimos diante de tanta gente”, enfatiza, “porque já me apresentei para públicos de todos os tamanhos e, no fim das contas, tudo depende de se essa química misteriosa se estabelece entre o público e o palco. É como uma história de amor, independentemente de haver duzentas ou dois milhões de pessoas assistindo.”
Poderemos comprovar isso neste verão na Espanha, onde ele se apresentará com “uma surpresa muito especial” em Madrid (Noches del Botánico, 3 e 10 de julho), Valência (Marina Norte, 8 de julho) e Marbella (Starlite Occident Festival, 13 de julho), além da Amnesia Ibiza (5 de julho) para celebrar o 50º aniversário da casa noturna e o 50º aniversário de seu álbum de estreia, Oxygene. Um álbum que já vendeu mais de 18 milhões de cópias.
Acho difícil acreditar que em nenhum daqueles concertos gigantescos você não se sentiu como um deus…
“Honestamente, fui tomado por um sentimento de humildade. Lembro-me vividamente do concerto no distrito de La Défense, em Paris, no ane de 1990, diante de dois milhões e meio de pessoas. Naquele dia, quebrei o recorde pela terceira vez, mas no meio da apresentação, levantei a cabeça e me virei para ver se algo estava acontecendo atrás de mim, porque todos me olhavam com interesse. Sinto-me pequeno nesses momentos, como se nem fosse eu.”
Ultrapassar esses recordes foi algo que você buscou conscientemente?
“Não! Eu não tinha controle sobre isso e jamais poderia ter previsto a quantidade de pessoas que acompanhariam minha música. É um mistério para mim, mas se eu pensar bem, quando comecei a fazer shows no início dos anos 1970, sempre achei que minha música, e a música eletrônica em geral, foi feita para ser adaptada a espaços abertos, porque assume uma dimensão diferente. Acho que o que fizemos naquela época, nesses espaços abertos, foi antecipar o que hoje conhecemos como ‘raves’. Para mim, isso é muito importante, porque não é algo que acontece no jazz e na música clássica, que se refugiaram em teatros, casas de ópera e outros espaços fechados.”
Depois de lançar mais de vinte álbuns de estúdio e apresentar ideias tão inovadoras, você acha mais difícil agora criar músicas originais e surpreendentes?
“Encontrar novas ideias não tem nada a ver com a idade. Sinto a mesma curiosidade que sentia na adolescência. Ainda é um desafio para mim e, além disso, não sou muito nostálgico. O que fiz no passado fica no passado. Quando se trata de criar, sempre penso que o presente é o que importa. Estilo é outra questão.”
Como assim?
“Veja Almodóvar, Tarantino, Cervantes, Kubrick ou os Beatles. Parece que eles sempre fizeram o mesmo livro, filme ou música, mas não fizeram. É o estilo deles, que nada mais é do que uma projeção de quem eles eram e da obsessão deles em criar a obra perfeita. Esse é o objetivo de qualquer artista, que não depende das condições em que cresceu, mas de quem ele é e da sua sede de descoberta. Por isso, não acho mais difícil agora do que antes encontrar ideias inovadoras.”
Eu me referia à enxurrada de novas músicas lançadas todos os dias em plataformas digitais ou com Inteligência Artificial (IA).
“Não, de jeito nenhum. O fato de você ter mais acesso à música do que antes não significa que seu talento esteja diminuído. O Spotify ou a IA não ameaçam o próximo Miles Davis, Billie Eilish ou Rosalía. Nunca ameaçarão. Na verdade, acho que todas essas novas ferramentas ajudam a democratizar a criatividade, e isso é ótimo. Não acho que elas afetem o talento dos futuros músicos.”
Por que você acha que obteve sucesso com um gênero tão novo e experimental como a música eletrônica em 1970?
“Porque desde o início tentei encontrar um equilíbrio entre experimentação e melodia. Eu vim da música experimental, tendo feito parte do Groupe de Recherches Musicales [Grupo de Pesquisas Musicais] de Pierre Schaeffer, onde tentávamos compor usando sons e ruídos pré-gravados, e não através de notas. Isso foi revolucionário para a música do século XX, mas eu não me esqueci da melodia. Talvez porque nós, franceses e latino-americanos, tivéssemos uma abordagem mais impressionista da música eletrônica, na qual a melodia sempre teve mais peso. Isso é algo que bandas mais jovens como Air ou Daft Punk herdaram posteriormente.”
Essa é a diferença entre vocês e outras bandas pioneiras como o Kraftwerk na Alemanha?
“Eu diria que sim. Quando comecei a fazer música eletrônica, as bandas alemãs também eram um bando de malucos trabalhando com máquinas estranhas. Compartilhamos essa mesma origem, mas nos expressávamos de forma diferente. Kraftwerk e Tangerine Dream glorificavam essas máquinas e tinham uma abordagem mais robótica, como se elas nos controlassem. Na França, porém, tínhamos essa abordagem impressionista, onde misturávamos texturas com melodias.”
Falando nessa “abordagem impressionista”, costuma-se dizer que a música eletrônica nasceu no final dos anos 1960 ou início dos anos 1970. Isso não é um erro?
“Sim. Muitas vezes nos esquecemos de que, na realidade, a música eletrônica vem da Europa, de países como França, Alemanha, Itália e Espanha, cujas tradições não têm nada a ver com blues, rock ou jazz. Para mim, a origem está na nossa herança de música clássica e em movimentos europeus como o Impressionismo e o Surrealismo, na influência de artistas como Marcel Duchamp e Dalí, que misturavam o som de um pássaro com o de um clarinete ou o de uma máquina de lavar com percussão. Essas ideias, aliás, nasceram no início do século XX e ainda têm impacto hoje, já que algumas orquestras incluem esse tipo de som. Por isso, sempre tentei encontrar essa mesma harmonia entre experimentação e melodia, e funcionou bem para mim.”
Você nunca se interessou pelo convencional?
“Não sei o que te dizer, sinceramente. Nunca penso nesses termos. Sempre fiz a música que queria fazer. Componho para mim. Artistas podem ser generosos em outros aspectos da vida, mas no processo criativo nos tornamos egoístas. Criamos para nós mesmos, e se as pessoas gostarem depois… Ótimo! Além disso, faço música porque não sei fazer mais nada. Eu gostaria de ser pintor, arquiteto ou cientista, mas a verdade é que o que mais me dá prazer é compor ou pensar sobre o mundo em termos musicais. Essa é a minha vida.”
Qual foi a coisa mais emocionante que você já fez?
“Quando penso nisso, me vêm à mente o concerto nas pirâmides do Cairo em 1999 e o da Cidade Proibida em Pequim em 2004, que foi incrível. Mas, na verdade, a coisa mais emocionante foi a apresentação na minha cidade natal, Lyon, por ocasião da visita do Papa João Paulo II em 1986. Foi estranho tocar para um milhão de pessoas nas mesmas ruas no alto da cidade onde eu costumava ir ao mercado com a minha avó quando criança.”
Por que você acha que ainda existe certa resistência à música eletrônica?
“Todos os estilos emergentes foram inicialmente rejeitados. O jazz pela música clássica no início do século XX e o rock pelo jazz nas décadas de 1950 e 1960. Depois, o rock se tornou parte dessa elite institucionalizada que rejeitava a música eletrônica. O curioso dessa evolução é que a música eletrônica é hoje a mais popular, mas ainda é rejeitada. Nunca foi colocada no mesmo patamar da música clássica ou do rock. Da mesma forma, os instrumentos com os quais comecei a fazer música eram considerados máquinas, não instrumentos. No final deste ano, aliás, vou publicar um livro intitulado Machines, no qual traço a trajetória de todos os instrumentos que usei na minha vida, numa espécie de história da música eletrônica. Todos esses instrumentos são hoje muito populares, mas ainda são considerados máquinas. Não importa que a tecnologia seja acessível a todos, porque essa percepção não muda. É estranho.”
Como você se sentiu com esse estigma no início da sua carreira?
“Nada em particular, porque a rejeição é da natureza humana, a ideia de que ontem era melhor e amanhã será pior. Isso me faz pensar no nascimento da fotografia, quando os pintores distribuíram manifestos denunciando que as câmeras iriam matar a arte. O teatro também considerava o cinema uma ameaça. Quando apresentei a música eletrônica pela primeira vez na Ópera Garnier, em Paris, em 1971, alguns músicos clássicos tentaram desligar a mesa de som em protesto, alegando que a música eletrônica mataria as orquestras. É sempre a mesma coisa.”
Você acha que o mesmo está acontecendo hoje com a IA?
“Sim, há quem diga que ela vai matar a criatividade. Isso é um absurdo; nada substitui nada. Precisamos entender que a tecnologia se submete à ditadura do estilo, e não o contrário. Graças à invenção do violino, Vivaldi fez a música que fez, e graças ao advento da eletricidade, temos Chuck Berry, David Gilmour e Billie Eilish. A criatividade não se resume às ferramentas — não importa se é IA, um sintetizador ou um graveto —, mas sim a como você as utiliza. Trata-se também de como você quebra as regras, assim como Manuel de Falla, Picasso e Miles Davis fizeram. Lembramos desses gênios justamente porque eles não as respeitaram. Esse princípio deveria estar no DNA dos artistas.”
O quanto você acha que contribuiu para que a música eletrônica deixasse de ser um gênero de nicho?
“Nunca me fiz essa pergunta; seria arrogante da minha parte. Quando comecei, a verdade é que eu não tinha muitas referências em música eletrônica, então era mais influenciado por cinema, pintura, literatura e música clássica. Desde então, vivi três grandes revoluções e me sinto muito privilegiado. A primeira foi o surgimento dos instrumentos musicais eletrônicos; a segunda, o uso generalizado de computadores e do mundo digital; e a terceira, a IA. Seu surgimento é a coisa mais disruptiva que aconteceu em décadas, e eu a vejo como uma oportunidade.”
E de tudo o que você fez em sua carreira, do que você mais se orgulha?
“De poder ainda conversar com você hoje, depois de tantos anos, sobre o futuro.”
Fonte: ABC
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