WIRED – Alemanha (24/11/2018)
Os robôs estão atualmente sendo convidados para uma música do seu novo álbum “Equinoxe Infinity”. Esta música é de “Robots Don’t Cry”. Mas se um robô não pode mostrar emoções, como ele consegue sentir o suficiente para fazer boa música?
Eu deveria ter intitulado a música diferente, a saber: ‘Robots Don’t Cry -So Far'(Robôs Não Choram, Até Agora). Nos próximos dez anos, acredito que os algoritmos e a IA serão capazes de criar ótimas trilhas sonoras. Isso levantará questões, tais como nós, artistas, devemos nos posicionar. É parte do DNA humano que ontem tudo foi melhor e que amanhã tudo ficará ainda pior. A tecnologia sempre progrediu e a IA poderia ser maior. É por isso que o Equinoxe Infinity é na verdade uma espécie de trilha sonora para máquinas que aprendem conosco.
Há quarenta anos atrás, você lançou Equinoxe – um álbum que ficou na história da música. Na capa havia muitas pequenas figuras com binóculos, os observadores. Foi assim que você imaginou o ano de 2018. Muito bem. Se hoje eu te pedisse para criar uma nova capa, como você ilustraria o futuro se pensarmos novamente por mais 40 anos, ou seja, 2058?
Engraçado que vocês perguntam isso. O primeiro título do novo álbum Equinoxe Infinity foi Equinoxe 2058.
Sério ?
Sim (risos). Mas então veio o remake de Blade Runner no cinema – e isso foi lançado como Blade Runner 2049 , um título muito semelhante. Eu também adoro a ideia do infinito. Então, Equinoxe Infinity parece mais adequado para a história que eu queria contar com minha música.
Você também gosta das possibilidades de novas tecnologias, fala muito sobre Inteligência Artificial na música. Você usa AI em suas músicas?
Para este projeto, queríamos trabalhar com o IA. Eu estava em contato com o Google, com a Microsoft, com a Sony, a Flow Mashine e assim por diante. Já estávamos a caminho de fazer algo extraordinário. Mas não foi possível – ainda não. Mas isso pode demorar mais alguns meses. Eu já poderia ter alimentado uma das minhas músicas em um algoritmo que me teria devolvido uma versão de Johann Sebastian Bach do meu trabalho. Não é isso que espero. É verdade que muitos desenvolvedores de IA são obcecados por Bach e por um bom motivo. Eles são matemáticos e Bach era, portanto, um músico ideal para eles. Mas agora eles têm que entender lentamente que algo está acontecendo desde Bach, especialmente em termos de groove. Temos que vacinar robôs com um pequeno groove…
Então, há algum groove no álbum atual sem Inteligência Artificial?
A inteligência artificial é representada como inspiração social. Ela é o tema da história. Muitos de nós passamos mais tempo olhando para o seu smartphone do que nossos próprios parceiros e famílias. E esses objetos técnicos também estão nos observando para vender produtos que realmente não precisamos espionar. Que as máquinas nos estudam, que os consumidores se tornam produtos, esse é o lado mais sombrio. Esses observadores poderiam acabar se tornando denunciantes. Eles podem muito bem ser os mocinhos, o lado bom da IA. Eu deliberadamente deixo todos esses pontos de interrogação para trás.
A Inteligência Artificial também nos assistirá quando se trata de música? É claro que a I.A. pode compor faixas. Mas ela também pode responder aos meus gostos individuais e compor minhas próprias músicas pessoais em minutos, o que se encaixa no meu humor?
Essa é uma pergunta muito interessante. Sim, é uma ótima ideia. Toda forma de arte é totalmente subjetiva. Se você imaginar que a IA cria uma música ideal apenas para você … ao contrário, as pessoas também poderiam criar músicas ideais para robôs.
Isto terá sentimento ?
Durante séculos, pensamos que a fumaça de um cigarro se movia aleatoriamente. Mas esse não é o caso, é uma equação muito complexa. Todo o universo é baseado em uma cadeia de reações químicas. Emoções e emoções também vêm do nosso cérebro e muitas combinações químicas que nos fazem rir e chorar. Por que isto não deveria um dia ser artificialmente possível? Porque não? É muito arrogante acreditar que é apenas humano. Isso me lembra daqueles que acreditam que não há outra vida no universo. Isso é tão arrogante. Estamos assustados e arrogantes quando se trata do futuro e deveríamos ser muito mais humildes. Eu digo apenas: não é impossível.
Mas quando os robôs começam a chorar, artistas …
…choram muito mais (risos),…
…porque eles não são mais necessários.
Eu não acredito nisso. Isso é interessante. Nós já dissemos que quando de repente você podia gravar música. Acreditava-se que nenhuma orquestra era mais necessária. Chegou completamente diferente. Nós tivemos o mesmo jogo com a internet. Como foi dito, vai matar a estação de rádio. Mas eles nunca foram tão influentes quanto hoje, especialmente em países onde a Internet está muito avançada. É apenas desenvolvimento. Eu não vejo por que não deveria ser legal trabalhar com IA para evoluir. Porque não?
Essa é a mensagem do seu álbum, dois lados de uma moeda.
Exatamente.
Décadas atrás, você trocou sua amada guitarra e seu amplificador Eisenbahn, pelo primeiro sintetizador. Você ainda pensa melancolicamente na guitarra hoje?
Não, eu logo poderia comprar uma nova e melhor (risos). Mas eu sei o que você quer dizer: na minha última turnê, eu criei alguns riffs de heavy metal, o que foi muito divertido para mim. Hoje em dia você pode misturar os gêneros tão bem: Metal com música clássica, jazz com punk, hip hop, claro. Funciona. É apenas uma abordagem diferente da música, como uma pintura abstrata – lidando com texturas, formas de onda. É como cozinhar de uma maneira muito essencial.
É certamente difícil gerar boa música heavy metal com IA.
JMJ: Eu não penso assim. Eu acho que é ainda mais fácil. O jazz seria bastante difícil, tudo com estrutura menos firme. Metal é como música clássica. Se Vivaldi estivesse vivo hoje, ele tocaria no Metallica.
Ele tinha o penteado certo. Jean-Michel Jarre, obrigado pela entrevista!
FORBES – EUA (26/11/2018)
Entrevista de Jarre com os membros do Crystal Mehtod. The Crystal Method é um grupo norte americano de música eletrônica formado por Ken Jordan e Scott Kirkland. Junto com Underworld, Orbital e The Chemical Brothers. Foram os pioneiros da música eletrônica big beat. Scott Kirkland, membro da banda, se encontrou com Jarre em Los Angeles, para falar sobre o novo álbum “Equinoxe Infinity”
Meu pai tinha esse disco e eu ficava tipo “Isto são corujas? (sobre a capa de Equinoxe)
Eu disse: “Eu gostaria de começar este projeto com a ideia do que aconteceu com esses observadores”. E eu encontrei no Instagram um jovem ilustrador, um cara muito talentoso, e eu tive a ideia exata de que queria lançar esse álbum com duas capas diferentes. Mesma música com duas capas diferentes. Um seria o que aconteceria com eles daqui a 40 anos. Então eu me diverti muito, eu escrevi o álbum como uma trilha sonora para as obras de arte. Eu nunca fiz isso antes. Mas eu me diverti muito e depois pensamos em vários visuais diferentes. Então no estúdio eu fiz a música como uma trilha sonora para um filme imaginário.
Scott Kirkland do The Crystal Method
Eu cresci com o gosto eclético do meu pai e, é claro, meu amor por Star Wars e por não poder assistir ao filme, naquela época não havia VHS nem nada, então eu viveria o filme em um quadro. Então eu tirei todas as pequenas figuras e as reencenaria. Então, quando ouço música, ouço instrumentos conversando, antagonizando um ao outro. Eu acho muito fascinante focar no visual, apenas olhando para ele e tentando visualizar como na música “Ghost In The City”, na minha mente ela está se tornando consciente de que não está mais entre nós e está com raiva. Então ela fica ressentida e contente e depois nesse momento eufórico onde é essa jornada. Eu posso visualizá-la se desfazendo no final, apenas evaporando na atmosfera.
Eu sou um grande fã do seu som. Falando de visual, sempre foi uma fonte de inspiração para mim. Sua música também é muito visual. Até mesmo alguns artistas que gostamos não estão provocando alguns visuais. Eles podem desencadear alguns sentimentos, algumas emoções, alguns outros sons, mas não necessariamente visuais. E no seu caso, eu diria que sempre foi o caso.
Eu quero te dizer o quanto isso me tira do chão agora mesmo. Felizmente estou sentado. Há alguns anos, meu sócio [Ken Jordan] se aposentou e eu não sabia que ele iria se aposentar. Houve uma oportunidade de trabalhar com você neste projeto e ele disse: “Não, eu não acho que vamos ter tempo”. Se houver alguma oportunidade para colaborarmos, agradeço.
Esse projeto Electronica é um projeto paralelo em minha carreira de colaboração com pessoas. E eu tive esse dogma de conhecer cara a cara e tentar fazer música juntos e não apenas enviar arquivos para pessoas que você nunca conheceu. Também pessoas que foram uma grande fonte de inspiração. Eu passei por um momento muito sombrio, como todo mundo infelizmente em nossas vidas. Eu perdi meus pais, passei por um doloroso divórcio. Eu precisava abrir a janela e tive a ideia de trabalhar com pessoas que admiro e que foram uma fonte de inspiração para mim. Todos disseram sim ou quase.
Essa foi uma das primeiras coisas que pensei quando ele me disse que se aposentou: “Aposto que foi por isso que ele não queria isso”, porque era mais ou menos na mesma época em que estávamos nos separando.
Foi muito bem recebido e nomeado para o Grammy no ano passado e então eu disse: “Este projeto Electronica deve ser um projeto paralelo”. Estou preparando um outro para o próximo ano e ficaria muito feliz se pudéssemos fazer algo juntos.
Eu adoraria. E eu concordo. Enviar arquivos e trocar coisas a longa distância não é o mesmo que estar na mesma sala, porque quando uma parte é tocada ou uma seção é falada, você obtém a energia de alguém. Você pode sentir se eles estão apenas te acalmando ou se eles estão realmente nisso.
Exatamente. O que eu gostaria de fazer para este projeto é preparar uma espécie de demonstração bruta de um lado ou de outro, então você pode preparar as coisas, unir forças, já temos algo para começar.
Podemos conseguir um animador para começar a zombar dos dois mundos que se juntam.
Steve Baltin: Vocês dois são tão orientados visualmente que podem se transformar em um desenho animado, uma história em quadrinhos.
Kirkland: É engraçado você dizer isso sobre a música ser a trilha das imagens. Eu tive The Trip Home como a trilha dos primeiros 20 anos do Método Cristal junto com Ken. A primeira faixa sendo esta irritada, tentando encontrar o caminho através de todas as outras bandas e ser reconhecida e ser relevante e fazer música que seja ouvida. Então você começa a encontrar o seu fluxo, o “Moment Of Truth” é, para mim, tudo sobre a verdade, o clube de volta ao dia aqui na cidade. Houve um clube que foi feito por Moonshine que foi chamado a verdade. E foi Michael Cook, o incrível DJ inglês que esteve aqui por um tempo, e Marques Wyatt por um tempo. Foi no Park Plaza, que é um desses locais historicamente é simplesmente lindo. Você entra e não vai a uma rave. Você está indo para um coquetel nos anos 20. Então, de repente, você está nesta sala cheia de energia. Então, o “Moment Of Truth” é, para mim, aquele momento em que as coisas começaram a se abrir e nós vemos o quão coletivo e comunal e colaborativo esses ambientes são.
Eu acho que os visuais são realmente parte da música eletrônica em geral. Também porque a música eletrônica não é feita apenas de músicas em si. É a ideia de escrever a história ou a música que as pessoas podem ter em mente enquanto ouvem nossa música.
Kirkland: Sim, quantas pessoas vieram até você e disseram que seus álbuns passaram por momentos difíceis? Quando isso acontece, eu tenho soldados com membros perdidos, em cadeiras de rodas, pessoas que vieram para os eventos ou eu encontrei quem disse: “Cara, esse álbum me ajudou a passar por momentos difíceis”.
Exatamente, essa é a maior recompensa.
“Quando tive que fazer este disco, levei seis horas para chegar ao funeral do meu pai ou algo assim”, sendo capaz de usá-lo como a trilha para a sua vida, hoje em dia muito do EDM quer toda sua atenção e está se esforçando tanto para cutucar a cabeça acima de tudo o resto das coisas e há tanta energia em torno das imagens e da agressividade disso e você consegue em um evento, você está competindo com toda essa energia agressiva, maníaca e combustível isso é tão difícil de levar para casa, ouvir e realmente apreciar enquanto você está apenas cuidando da sua vida diária quando você está editando software ou codificando, todas essas coisas.
Baltin: Escrevendo. Há música que você pode ouvir como pano de fundo, em seguida, coisas que se tornam muito perturbadoras e você não consegue se concentrar. Voltando, Jean, você disse que esta é a primeira vez que você trabalhou com visuais primeiro Fale sobre como esses novos desafios revigoram você musicalmente e mantêm as coisas frescas depois de tantos anos.
Música, para mim, é uma espécie de vício. É como se eu não tivesse escolha. Eu sei que provavelmente passo mais tempo com máquinas do que com seres humanos. Eu não sei se é bom ou não, mas são os fatos. Eu acho que é isso que nos mantém frescos e também entusiasmados e inocentes é a ideia de que para cada projeto eu termino com uma mistura de frustração e esperança. Frustração que poderia ter sido melhor e a esperança de que da próxima vez seja melhor. Esse é o tipo de miragem, ou a ideia de que durante toda a sua vida você está tentando alcançar o seu filme ou romance ideal ou álbum ou peça musical ideal. É uma miragem tentando obtê-lo e ele está escapando. Então, um dia, talvez você acerte ou não. Isso é talvez porque nós estamos indo contanto que seu corpo possa continuar e saudável você continua com o mesmo tipo de excitação. Devo dizer que ataquei e iniciei este projeto com a mesma energia e entusiasmo que eu tinha nos meus 20 anos. Trabalhei recentemente com Pete Townshend e trabalhamos juntos em Londres. Ele era como um adolescente de 17 anos de idade, com a mesma fome, energia, inocência e dando o máximo que podia atrás do microfone e com o violão. É algo que você tem ou não tem. Eu me lembro que em meus 30 anos eu tinha alguns dos meus colegas que eram como aposentados. Era como se suas vidas já estivessem por trás deles. Eu nunca pensei isso. E eles estavam cheios de certezas sobre o que já tinham feito e acabou.
Kirkland: Eu realmente não sei mais o que eu faria. Ken, quando ele veio até mim e disse que estava se aposentando, e mais uma vez, é como se o casamento fosse como lá fora. Você gasta tempo nos primeiros dias criando algo, trabalhando o máximo para fazer algo que é poderoso para você, depois liberá-lo e fazer com que alguém o ouça, todos aqueles pequenos obstáculos que afetam a produção e a liberação de música. Então, quando ele me disse que estava se aposentando e com tanta alegria em seu espírito e olho, eu senti o mesmo lançamento também porque senti que ele queria fazer outra coisa por um tempo. Você não arruma todas as suas coisas, vende sua casa, vende seu carro e muda tudo para a Costa Rica com um ou dois meses de antecedência (risos). Isso é algo que vem acontecendo há muito tempo, então eu tive esse momento em que ele me disse que iria se aposentar, eu me senti feliz por ele e eu tive uma escolha: eu poderia me deixar chafurdar muito. Mas realmente não tinha nada a ver comigo, tinha a ver com ele. Quando eu sou mais criativo, geralmente são 10 ou 2 da manhã, quando eu sei que as crianças e a família estão em casa, todo mundo está seguro. E o caos do mundo exterior diminui. Você apenas sente que há menos energia ao seu redor. Você pode entrar lá com suas máquinas e experimentar, arriscar e fazer coisas. Fico feliz em encontrar coisas que não pretendia fazer. Às vezes, os acidentes são a ponte que leva você de um lugar para outro. Eu queria chamar esse álbum de The Wrong Amount Of Right.
Isso é ótimo.
Talvez isso possa ser o título da nossa música.
BIG ISSUE – Reino Unido (27/11/2018)
(Primeiras influências na juventude)
Quando eu tinha 16 anos eu já estava muito animado com a música. Eu estava tocando em uma banda de rock e estava me divertindo muito experimentando sons estranhos na guitarra e no teclado. Eu também estava assistindo a muitos filmes – eu amei os faroestes vindos da América quando eu era criança e quando eu era adolescente eu fui ver filmes de pessoas como Jean-Luc Godard. Isso foi na época da revolução estudantil em Paris; assistir Godard era uma maneira de se rebelar contra o que estava acontecendo na França naquela época. 2001: Uma Odisseia no Espaço foi muito importante na minha vida como artista e músico, muito influente. Eu assisti a uma sessão e depois fui ver de novo todas as noites durante uma semana, sete vezes.
(Ausência do pai famoso e trilhas sonoras)
Meus pais se separaram quando eu tinha cinco anos e meu pai foi para a América. Eu tive muito poucos contatos com ele na minha vida. É muito estranho e triste de certa forma – ele era um compositor e … nós sentíamos a falta um do outro, na verdade. Para um adolescente, é muito difícil … se você está em conflito aberto com seu pai, você tem alguém contra quem se rebelar e isso pode ser bom. Quando você não tem ninguém, é como um buraco negro. É muito difícil passar por isso e eu realmente sofri muito sobre isso. Eu carregava uma sensação de melancolia por causa de sua ausência. Esta é a razão pela qual eu recusei tantas trilhas sonoras porque eu vi isso como o território do meu pai e eu não queria me envolver com isso. Foi triste e bobo.
(Mãe)
Minha mãe era uma pessoa extraordinária. Ela era uma grande figura na resistência francesa e ela estava em um campo de deportação. Ela me criou com a ideia de que você deveria fazer a diferença entre a ideologia e o povo, por exemplo, entre os nazistas e o povo alemão. Essa não era uma visão comum naqueles dias. Ela me ensinou sobre ter uma mente independente, fazendo o que eu achava certo e justo. Ela foi muito divertida e muito aberta e eu devo muito a ela. Acabei de ouvir na semana passada que a minha cidade natal, Lyon, decidiu dar o nome dela a uma rua. Claro que estou muito emocionado com isso. Ela diria que ela não merece, mas ela ficaria orgulhosa e eu também.
(Revolta Estudantil de 1968 e o envolvimento com a música eletrônica)
Eu fui apanhado no meio da revolução estudantil [Jarre tinha 19 anos no auge da revolta em 1968]. Eu fui para a universidade mas não para conseguir um emprego, apenas para alimentar minha curiosidade. Em Paris, foi tão agitado e caótico que você poderia realmente torcer e sequestrar o sistema, e isso foi muito interessante para mim, começando minha vida como músico. Isso me deu a ideia de me rebelar contra o estabelecimento da música clássica e até mesmo do rock. No rock, bandas como The Beatles, já tinha um formato bem estabelecido, e eu já estava experimentando o que não eram considerados instrumentos reais. “O que é esse tipo bobo de caixa barulhenta?” “O que você está fazendo?” A música eletrônica estava realmente quebrando as barreiras da época. O movimento ‘musique concrète’ foi revolucionário, dizendo que não fazemos anotações baseadas no sistema usual. Nós saímos e gravamos o som do vento e da chuva.
(O estouro de Oxygene)
Eu tive o privilégio de estar lá no começo de um movimento. Eu fui capaz de abrir portas em território virgem, eu não tinha ninguém atrás de mim que tivesse feito a mesma coisa. Um jovem DJ começando agora tem 30 anos de música eletrônica por trás dele. Eu tinha essa mistura de inocência e audácia, apenas experimentando, não pensando em fazê-lo para viver, apenas motivado pela paixão, pelo vício. Toda a minha música antiga, incluindo Oxygène [1976], foi rejeitada por companhias de música que disseram: “O que é essa música? Não tem baterista, não tem cantor, essa faixa dura 10 minutos, não é formatada para rádio… e do ponto de vista anglo-saxão, além de tudo isso, ele é francês! “Então foi um grande desafio. É claro que depois do enorme sucesso de Oxygène [o primeiro álbum vendido vendeu cerca de 12 milhões] as pessoas esqueceram tudo isso e todos disseram, claro que foi fácil para ele. Eu estou dizendo a você, não foi fácil.
(Seus Mega-concertos influenciando a cena musical atual)
Eu acabei fazendo shows muito grandes [em 1979, o show de Jarre na Place de la Concorde quebrou um recorde quando ele se apresentou para um público de mais de um milhão; e então ele passou a quebrar esse recorde várias vezes]. Isso foi muito estranho porque quando eu era criança, eu tinha claustrofobia e um problema real com multidões. Eu não tinha planos para esse tipo de concerto, mas logo percebi que os instrumentos eletrônicos, ao contrário da guitarra elétrica ou do violino, não foram criados para serem tocados no palco. De pé atrás de um sintetizador não é a coisa mais sexy do mundo. Então eu tive que inventar uma linguagem de música eletrônica no palco. Isso significava enormes projeções e slides em prédios, jogando ao ar livre, usando luz e lasers. Essa foi uma ideia nova quando comecei, mas se tornou uma espécie de padrão para bandas eletrônicas e de rock.
(Encarando o sucesso)
Quando tive sucesso foi tão violento e tão grande que era quase abstrato, como se estivesse acontecendo com outra pessoa. O estilo de música que eu estava fazendo era tão diferente que eu era considerado quase como um alienígena. De uma forma que me deu uma distância que me ajudou a lidar com isso. Ninguém da França fez algo assim. Pessoas como Johnny Hallyday eram bem conhecidas na França, mas não internacionalmente. Então isso me colocou em uma situação especial. Eu sempre fui muito especial. Tudo na minha vida foi incomum.
(A fama)
É claro que às vezes era bastante glamoroso, especialmente nos anos oitenta, com esses shows gigantescos e fama enorme. E, claro, isso torna a vida familiar um desafio. Eu tentei proteger meus filhos e espero ter conseguido, mas isso afeta sua vida privada. Você faz muitos novos amigos, mas eles não são realmente seus amigos, do tipo que permanece e permanece em sua vida, não importa o que aconteça. A fama não muda nada, mas cria muitos amigos falsos.
(Perdão ao pai)
Hoje em dia eu sou muito legal sobre como foi com meu pai. Agora eu penso, nós só temos um pai e uma mãe e não importa o que eles fizeram com você, você tem que aceitar e parar de questionar e parar de sofrer. Ele provavelmente tinha uma desvantagem em seu coração que veio de seus próprios pais. Eu entendi aquilo. E ele não foi capaz de expressar amor. Isso foi triste para ele. Quando ele faleceu, fiquei na frente do corpo dele e disse: “OK, eu te perdôo”. E eu disse algo que veio do nada – eu disse, me perdoe por não poder ser amado por você. Esta ideia, de pedir perdão a alguém que te magoou, é um processo muito bom. Eu me senti muito melhor depois disso.
MUSICALLY – Reino Unido (28/11/2018)
Jarre fala sobre o avó, André Jarre:
A figura de um pai era meu avô na minha família. Ele criou uma das primeiras mesas de mixagem para estações de rádio antes da Segunda Guerra Mundial na França. Na França, ele também criou o primeiro toca-discos portátil – para que você pudesse fazer um piquenique e ouvir os singles de Édith Piaf. Foi o ancestral do iPod!
O momento crucial na vida de Jarre – o único evento que moldou sua carreira – foi quando ele tinha nove anos e seu avô lhe deu um gravador. Ele a usou para captar sons encontrados antes mesmo de saber o que era, balançando um microfone da sacada da casa de seus avós, em frente à estação de trem de Lyon, para registrar o barulho da rua abaixo.
Lyon e o circo :
Em frente à estação de trem, você tem muitos sons muito interessantes das minhas primeiras gravações. Haviam dois cafés com soldados e prostitutas que faziam muito barulho. Havia também uma loja de laticínios onde havia muitos sons acontecendo. Entre este edifício e a estação de trem havia uma praça onde havia um circo. Você teve um turbilhão de sons realmente interessante. Eu estava gravando tudo isso por diversão.
O circo, como veremos mais adiante, foi para provar uma influência enorme e duradoura em seu trabalho ao vivo.
Jarre conta de seu experimentalismo em bandas de rock:
Um acidente com a gravação da fita, tocado para trás, chutou as portas para mim. De repente tive a sensação de que alguns alienígenas estavam chegando! Eu tentei aplicar algumas dessas técnicas acidentais de áudio em minhas incursões iniciais em bandas de rock. Por exemplo, sons de guitarra acelerados para cima e para baixo. Eu tive um bom termo e mudei do rock para a música eletrônica, no entanto, vendi minha guitarra elétrica (e o conjunto de trem elétrico que eu tinha quando criança) para comprar meu primeiro sintetizador em uma viagem a Londres. O simbolismo – abandonando a rock e o passado – eu estava maduro. Em um estágio muito inicial, percebi que a tecnologia está ditando estilos – e não o contrário. A razão pela qual Elvis fez músicas em três minutos foi porque você só podia cortar músicas de três minutos em um vinil de 78 rotações. Isso se tornou o formato para singles, para rádios e jukeboxes, um dos motivos para o hardware musical me fascinar.
O encontro com os sintetizadores:
Com sintetizadores e computadores, você pode fazer coisas que não era possível há 10 anos devido à tecnologia. Os artistas estão realmente dependendo da tecnologia e não do contrário . Eu trabalhei em estúdios em Paris, produzindo cantores pop e rock, mas queria total autonomia para minha própria música. No estúdio profissional com a janela, você está no aquário e Deus é o engenheiro, ele diz sobre sua frustração com os velhos modos de fazer música. Para música eletrônica, você tem que ser seu próprio deus! Você tem que estar no comando. Você não pode trabalhar com essa situação de dois quartos. O loft que eu tinha em Paris em meados da década de 1970 tinha um capricho arquitetônico – duas cozinhas, criando uma situação muito diferente de dois cômodos. Eu transformei uma em meu primeiro home studio, onde escrevi e gravei “Oxygène”.
Oxygene:
Eu construí muito mais e fiz insonorização básica. Eu tinha um pequeno console e um gravador de oito pistas. Naquela época, você estava muito limitado pela tecnologia, pois não havia muitos sintetizadores por perto. E eles eram muito caros . Eu estava usando pedais de guitarra como phasers e flangers para adaptá-los para teclados. Eu tive um Mellotron quebrado que tirei de um estúdio. Estava meio quebrado e lembro que fiz “Oxygène” apenas com as notas que estavam funcionando. Eu construí “Oxygène Part 2” em torno das notas que eu poderia tocar neste Mellotron quebrado. Essas limitações se tornariam meus princípios criativos: estabelecer limites rígidos em torno de mim mesmo e da minha música, forçando-a a subverter a norma e criar novos sons. Isso é o que é interessante em qualquer forma de arte. Os limites tecnológicos e técnicos são tão importantes e esta é provavelmente a dificuldade para os jovens músicos de hoje. A tecnologia hoje faz você acreditar que não há limitações. Hoje o problema é que, se você quer ser específico, precisa ser você mesmo. Você tem que criar suas próprias limitações. Mas quando você não tem escolha e você está limitado por situações extremas [que é diferente].
Operando na música pop:
Eu sempre considerei melodias a coisa mais importante da música. Criar a ponte entre os dois mundos era algo que eu realmente queria experimentar. O problema era – e isso remonta ao ponto em que eu não receba o crédito que me é devido – que, ao tentar combinar dois mundos diferentes, me vi em posição de ostracismo por ambos os lados. Minha música foi rejeitada pelos músicos de vanguarda porque eles sempre tiveram essa atitude de desprezo e estavam rejeitando a música pop. E no mundo do rock [havia uma] mentalidade estreita em relação aos sintetizadores, eles acreditavam que os instrumentos reais eram guitarra, baixo e bateria. ‘Oxygène’ veio depois de uma década tentando gravar música em meu próprio nome e fui rejeitado por uma longa lista de gravadoras que não conseguiram entender a ausência de um cantor e um baterista, bem como faixas longas de 10 minutos .Me senti validado quando o álbum vendeu seus milhões – assim como o seguinte “Équinoxe” em 1978 – e me fez um tipo muito particular de estrela fora da França. É claro que foi uma boa notícia. Mas eu nunca fiz nada para agradar uma audiência. Para ter uma vida longa como artista, eles estão realmente seguindo seu próprio caminho. Eles não têm outra escolha. Foi uma obsessão para conseguir o que eu tinha em mente.
Música ao vivo – fazendo grandes shows:
Em vez de seguir o modelo de turnê de rock por um ano, para promover um álbum, Jarre manteve seus princípios de estabelecer limitações em si mesmo. Ele tocaria ao vivo – mas os shows (certamente até os anos 90) seriam espetaculares eventos únicos em locais únicos. O Pink Floyd foi o único grande ato nos anos 1970 a tentar tocar em shows fora dos locais tradicionais, mas seu show de 1972 no anfiteatro romano em Pompéia foi feito em frente a apenas câmeras de filme, já que não podiam ter um público dentro da antiga estrutura. O primeiro grande show de Jarre, como um ato internacional, foi em 14 de julho de 1979 na Place de la Concorde para celebrar o Dia da Bastilha. Não foi um pequeno assunto. Estima-se que um milhão de pessoas estiveram presentes. Teclados e sintetizadores são ostensivamente instrumentos de estúdio e não foram projetados para o ambiente de concertos, mas a contrariedade de fazer um concerto em larga escala usando apenas eles é o que atraiu Jarre.
La Concorde – 1979
Mesmo hoje em dia atrás de seu laptop ou seu sintetizador não é a coisa mais sexy ou mais convincente do ponto de vista da performance ao vivo. Desde o começo eu estava convencido de que deveria criar minha própria gramática e vocabulário do que uma performance de música eletrônica deveria ser usando vídeos, luzes e projeções gigantes em prédios e lasers. Desde muito cedo eu estava convencido de que deveria ser o vocabulário ou o DNA da música eletrônica na performance ao vivo. Como parte da performance de Paris (La Concorde, 1979), eu usei holofotes do exército alemão, retirando os filtros e usando slides feitos de vidro (para que eles não se fundissem sob o calor das luzes) para controlar as projeções dos edifícios circundantes. Eu me lembro depois do show, um cara que parecia Fidel Castro veio até mim e disse: ‘Cara, eu nunca vi nada assim na minha vida!’, Lembra ele. Eu disse obrigado e alguém me perguntou se eu sabia quem era. Era Mick Jagger!
Ele claramente teve uma influência, embora anos depois, Jagger tentou algo similar no palco. Até os Rolling Stones e o U2 estão usando muitas técnicas visuais. Mas naqueles dias grandes bandas de rock estavam apenas brincando com algumas luzes e isso era tudo.
Todos os meus shows até 1993 foram ao ar livre – em parte para usar o local como parte do show; mas também porque eu não queria tocar em locais fechados porque eles tinham uma acústica horrível e foram projetados para esportes ou reuniões políticas. Apesar dos instrumentos que eu estava usando sendo destinados ao trabalho de estúdio, senti que era ao ar livre que eles funcionavam melhor quando tocados ao vivo. Sempre acreditei que a música eletrônica era feita para ser executada ao ar livre. A música eletrônica estava ligada para mim, especialmente quando eu comecei, com ficção científica e espaço e a ideia de estar ao ar livre, onde não há reverb.
Isso significa que você pode lidar com sons de uma maneira muito melhor. Você pode ter o vento, mas fora isso você se livra de todas as reverberações e do feedback que você tem em uma sala que não é feita para esse tipo de música e para esses tipos de instrumentos onde você precisa de uma acústica muito precisa.
A influência do circo:
Quando eu era criança em Lyon, eu também gostava dessa abordagem nômade – como o circo. Eu acho que isso vem da minha infância. Para mim, o melhor desempenho foi que você chegou de um lado da estrada, colocou suas barracas no meio da praça e desapareceu na manhã seguinte. Eu estava realmente interessado nisso.
Pioneiro dos festivais de hoje:
Quando vejo muitos festivais [de música eletrônica] hoje em dia, isso me lembra o que eu estava fazendo há 25 anos. Eu toquei no Coachella este ano [em abril de 2018] e foi tecnologicamente bem interessante. Eu sempre fiz o design do palco sozinho. Desta vez eu fiz algo muito interessante – era 3D sem óculos . Havia diferentes camadas de telas de baixa resolução que eram transparentes. Você pode criar visuais muito imersivos. Foi muito novo e bastante excitante. É uma questão de brincar com tecnologia. Estar em música eletrônica para mim sempre foi um desafio tecnologicamente falando também. Em 1990 [no La Défense, em Paris, onde 2,5 milhões de pessoas compareceram], eu tinha uma pirâmide de 40m de altura. Ficou óbvio para muitos da geração mais jovem em música eletrônica que esta era a maneira de tocar música eletrônica. Hoje você pode fazer muitas coisas interessantes com um laptop. É democratizar a música e o visual. Mas o desafio também é como ser diferente e específico usando as ferramentas que todos podem usar. Isso é o que torna um artista específico.
Músicos hoje tem que trabalhar muito:
A tecnologia hoje em dia quer fazer você acreditar que está dando a você todas as soluções. Em um dia, algumas centenas de soluções de software poderão chegar ao mercado, mas 90% delas provavelmente estarão obsoletas até amanhã. Então, se você começar a cair nessa armadilha, você está morto. Meu conselho para um jovem músico seria escolher uma peça de software ou hardware com precisão e cuidado, e ficar preso a ela por seis meses ou um ano. Essa é a única maneira de ser diferente.
Tecnologia nova e antiga:
Você pode ter VR (Realidade Virtual) e AR (Realidade Aumentada), mas ao mesmo tempo você pode sequestrar os processos antigos, por vezes, usando tecnologia muito antiga misturada [com o novo]. Na minha última turnê, em um momento em que todos estavam usando telas de LED muito sofisticadas, fiz o inverso. A complexidade estava no processamento dos visuais – mas o que fiz foi usar um truque muito antigo do teatro [com telas de gaze]. Eu tinha telas LED de baixa resolução para que você tivesse a transparência como no teatro como se fosse tecido, mas com um software 3D bastante sofisticado para criar uma imagem usando a profundidade das diferentes camadas. Este é um bom exemplo de ter nova tecnologia, mas também usando os truques antigos deste estágio. Este é o luxo dos nossos tempos. Nós não temos mais guetos. Tudo está misturado [na música]. E na tecnologia é o mesmo.
Inteligência Artificial:
Em 10 ou 15 anos, os algoritmos e robôs de IA poderão conceber música original, filmes originais e histórias originais. É claro que isso vai mudar nossa relação com o processo criativo como seres humanos. Ao mesmo tempo, sabemos que estamos usando apenas 10% do nosso cérebro, de modo que a IA pode nos ajudar a usar os outros 90%. Isso abrirá as portas para novos territórios extraordinários em termos do processo criativo.
Futuro:
Geração após geração, você tem essa visão pessimista – uma visão apocalíptica do futuro. Há uma razão filosófica para isso. Todo ser humano sabe que, mais cedo ou mais tarde, ele ou ela não fará parte do futuro por causa das limitações de nossa vida. Essa é a razão pela qual sempre temos uma imagem sombria do futuro . Isso, no entanto, poderia estar prestes a mudar. Talvez a IA pela primeira vez possa criar uma ligação empática com o futuro. Quando você olha para o céu, como sabemos, você olha para o passado; você vê estrelas que não existem mais. Quando você vai na internet, você também olha para o passado. Tudo na internet faz parte do passado . A única ligação com o futuro pode ser, na minha opinião,a AI. Eu não estou falando sobre o trans-humanismo; isso é outra coisa. Apenas o fato de que você pode ter entidades nos ajudando e um sistema tecnológico nos ajudando a usar nossos cérebros em um nível totalmente diferente. O que é ótimo sobre a internet é que ela está democratizando a criação. Você pode ter um cara no meio da África ou da Índia sem ter como se comunicar com o mundo exterior; e com um pequeno laptop ele pode escrever, conceber, produzir e distribuir sua música. Isso é fantástico. Eu vejo tudo isso como a mesma velha história. Por que Mozart morreu na rua sem dinheiro e porque Verdi morreu em um castelo é porque um tinha direitos autorais e o outro não. É a velha história da relação entre arte e dinheiro e economia e finanças. Não acho que será mais difícil para os autores terem uma remuneração justa e um modelo de negócios decente para o século XXI. Mas nós temos que fazer isso. Eu estou lutando muito por isso – não por mim e minha geração, mas pelos músicos do futuro. A tecnologia está indo mais e mais rápido, por isso temos que ser cada vez mais rápidos reagindo e nos adaptando e adaptando a sociedade. Eu acho que antes de tudo lutar para reconhecer que um autor deve ser pago como todo mundo – esse é o ponto número um. No YouTube, é muito pior porque eles não pagam nada. É ridículo. Você precisa ter alguns milhões de cliques [streams] por dia para receber um salário mínimo. Por tudo isso, só precisamos de regulamentação simples. Então não há motivo para um músico hoje [não poder ganhar a vida]. Se eu estivesse começando hoje, gostaria de fazer exatamente o que fiz. Fazendo a música que eu quero fazer e depois fazendo uma turnê pela música que eu fiz. Se você fala com muitos jovens artistas hoje em dia, eles querem mais ou menos o que estamos falando. Eles não querem mais nada.
Fonte: https://musically.com/2018/11/28/jean-michel-jarre-creativity-music-ai/
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