O pioneiro da eletrônica tocará em Veneza e no anfiteatro onde o Pink Floyd se apresentou: «Toda revolução é considerada uma ameaça, mas a Inteligência Artificial pode ser usada para expressar emoções»
Há quem escreva música para o presente e quem a componha olhando para o futuro. Jean-Michel Jarre pertence a esta segunda categoria. Há quase meio século, o francês experimenta com a eletrônica como uma arte total, entre ondas sonoras e shows com arquiteturas luminosas, concertos em desertos e espetáculos urbanos diante de centenas de milhares de pessoas. Ele retorna à Itália para dois eventos: Veneza, em 3 de julho, e Pompeia, em 5 de julho, dois cenários que Jarre pretende iluminar com sua investigação de sons imersivos voltados para o futuro.
No âmbito do festival “Beats of Pompei”, ele se apresentará no anfiteatro onde, em 1971, o Pink Floyd gravou seu lendário show sem público (lançado no cinema no ano seguinte). Desta vez, haverá público, e promete ser mais uma experiência memorável. Conversamos com ele em primeira mão sobre isso.
Como você prepara um show em um lugar como esse, hoje?
“Tocar em Pompeia, assim como na Piazza San Marco, em Veneza, é como transformar um projeto de ficção científica em realidade. Por uma razão específica: esquecemos que um lugar como Pompeia foi construído e projetado por pessoas revolucionárias. Em termos de acústica, eles realizaram um milagre. Pense que uma pessoa no centro do anfiteatro pode falar sem microfone e ser ouvida em 360°. Eles criaram o Dolby Atmos há 2000 anos, de certa forma, falo da ideia de imersão visual e sonora. Acho que a melhor maneira de homenagear esse tipo de lugar é chegar com a mesma abordagem disruptiva: Inteligência Artificial, uso de 3D, sons imersivos, arquiteturas de laser e luzes para estar à altura da inovação do lugar. Não devemos considerá-lo uma relíquia do passado, mas algo conectado à ficção científica. É interessante notar que, em muitos filmes de ficção científica, os designers se inspiram em cenários que recriam esse tipo de arquitetura, como a própria Veneza, o gótico, as catedrais, os anfiteatros romanos. Sim, há muita história arquitetônica italiana quando se pensa em imaginar algo que vem do futuro.”
O Pink Floyd tocou sem público em um show que ficou na história. Desta vez, haverá público: o que você deseja que as pessoas sintam em um cenário tão especial?
“É uma pergunta interessante porque, sabe, as emoções humanas não evoluem. O que você queria criar há milhares de anos como músico ou pintor é o mesmo de hoje ou de amanhã: o relacionamento com o amor, a vida, a morte, a solidão, as emoções humanas básicas. O que evolui são os instrumentos e a tecnologia que usamos para expressar essas emoções. Há dois mil anos, usávamos os instrumentos da época; há um século e meio, chegou a eletricidade; hoje, o presente é a Inteligência Artificial. Mas o que espero e quero mostrar neste espetáculo completamente novo — porque é realmente algo que nunca fiz antes — é usar uma tecnologia de ponta para criar o que chamaria de um excedente de emoções. Para mim, a música eletrônica é orgânica, sensual, tátil. É como cozinhar: misturar elementos, formas de onda, de um jeito muito italiano e francês, muito latino. Não é algo abstrato.”
Você já se apresentou em cenários bem peculiares: aos pés de um vulcão, nas Pirâmides do Egito, em frente à Torre Eiffel. É uma fuga constante da rotina? Uma busca espiritual?
“Não acho que seja realmente uma fuga da rotina; o que me motiva é a curiosidade. Por que ainda faço shows hoje, depois de tudo o que já fiz, considerando a idade que tenho? Porque não estou interessado em me repetir. Tudo o que você faz como artista, de certa forma, é o seu estilo. Sempre fui interessado em coisas novas, que, sim, tornam-se desafios. Para um artista, isso não deveria nem ser uma questão, porque acho que é o motivo pelo qual nos tornamos artistas. Acho estranho quando vejo músicos que se repetem, fazendo o mesmo show a cada cinco anos. A ideia de sair em turnê também não me interessa muito. Já fiz isso, repetindo exatamente as mesmas coisas todos os dias, de cidade em cidade, a ponto de esquecer em que cidade estava. Para esta série de shows, minha ideia é a mesma de sempre: estou tentando criar algo sob medida para Veneza, que será diferente de Pompeia. A razão é simples: o ambiente é diferente. E sempre começamos por aí.”
Você mencionou a IA. Com a Inteligência Artificial fazendo música no lugar das pessoas, o que resta da autenticidade?
“Toda revolução pode ser vista como uma ameaça porque, por definição, não sabemos o que vai acontecer e, consequentemente, precisamos estabelecer novas regras. A pergunta que você me faz é a mesma que as pessoas do teatro faziam no início do cinema: ‘Esses caras se movendo na tela não são atores, porque um ator é alguém ao vivo, num palco, com um público real’. E o cinema se tornou a principal forma de arte. O mesmo aconteceu com a eletricidade ou a música gravada. Quando a música gravada surgiu, os editores que viviam de publicar partituras diziam: ‘Será o fim dos concertos, as pessoas vão ficar em casa ouvindo discos’. Sabemos que a música gravada, na verdade, impulsionou a indústria dos shows. É sempre a mesma história. Toda revolução disruptiva é vista como uma ameaça. Está no DNA das pessoas pensar que ontem era melhor e que amanhã será pior. O que estou apresentando no MEET, em Milão, com o Promptitude, é um exemplo perfeito de como desafiar a IA de maneira poética, mostrando que a relação entre os prompts para a Inteligência Artificial e a forma como você a alimenta tem uma conexão direta com o que você quer criar. Tenho controle total sobre a IA que uso para este projeto. É exatamente como um sintetizador. Tem o mesmo potencial de expressar sentimentos e emoções que um sintetizador, um tam-tam ou um violino. A emoção é criada pela pessoa por trás do instrumento, não pelo instrumento em si.”
Se você tivesse uma DeLorean para voltar ao seu primeiro grande show na Place de la Concorde, em 1979, o que levaria para aquele palco?
“Eu levaria todos os meus brinquedos de hoje. Todos eles. Mas precisaria de uma DeLorean no formato de caminhão (risos). Tenho muito respeito pela tecnologia de cada era, e fui sortudo e privilegiado por viver três revoluções diferentes. A primeira, quando comecei, foi a revolução da música eletrônica: os sintetizadores, o analógico, a eletricidade. A segunda foi o surgimento da era digital. A terceira é a Inteligência Artificial. E acho que é a revolução mais disruptiva e empolgante: acredito que os jovens artistas, em vez de terem medo, deveriam abraçar a IA o mais rápido possível para criar o hip hop, o rock, a techno e o electro do futuro.”
Seu pai, Maurice Jarre, foi um compositor premiado com o Oscar. Vocês conversaram sobre o que significa escrever música que perdura no tempo, que permanece contemporânea e futurista após 30 ou 40 anos?
“Não exatamente. As trilhas sonoras eram o território dele, eu sempre fiz shows e álbuns. Mas há uma conexão: sempre pensei que minha música, quando a apresento em lugares como Pompeia ou Veneza, pode se tornar a trilha sonora do filme ou da história que as pessoas podem criar, ouvindo e vivendo um show. Provavelmente, estou criando a trilha visual da minha música, mais do que a trilha sonora de um filme. Fui um dos primeiros a integrar muitos elementos visuais nas performances, e nisso também fui muito influenciado pela Itália, pela ópera, onde, de repente, os músicos queriam trabalhar com carpinteiros, pintores, cenógrafos para criar uma arte total. É isso que me interessa e que espero compartilhar com o público nesses shows.”
Olhando ainda mais para o futuro, há algum sonho musical que você ainda não realizou?
“Sempre estive interessado em explorar novas formas de expressar e criar música. Lembro que, no início da minha carreira, conheci Federico Fellini, e ele me disse algo que ainda me surpreende: ‘Jean-Michel, sempre pensei em fazer um filme diferente a cada vez. Agora, olhando para trás, percebo que sempre fiz o mesmo filme’. Isso é absolutamente verdade para qualquer artista. Pense nos Beatles, Coldplay, Massive Attack, Kanye West: todos estão dizendo a mesma coisa. É o que chamamos de estilo. É a definição de quem você é, independentemente do instrumento que usa. O que apresentarei nos shows na Itália será uma variação do que faço, mas com instrumentos novos, de 2025. Sempre com a minha voz.”
Fonte: Rolling Stone Itália
Nesta entrevista, o compositor falou sobre sua participação na Bienal de Carlo Ratti, o concerto que fará na Piazza San Marco no dia 3 de julho e sua relação com Veneza.
Pioneiro – é assim que normalmente chamamos um músico icônico, um precursor, alguém à frente de seu tempo, que antecipa tendências e estilos, e que atravessa com facilidade as fronteiras dos gêneros musicais, rompendo qualquer barreira na arte, na cultura e na política. A arte e a cultura – música incluída – têm uma função social e política muito clara. Jean-Michel Jarre está de volta à Itália em grande estilo, pronto para uma temporada de apresentações que promete ser uma experiência artística total: uma jornada por som, imagem e Inteligência Artificial. Jarre inicia essa jornada na Bienal de Arquitetura de Veneza de 2025 como parte da exposição Intelligens e seguiu, em junho, para Milão, com sua própria exposição Promptitude. Ele retorna a Veneza no dia 3 de julho para o concerto na Piazza San Marco, uma produção da “Veneto Jazz”. Nele, o músico francês fará convergir suas inspirações na arte, arquitetura e história italianas com seu impulso por inovação tecnológica e sua habilidade de criar experiências musicais únicas em locais icônicos.
Seu concerto e Veneza
“Veneza sempre foi uma grande fonte de inspiração para mim. Posso dizer que ela está presente há muito tempo, sob diferentes pontos de vista. Penso no cinema, especialmente em ‘Morte em Veneza’, de Luchino Visconti. Antonio Vivaldi também sempre foi uma referência constante para mim, assim como muitas outras formas de arte que encontraram em Veneza um terreno fértil ideal. Tocar na Piazza San Marco é um sonho – e isso vale para qualquer pessoa que tenha minha profissão, sem dúvida. Um sonho que se realiza.”
A Bienal de Arquitetura
“Sou um grande admirador da Bienal. Acho que não perdi nenhuma desde o final dos anos 1980. Esse tipo de exposição é essencial para entender as forças que governam o universo da arte em nosso planeta, em todas as latitudes. Sinto-me honrado por ter sido escolhido por Carlo Ratti. Estou ansioso para uma mudança de perspectiva na maneira como me relaciono com a Bienal. O projeto que apresentaremos em Veneza é uma ponte concreta entre música e arquitetura através do espaço e do tempo – elementos que essas duas disciplinas compartilham de forma íntima e inseparável.”
Oxyville na Bienal
“A ideia de Oxyville era criar uma faixa de dez minutos que convidasse os visitantes a fecharem os olhos e imaginarem, guiados pela música e pela própria inventividade, sua cidade ideal. Uma imagem a ser construída com a ajuda da música. Concebemos Oxyville como som espacializado. Ela explora a conexão entre áudio 3D e arquitetura, tendo o som como elemento principal na construção dessa cidade imaginária. A experiência na Bienal culminará em novembro, com um evento no MEET Digital Culture Center em Milão, onde mostraremos o que os visitantes vivenciaram em Oxyville. Os comentários deixados após a visita à exposição serão alimentados em uma Inteligência Artificial que, por sua vez, criará a imagem da cidade ideal — que promete ser utópica. Ao fim da Bienal, revelaremos uma seleção das imagens mais originais, que nos levarão a refletir sobre um futuro que se aproxima a cada minuto.”
Sua música e o espaço
“Minha música sempre teve uma relação muito próxima com o espaço em que é executada. Em 1986, fiz um concerto em Houston pelo 150º aniversário da cidade e pelo 25º da NASA. Tendo o skyline da cidade como pano de fundo, cobrimos arranha-céus com telas e projetamos lasers sincronizados com a música e fogos de artifício. Tive uma plateia de 1,3 milhão de pessoas.
Também me apresentei na Rússia, novamente com um concerto de temática espacial. Porém, desde os tempos de Oxygene, sempre considerei a música como algo profundamente ligado ao espaço ao seu redor. Não precisamos ir milhas acima do céu. Eu também adoro ficção científica, embora não a considere minha principal fonte de inspiração.
O foco dos meus interesses é o espaço que ocupo como músico e por onde minha música viaja até chegar aos ouvidos – e aos olhos – do público, para que eles vivam plenamente o que estou tocando. Esse é o espaço que me importa: o último centro da minha pesquisa artística.”
Seu próximo concerto em Veneza
“Não se pode ter música sem arquitetura. Se eu não fosse músico, certamente seria arquiteto. Sempre quis realizar meus concertos ao ar livre, sempre que possível. Estou pensando em algo sob medida, feito especialmente para um lugar tão extraordinário. Parte do cenário será concebida por Inteligência Artificial, e outra parte foi criada para Promptitude, minha primeira exposição de arte visual, no MEET Digital Culture Center em Milão.
Um cenário imersivo em 3D destacará os espaços da Piazza San Marco. O repertório também será bastante original, com algumas peças históricas e outras novas, algumas das quais terão sua estreia ao vivo nesse dia. Um espaço tão revolucionário quanto a Piazza San Marco deve ser celebrado de maneira igualmente revolucionária, com som imersivo, IA e LEDs de última geração. Revolução e beleza devem ser celebradas com mais revolução e mais beleza. Sinto-me privilegiado por poder celebrar a relação entre Veneza e o Romantismo com ferramentas tecnológicas que glorificam todo o encanto que a Piazza San Marco, como poucos lugares no mundo, pode oferecer. Acredito que existe uma maneira de mostrar o quanto podemos ser românticos usando as tecnologias mais recentes.”
Música clássica
“Não tocarei trechos de ‘As Quatro Estações’. Acho que esse concerto é um tributo às origens radicais da música italiana, da qual Vivaldi é um elemento essencial. Sei de uma coisa: se Vivaldi estivesse vivo hoje, ele faria parte do Metallica.
Um concerto de música eletrônica como o meu se encaixa muito mais em Veneza do que muitos imaginam. Devemos lembrar que a música eletrônica nasceu na Europa e tem pouca ou nenhuma relação com o blues, o rock e o jazz norte-americanos. Podemos até dizer que Veneza teve um papel no nascimento da música eletrônica, com Luigi Russolo sendo um dos signatários do manifesto da ‘Arte dos Ruídos’ de 1930, precursor da música eletrônica. Espero que meu concerto possa ser um tributo ao papel central que a música italiana teve no desenvolvimento do som eletrônico.”
Inteligência Artificial e direitos autorais
“Não devemos ter medo da inovação. No momento, tudo relacionado à Inteligência Artificial está sem regulamentação, e é por isso que é fácil desconfiar e temê-la. Precisamos de regras claras que definam o que podemos ou não fazer com uma ferramenta tão poderosa. Também devemos combater a ideia de que ter regras significa limitar nossa liberdade: sabemos como as regras são importantes, tanto nesse contexto quanto em outros.
Sei que a tecnologia, em si, é neutra – assim como a Inteligência Artificial. Ela é como uma caneta ou um pincel: tudo depende de quem a segura nas mãos.
Não resolveremos a questão dos direitos autorais da mesma forma que tratamos a propriedade intelectual na música e na literatura no passado. O melhor caminho é sentar à mesa e chegar a acordos que levem em consideração a importância da experiência humana na lógica da Inteligência Artificial. Debater os direitos autorais e a propriedade intelectual do jeito que são hoje não serve para nada.”
Fonte: Venezia News
É uma lenda da música eletrônica que estará em concerto no dia 1º de julho, na Place des Palais. Jean-Michel Jarre não se apresentava ao ar livre na Bélgica desde seu espetáculo no Atomium, em 1993. É um sucesso mundial que atravessa o tempo, um compositor célebre por várias gerações e uma capa de álbum que se tornou icônica. No entanto, em 1976, quando Jean-Michel Jarre, cercado por seus sintetizadores analógicos, criou “Oxygene” em seu estúdio caseiro, ninguém acreditava no projeto. “Foi rejeitado por quase todas as gravadoras, que se perguntavam o que era aquela música sem baterista, sem cantor… elas achavam que nunca daria certo”, conta.
Com 18 milhões de álbuns vendidos, Jean-Michel Jarre se tornou uma figura emblemática da música eletrônica, mas também construiu sua reputação no palco, com eventos espetaculares ao ar livre. “Por definição, ao ar livre, o controle da acústica é muito diferente. Sempre compus de forma muito visual. Para mim, o aspecto visual é uma extensão da música que quero tocar no palco”, explica.
Em 1981, ele foi o primeiro artista ocidental a se apresentar na República Popular da China, algo natural para o artista que se declara “anti-boicote”. “Sou contra essa dupla punição imposta a públicos que não têm as mesmas liberdades que nós”, afirma.
Jean-Michel Jarre sonha em construir pontes entre diferentes culturas e espera um dia se apresentar no Irã ou na Coreia do Norte para valorizar a linguagem universal da música. “Acho que um dia será preciso ir tocar lá e se aproximar do público. Não ter medo de ser instrumentalizado, mas sim conseguir transmitir mensagens e pedaços de cultura”, diz.
Por enquanto, Jean-Michel Jarre está em Bruxelas. Ele promete um espetáculo retro-futurista, com uma cenografia monumental onde o surrealismo belga terá destaque, assim como a Inteligência Artificial, que ele vê como uma parceira de criação, não como uma ameaça. “A IA é um pincel, uma ferramenta, não devemos temê-la. Quanto mais rápido a abraçarmos, mais rápido a exploraremos”, afirma.
Aos 76 anos, Jean-Michel Jarre continua explorando novos territórios sonoros e visuais. O pioneiro da música eletrônica segue, sem dúvida, sendo um artista de vanguarda.
Fonte: RTL info
Aos 76 anos, com um entusiasmo meio sintético e meio romântico, o profeta da música eletrônica faz um concerto no Anfiteatro de Pompeia, como o Pink Floyd em 1971.
“Somos animais analógicos na era digital. Não deveríamos ter medo de nenhum tipo de inovação. A IA é apenas uma ferramenta. Assim como a eletricidade pode ser perigosa, mas não foi negativa para a evolução da humanidade. O futuro nos parece pior porque sabemos que não faremos parte dele.“
Aos 76 anos, Jean-Michel Jarre mantém o espírito de um garoto — com a idade vibrando em fibras eletrônicas e digitais. Um entusiasmo meio sintético, meio romântico (ou ambos) o impulsiona a ousar ainda mais: depois da Piazza San Marco em Veneza, vem Pompeia. Uma espécie de exorcismo contra a hybris do Pink Floyd. Toma essa.
Qual foi o momento em que você entrou no mundo digital ou eletrônico? Quando começou a se envolver com isso?
“Na adolescência, eu tocava em bandas de rock e meu avô era um sujeito maluco. Era músico e também inventor. Ele criou um dos primeiros mixers para estações de rádio e até o ancestral do iPod, além de um toca-discos antigo com baterias integradas. Ele morava em Lyon. E eu também nasci lá. Quando eu tinha 12 anos, ele me deu um gravador de fita cassete de segunda mão. Fiquei obcecado por aquilo e passava o dia inteiro gravando. Um dia, toquei a fita de trás pra frente. Achei que alienígenas estavam falando comigo. E foi aí que tudo começou.”
De certa forma, você deu continuidade à tradição de inventor.
“Sempre achei que a tecnologia fosse como o trabalho de um detetive. Foi graças à invenção da eletricidade que tivemos Chuck Berry, David Gilmour, ou que criamos componentes eletrônicos que permitem a mim e a outros fazermos a música que fazemos. Comecei ainda adolescente, quando vendi minha guitarra e meu amplificador para ir a Londres. Depois fui para o Music Research Centre, onde nasceu a música eletrônica. Não percebemos que a música eletrônica não tem nada a ver com jazz, blues ou rock, nada a ver com os Estados Unidos. É essencialmente um movimento europeu. Entre Paris, Milão, Munique e Stuttgart. A ideia era considerar a música, pela primeira vez, não apenas como notas baseadas no solfejo, mas baseada em sons. Essa direção revolucionou a maneira como fazemos música hoje. Todo mundo está se tornando designer de som, além de músico, integrando o som da chuva, do vento ou de uma máquina de lavar.”
Você tinha consciência de que o termo “eletrônico” estava se tornando algo não exatamente definido? Como acontecia, por exemplo, na IBM ou na Olivetti, falando da Itália.
“Essa é a verdadeira revolução do século XX, que mudou nossa sociedade. E com as novas ferramentas da era digital, nós, artistas, tivemos que afirmar que somos animais analógicos na era digital. É por isso que não deveríamos ter medo de nenhum tipo de inovação, como a Inteligência Artificial atualmente. Quero dizer, a IA é só mais uma ferramenta. É como a eletricidade – pode ser perigosa. A descoberta do fogo é perigosa, mas não foi negativa para a evolução da humanidade, assim como a eletricidade, a fissão atômica e a Inteligência Artificial.”
Qual é a sua formação?
“Estudei música clássica no Conservatório de Paris e depois me rebelei para entrar em bandas de rock. A rebelião me levou ao rock.”
Então, nada de piano?
“Muito pelo contrário, com Pierre Boulez. Eles eram meus professores, eram incríveis. Loucos, loucos. Todos pensavam nas possibilidades da humanidade, no que estava acontecendo e também no som das máquinas – mas a máquina, de certo modo, pensava, dançava, ou simplesmente interagia conosco.
Esse é um ponto muito interessante, porque na época tínhamos uma visão positiva e ingênua do futuro. Achávamos que depois do ano 2000 os carros voariam e os sistemas sociais e educacionais seriam visionários.”
Nos anos 1970 já tínhamos uma ideia retrô do futuro herdada dos anos 1950. E depois?
“Claro, impressionante. É bastante curioso ver que até hoje os símbolos do futuro são heróis muito antigos. Batman, Superman, Homem-Aranha – todos têm 100 anos. Nossa geração levou muito tempo para recriar uma visão de futuro. E é exatamente disso que trata a inteligência artificial, a realidade virtual e tudo o mais. Finalmente, depois de talvez 50 ou 60 anos, estamos entrando em uma nova era – e acho que em uma nova vida, jovem.”
Você se sente assim?
“Sim, depois de uma longa jornada. Um pouco de Oxygene deveria ter vindo no meio do caminho. Faz cinquenta anos que aquele álbum foi lançado. Mas nós, na verdade, sempre estivemos interessados em criar uma ligação entre experimentação e melodia. Como latinos, sempre consideramos isso o centro da música.”
O que significava Oxygene?
“Era como um canto contra a corrosão, de certo modo, do sistema dos seres vivos presentes na Terra.”
Ou era apenas um truque?
“Era – ou melhor, é – interessante, porque quando falávamos de ecologia e meio ambiente, éramos poucos. Nos considerávamos uma espécie de neo-hippies. E era isso mesmo. Mas, na verdade, se você olhar para a capa de Oxygène, ela é mais punk do que hippie. O crânio. Lembro que minha mãe me dizia: ‘Por que você dá à sua música o nome de um gás e coloca um crânio na capa? Isso não vai dar certo’.”
Não é uma má observação.
“De forma alguma. Sempre considerei meu trabalho como algo a ser feito fora dos padrões. Não é arrogância, é um fato.
Quando Oxygene foi lançado, estávamos no auge da era punk e da disco.”
É isso que você queria dizer? Referindo-se a um contexto mais amplo?
“Exatamente. Pegue Oxygene Part V: Giorgio Moroder me disse que foi uma grande fonte de inspiração para ele. Nós, artistas, somos todos ladrões – roubamos tudo o que ouvimos, tudo o que lemos, tudo o que vemos. O copyright é uma loucura.”
De certa forma, essa era dos prompts, tão difícil de proteger com direitos autorais, é muito parecida com seu trabalho?
É muito engraçado o que você diz. Quando estive na China, conheci um cara que trabalhava com direitos autorais e ele me disse: ‘No Ocidente vocês falaram para nós sobre copyright. Mas deveriam ter dito para copiarmos mal’.”
Desculpe a pergunta incômoda: na carreira de um artista, assim como na de um arquiteto, designer ou escritor, existe algo parecido com um pântano entre os 40 e os 70 anos – uma grande lagoa na qual se precisa nadar? É verdade que só os mais fortes sobrevivem nesse pântano, mas é muito mais fácil se sentir fraco, sem energia?
“O que eu diria aos jovens artistas é: tentem entender o mais cedo possível que o sucesso, os fracassos, os acidentes – tudo isso é como uma onda senoidal. A vida de um artista, a vida de um ser humano, está no meio disso.”
E o que você fez?
“Simplesmente aprendi. Me joguei com tudo nos anos 1980 e 1990, fazendo muitos concertos, porque era uma época insana, em que todos ficamos obcecados pela hipertrofia das performances. Fiz shows para dois ou três milhões de pessoas. Ainda sou o detentor do recorde mundial de maior público em concertos.”
Piazza San Marco em Veneza e Pompeia depois do Pink Floyd. Ambos os concertos são considerados escandalosos do ponto de vista ambiental.
“É por isso que é o meu sonho se tornando realidade. Eu ia tocar em Veneza um ano depois do Pink Floyd. Eles desmontaram tudo de repente. Disseram: a Itália é um museu, não se toca. Mas é verdade. É exatamente isso.”
E Pompeia?
“Aqueles que construíram Pompeia eram gênios. Eram visionários, pessoas extraordinárias. Trabalharam com especialistas, tinham conhecimento de acústica e som, se conseguiram fazer com que, sem microfone, do centro de um espaço, todos pudessem ouvir. Hoje não sabem mais como fazer isso.”
Você é distópico, ou o quê?
“Acho que existe essa ideia maluca de que ontem era melhor e amanhã será pior. Existe essa noção, esse conceito aparentemente necessário, segundo o qual o futuro será como em ‘O Exterminador do Futuro’. Mas isso só acontece porque sabemos que não faremos parte dele, ele pertencerá a outra pessoa. Paciência. Haverá outras coisas.”
Fonte: Domani
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