RADIO 89.3 KBCC (EUA) 10/02/2017
Jarre cercado de synths vintages nos anos 70.
SOBRE DESCOBRIR A MÚSICA ELETRÔNICA:
JMJ: Eu realmente descobri a música eletrônica enquanto eu estava bastante envolvido com bandas de rock na França. Foi nos dias em que tivemos as revoluções estudantis em toda a Europa – em todo o mundo. A música eletrônica para mim era uma maneira ideal de ser um rebelde contra o estabelecimento da música clássica, e até mesmo o estabelecimento do rock – música aproximando não só com base em notas, mas na verdade fazendo música com sons e ruídos. Gravando o som do vento, da chuva, do carro na rua. Era totalmente revolucionário naqueles dias. Hoje, todo mundo está fazendo isso. A música eletrônica está em toda parte. Eu sempre fui convencido que seria uma maneira geral de se aproximar da composição da música, da produção da música e da distribuição uniforme da música.
SOBRE OBTER SEU PRIMEIRO SINTETIZADOR:
JMJ: Eu vendi minha guitarra elétrica e amplificador para conseguir um sintetizador. Foi a verdadeira rebelião contra o rock. O primeiro sintetizador que eu consegui foi um britânico chamado EMS VCS 3 – “The Putney”. É um sintetizador monofônico lendário e antigo. Eu ainda estou usando. Eu tenho um relacionamento fetichista com ele. Em cada um dos meus álbuns, incluindo meu recente álbum “Electronica”, eu uso. Foi um dos meus melhores investimentos de todos os tempos!
SOBRE A RETÓRICA QUE A MÚSICA ELETRÔNICA SERIA SEM EMOÇÃO:
JMJ: Muitas pessoas consideram a música eletrônica abstrata e fria. Eu diria que é exatamente o contrário. Não há nada mais orgânico, algo semelhante ao cozinhar – batidas de cozinha, loops, frequências, formas de onda em uma forma muito sensual.
SOBRE O NASCIMENTO DAS IDÉIAS MUSICAIS EM “ELECTRONICA”
JMJ: Poderia começar de um som ou de suas experiências nos dias anteriores. Todos os elementos aleatórios darão origem a uma ideia interessante ou chata. Você não sabe. Por exemplo, eu viajei muito para este projeto. Eu estava em um momento em um hotel em Los Angeles no Chateau Marmont. Você tem esses sprinklers (regadores automáticos de água) no jardim, todos os dias ao mesmo tempo, por volta das 6:30. Cada vez que eu estava trabalhando nesta faixa, eu estava ouvindo essa batida. Eu amei e eu disse, O que é isso? Eu estava procurando as hastes em minhas trilhas e então eu realizei que era [os sprinklers]. Saí e gravei o som e isto se tornou parte integrante da seção rítmica.
SOBRE O FUTURO DA ELETRÔNICA E DA TECNOLOGIA:
JMJ: Acho que vejo isso em nosso tempo, o início real de uma era totalmente nova e um relacionamento totalmente novo com a tecnologia. Eu fiz “Electronica 1” e “2” colaborando com artistas, mas talvez em um futuro próximo, eu vá fazer “Electronica 3” colaborando com máquinas, porque a inteligência artificial ira mudar muito a nossa sociedade. Como com a geração após a geração, nós podemos somente sonhar ou ter pesadelos a respeito do futuro. Mas não devemos ficar com medo porque, até agora, os seres humanos sempre conseguiram domesticar a tecnologia e domesticar o futuro. Temos de ser otimistas por subversão.
EUROPE 1 (FRANÇA) 11-12-2016
EUROPE 1 DEU UMA FORÇA NO LAÇAMENTO DE OXYGENE
JMJ: “Tudo começou na Europa 1. Eu morava do outro lado da rua François e houve a estreia do álbum na rádio. Eu estava tentando mixar e passei os cabos através da janela para retransmitir.”
Fonte: http://www.europe1.fr/culture/jean-michel-jarre-il-y-a-des-machines-qui-valent-certains-etres-humains-2924297
SAN FRANCISCO BAY AREA CONCERTS (EUA) 13/02/2016
P: Parece que no mundo de hoje, a maioria das pessoas ouve música em um modo aleatório constante. No futuro, você imagina a criação de um mix contínuo global de Oxygene 1, 2 e 3?
JMJ: Bem, é muito estranho porque eu acho que nos últimos 10 anos todos nós temos uma tendência a estar em um modo de shuffle (aleatório) constante para a música, para efeitos visuais, tudo no YouTube. E eu acho que agora parece que a sociedade parece, não é necessariamente alimentada até isso, mas tentando encontrar uma nova abordagem ao conteúdo cultural, muitas pessoas estão prontas para passar o fim de semana com sua namorada ou namorado para assistir 3 temporadas de “House of Cards” ou “Game of Thrones” sem dificilmente dormir. Isso mostra que, de certa forma, podemos estar no modo zapping no YouTube e, do outro lado, podemos ficar muito tempo para desfrutar algo em uma base mais longa. E esta é a ideia com Oxygene e Oxygene 3 especificamente, onde para mim, uma faixa é de 40 minutos. E, obviamente, você pode optar por ouvir uma faixa ou outra, porque tem partes diferentes, mas na verdade, Oxygene 3 deve ser uma faixa de 40 minutos de duração. Quando eu fiz a primeira, foi durante os dias de vinil, e eu estava obviamente, pensando conscientemente sobre questões de tempo com lado 1 e lado 2 com 20 minutos de cada lado. Mas eu diria que Oxygene 3 também tem dois lados. Quase inconscientemente, eu tinha dois lados em mente. Um lado um pouco mais escuro, e o outro lado mais brilhante e melódico.
Houston – EUA – 1986
P: Você foi responsável pelos shows mais espetaculares já realizados sendo alguns deles na frente de milhões de pessoas. O que tem a ver com sua música, que permite que ela seja realizada em locais como o skyline de Houston ou a Place de la Concorde, e depois em salas de concertos mais íntimos, como o Teatro Grego (San Francisco), sem perder o poder?
JMJ: Você sabe, de certa forma eu estava convencido de que a música eletrônica era feita também para ser executada ao longo de apresentações visuais, estenografia visual, e então eu me mantive na primeira no início para incluir partes visuais em minhas performances. Sempre foi convencido de que ficar 2 horas atrás do seu laptop ou seu sintetizador não é a coisa mais sexy da vida e que é mais emocionante se as pessoas estão comprando um bilhete para vir a um de seus shows, eles têm uma expectativa visual do artista. Para qualquer tipo de artista musical, ao contrário de ouvir sua música em todos os lugares, com seus fones de ouvido na rua, no carro, em casa, em qualquer lugar, se você vai a um concerto, é porque você tem uma expectativa visual em relação ao artista que você gosta .
Eu gosto da situação ao ar livre onde você pode ter one-off, e integrar a arquitetura ou diferentes elementos ao ar livre na música. Mas na verdade eu percebi depois de um tempo, a experiência e a química entre o público e o palco, não é mais hoje ligado ao fato de que é dentro de casa ou ao ar livre como era quando eu comecei. Quando eu comecei, você não tinha arenas indoor realmente boas para música eletrônica ou para a música. Muitas arenas quando eu comecei eram apenas um tipo de arenas para omnisport, como dizemos na França. Você pode ter beisebol, handebol, ou hóquei, e no dia seguinte, você terá uma reunião com um partido político, e na quarta-feira, você terá uma feira para uma empresa de automóveis, e no dia seguinte você está tocando neste local. Agora hoje, você tem arenas muito boas com acústica muito boa. Mudou muito.
Esta turnê que estou fazendo no momento é algo muito muito especial. Eu tive na minha mente por muito tempo para tentar expressar o que eu gosto de fazer na minha música, criando arquitetura de som e criando perspectivas e tendo um tipo de profundidade e diferentes camadas. É para isso que eu projetei. Na verdade, passei muito tempo planejando e imaginando os visuais do meu concerto. Desta vez eu realmente estou fazendo algo muito novo e algo muito especial, e eu não tinha ideia se isto iria funcionar. Na verdade, fomos todos surpreendidos durante o ensaio sobre este tipo de efeitos 3D sem óculos que são criados por essas diferentes camadas de telas. Eu acho que funcionou muito bem como um correspondente visual e uma ponte digital sobre a música que estamos tocando no palco. É um show muito dinâmico e na verdade, às vezes você pode ir assistir no YouTube e você vê alguns shows e você pode entender mais ou menos o que está acontecendo. Neste caso particular, você tem que ir vivenciá-lo ao vivo, porque senão você simplesmente não entendeu em apenas uma tela plana 2D, não dá-lhe justiça à imersão total e impressão que você tem quando você está mostrando o Show ao vivo.
Greek Theatre -Berkeley – arena outdoor em San Francisco
P: Onde você acha que começou o interesse pelo aspecto visual da música? Até que ponto os aspecto visuais tornaram-se um tão importante da sua música?
JMJ: Sabe, acho engraçado, sou um cara anti-MTV. Quero dizer, os vídeos que contam uma história ao lado de sua música, onde até o final do dia, às vezes a música está se tornando a trilha sonora de um curta-metragem. Eu não estou particularmente animado com isso. Eu sempre, e é parcialmente verdadeiro para este projeto atual que eu irei tocar em Berkeley, é o fato de que para mim, o aspecto gráfico e as formas e o conteúdo não está lá para contar uma história, mas mais, quase a orquestração da música. E eu gosto de ver esse tipo de show, criando o tipo de trilha sonora ou faixa visual da história ou o filme que alguém pode criar em sua própria mente. Eu vejo esses shows como algo realmente interativos com o público. Quando você está assistindo a um filme, você está sentado de forma passiva, apenas observando e acompanhando a história. A mesma coisa com um videoclipe. O que eu espero é criar para o público para eles, por causa da música obviamente, mas também o visual onde a música que irá criar, na mente do público, algo que lhes permitirá criar sua própria história, seu próprio filme.
P: Você trabalhou com Laurie Anderson no Zoolook uma de suas primeiras colaborações, e agora com “Rely on Me” no projeto “Electronica”. Como sua abordagem diferiu entre as duas colaborações?
JMJ: Com Laurie, eu sou um grande fã de dela. Como um ser humano, como um artista, ela é para mim, uma das artistas mais influentes da cena de Nova York, mesmo além da música. Como artista visual e performer ela é simplesmente incrível. É sempre um grande prazer trabalhar com ela. E nesse caso, um dos principais tópicos ou idéias atrás do conceito de Electronica é o conceito da relação ambígua que temos com a tecnologia. Nós fomos com esta ideia com Laurie fazendo uma canção, onde poderia ser uma estranha canção de amor entre um objeto conectado e um ser humano. É sempre um grande prazer trabalhar com ela. E nesse caso, um dos principais tópicos ou idéias do conceito de Electronica é o conceito da relação ambígua que temos com a tecnologia. Nós fomos com esta ideia com Laurie fazendo uma canção, onde poderia ser uma estranha canção de amor entre um objeto conectado e um ser humano. E onde ela iria tocar o objeto conectado. Isso foi antes do filme “Ela”, e eu pensei que isso era muito perto disso. Mas foi bem diferente, porque no filme, é o software. E na música, é mais o objeto em si … quando ela diz “toque-me e explore o meu software”, é mais o objeto e a ideia de que as pessoas estão gastando mais tempo tocando seu smartphone em vez de seu parceiro. Tudo começou com essa ideia.
P: Você prevê um Electronica 3 no futuro?
JMJ: Você sabe? Não necessariamente. Um grande amigo meu diz-me que eu inventei o novo conceito do álbum sem fim. Não tenho planos para isso. Para mim, tem sido uma jornada realmente interessante e eu aprendi tanto compartilhando esse processo criativo com muitas pessoas. Então, no futuro, eu gostaria de colaborar com as pessoas, não necessariamente para Electronica 3, mas talvez? Talvez, por que não? Mas agora não. Acabei de lançar 3 álbuns nos últimos 14 meses, está tudo bem. E também agora tenho algumas pessoas que me pediram para colaborar no seu álbum, como é o caso de Damon Albarn de Gorillaz, Damon veio com a sua equipe de produção para o meu estúdio em Paris e passamos dois ou três dias juntos e vamos ver o que está acontecendo com esse álbum. Então este é um exemplo de uma colaboração.
P: Você começa a satisfação, em que 40 anos após Oxygene, você lançou 3 álbuns em rápida sucessão que receberam críticas brilhantes? Isso lhe dá satisfação que você ainda está liderando a inovação dentro da música eletrônica?
JMJ: É uma questão interessante, porque como artista, como muitos outros artistas, não fazemos música para fama, reconhecimento, dinheiro ou qualquer outra coisa, fazemos música porque não podemos fazer mais nada. E eu sempre fui convencido que um destes dias que a música eletrônica estará em toda parte e eu não terei pilhas em nenhum lugar. E devo dizer, que me sinto como um indivíduo e como um músico muito mais em fase com o meu tempo de hoje do que há 20 anos.
Concepção artística do concerto Zero Gravity no Mar Morto
P: Você pode nos contar um pouco sobre o próximo show de Zero Gravity em Massada no Mar Morto?
JMJ: Massada é um projeto muito interessante emocionante e está ligado ao meu trabalho e atividade como embaixador da ONU na Unesco para o meio-ambiente. Eu fui lá há um ano e meio atrás, e fiquei muito chocado com o estado do Mar Morto. Você sabe que o Mar Morto é um dos ecossistemas do planeta como as florestas tropicais ou o pólo norte? E você sabe que o Mar Morto está perdendo 1,2 metros por ano. E daqui a 12 anos, entre a fronteira do Jordão e Israel, você poderá caminhar. Não haverá mais água lá. E eu pensei, poderia ser bom fazer um show por lá para melhorar a consciência disso. Este é um lado, e a outra coisa é o lugar, é como estar na lua. A área de Massada é de 900 metros abaixo do nível do mar e ironicamente, é um lugar que tem mais oxigênio. Você tem 10% mais oxigênio do que qualquer outro lugar.
P: E sobre o concerto no Teatro Grego em Berckley ?
JMJ: Estou realmente ansioso para esta turnê norte-americana! Cada noite será um one-off, onde eu tentarei criar algo específico para cada noite, obviamente, incluindo o Teatro Grego, que é absolutamente um lugar fantástico.
Fonte: http://www.sfbayareaconcerts.com/2017/02/an-interview-with-jean-michel-jarre.html
THE NATIONAL – EMIRADOS ÁRABES UNIDOS (12/02/2017)
Sobre a turnê na América do Norte em maio:
JMJ: “Tocar na frente de 200 pessoas ou 200.000 pessoas, é mais ou menos a mesma coisa. É a química entre duas entidades, a ligação entre o público e o palco – e essa química funciona ou não é muito misteriosa, muito estranha, não depende do número de pessoas”.
Jarre virá para os Emirados Árabes ?
JMJ: “Seria o próximo passo depois dos EUA. Eu realmente gostaria de ser capaz de encenar algo realmente espetacular e especial nos Emirados”.
PSN EUROPE (REINO UNIDO) 02/03/2017
Jean Michel Jarre foi um dos primeiros artistas franceses a ter seu próprio estúdio particular:
JMJ: Quando eu comecei na música eletrônica, eu provavelmente tinha o primeiro home studio em meu país. Naqueles dias, os estúdios profissionais tinham a divisão de vidro e o engenheiro de som sendo Deus do outro lado da janela. Mas para música eletrônica, você precisa ser seu próprio engenheiro de som.
Jarre se tornou referência mundial em música eletrônica e passou a tocar em diferentes lugares como Torre Eiffel ou Piramides do Egito:
JMJ: A partir daqueles dias, meu estúdio caseiro tornou-se cada vez maior, só porque eu tinha mais e mais instrumentos.
E no momento Jarre diz que está satisfeito com seu estúdio:
JMJ: Agora eu tenho uma facilidade bastante grande perto de Paris, onde eu tenho salas de produção e uma sala de mixagem com muitos teclados e sintetizadores.
Jarre emprega o melhor dos mundos analógico e digital.
JMJ: Tenho equipamento analógico, do Studer 24-track para um Studer 2-track e um Sony digital. Eu tenho um console SSL AWS de 48 entradas. É um desk muito flexível para gravação, com um som muito bom.
Quando estava gravando o Projeto Electronica e o Oxygene 3, Jarre trocou sua plataforma do estúdio.
JMJ: Eu costumava ser um cara Pro Tools por um longo tempo, mas … Eu realmente me apaixonei por Ableton Live”, relata. Tornou-se o meu DAW principal. Eu fiz alguns testes, saltando para baixo as hastes Pro Tools e Live 9. O salto em Ableton 9 foi, para mim, melhor e mais transparente. A qualidade é fantástica e é tão flexível.
Jarre diz que gostou de trabalhar com Hans Zimmer
JMJ: Com Hans Zimmer, acabamos criando mais de 100 faixas. Eu nunca poderia ter feito isso com um Pro Tools a menos que eu estivesse preso no meu estúdio com o rack e tudo.
Jarre confessa que gravou seus novos projetos em 48kHz / 24 bits.
JMJ: O que é importante vai de 16 a 24 bits; Essa é a grande diferença, ao invés da diferença entre 48k e 96k. Basta ter muito cuidado com a forma como você gravar e mixa seus níveis. O processo de masterização levou seis semanas. Eu fiz a masterização no meu estúdio a partir da sessão, não do salto. Ao masterizar a estéreo de volta para a máquina a partir do Live Session, eu salvei uma geração.
A experiência foi uma mudança de jogo para Jarre:
JMJ: Eu não vou voltar a dominar uma mixagem estéreo. Se você tem muito baixo, por exemplo, ao dominar a mixagem final, você está afetando as baixas frequências de toda a mixagem, na maioria das vezes, o problema vem de uma trilha. Além disso, eu nunca poderia pensar em enviar o meu mix para um engenheiro de masterização que está masterizando por conta própria. Meu engenheiro de masterização faz parte da minha equipe.
O processo foi longo e deliberativo porque você pode mudar tantas coisas através do domínio. Eu estava entrando na máquina e dizendo, ‘wow’, a mixagem é diferente. Então eu finalizei minhas mixagens através do processo de masterização para ter certeza de que o que eu estava indo obter era exatamente o que eu queria ouvir. A masterização faz parte do processo de mixagem.
2017 marcará a primeira turnê na América do Norte:
JMJ: É um projeto bastante ambicioso, com três de nós no palco e 50, cerca de 60 instrumentos. Temos 256 outputs. É muito desafiador para o engenheiro da frente de casa. Visualmente, eu inventei um projeto de palco baseado em 3D, mas sem óculos. Já fizemos 50 concertos de arena na Europa e foi fantástica e bem recebida.
Fonte: http://www.psneurope.com/jean-michel-jarre-on-personal-studios-and-electronic-music/
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