OXYGENE 3 – ENTREVISTAS – PARTE III

PIRELLI.COM – (E.U.A.) – 15/12/2016

“A história da música eletrônica começou com a invenção do microfone e da fita magnética e chegou à inteligência artificial em menos de cem anos. Estamos falando de uma enorme série de evoluções que moldaram e mudaram o rosto da música para sempre. O tipo de música eletrônica que eu represento remonta aos tempos do futurista Luigi Russolo, que escreveu seu manifesto “L’arte dei rumori” já em 1913. O compositor francês Pierre Schaeffer proclamou então a idéia de Musique Concrète durante os anos 40 em Paris. E por último mas não menos importante, Karlheinz Stockhausen começou a compor no Studio für Elektronische Musik em Colonia durante os anos cinquenta.”

“Essas pessoas lançaram as bases para tudo o que tenho feito desde então. Ao inventar o conceito de Musique Concrète, Schaeffer criou a teoria da música eletrônica e deve ser eternamente elogiado por isso. Foi ele quem definiu o passo evolutivo mais importante da música no século XX ao dizer que pode haver música além da notação e partituras. Ele basicamente introduziu a ideia de que os sons concretos também devem ser considerados música. A música é o som. Essa era a mensagem dele. E como todos sabemos, este conceito mudou a forma da música fundamentalmente. Cada músico eletrônico, cada compositor e DJ é um designer de som hoje em dia e, portanto, um descendente de Pierre Schaeffer.”

” Naturalmente, o desenvolvimento da tecnologia eventualmente ajudou a alcançar essa visão. Mas naquela época a ideia de um músico que, como um artista pintando cores na tela, pode inventar sua própria música, ainda estava no reino da fantasia. Proclamar sons como música era uma revolução em si mesmo. Depois disso, a revolução digital, o computador e o código binário, não só mudaram e aceleraram a nossa vida diária, mas também o mundo da música e da composição imensamente.”

“Eu vejo e experimento novos instrumentos e novas tecnologias, novos plug-ins e novos softwares sempre que são introduzidos no mercado – e mais frequentemente do que não posso usá-lo mesmo antes. A coisa bonita sobre esta evolução contínua é que os instrumentos “velhos” que eu usei quando eu comecei há mais de quarenta anos não se tornaram obsoletos enquanto isso. Eles ainda têm suas próprias qualidades de som específicas. Isso vale para os sintetizadores EMS, como é válido para o violino Stradivarius. Ninguém ainda construiu um violino melhor. Diferente, sim, mas melhor?”

” Nesse sentido, o pioneiro Peter Zinovieff vem à mente. Ele inventou o sintetizador VCS 3 em 1969 – um verdadeiro avanço. Pessoas como ele abriram as portas para novos conceitos de composição. O mesmo poderia ser dito sobre o Roland TB-303 inventado pelo engenheiro japonês Tadao Kikumoto. O todo movimento do Acid House foi construído sobre os sons que você poderia espremer fora desta pequena Caixa de Pandora. Todos esses inventores – e também temos que nomear Robert Moog neste contexto como o padrinho do sintetizador – estavam ativos nos anos dourados do século XX, de 1950 a 1970. Eles eram os verdadeiros inventores de instrumentos eletrônicos porque antes deles não havia nada, exceto para o órgão da Igreja que muitos consideram o primeiro precursor de uma máquina de produção de som. Antes disso você tinha pedaços de madeira com cordas montadas neles ou tambores cobertos com peles que você poderia bater. “

” E esta é a coisa bonita sobre a evolução tecnológica em curso: nada substitui nada; Tudo acrescenta novos aspectos à tecnologia existente. No palco ainda estou usando o sintetizador Moog – um dos primeiros sintetizadores já construídos. Mas eu o uso em conexão com dispositivos top-notch contemporâneos. Eu uso computadores avançados para controlar minhas máquinas e eu mesmo ainda projeto uma interface que ainda pertence ao futuro, juntamente com as pessoas da minha equipe. Assim, o próximo passo na evolução da música será, obviamente, a inteligência artificial. Eu compus e gravei meus dois últimos álbuns, Electronica I e Electronica II, com um amplo elenco de colaboradores – do Robert Del Naja do Massive Attack e Edgar Froese do Tangerine Dream a Jeff Mills, um dos inventores do techno de Detroit. Mas quem sabe? Talvez meu próximo colaborador seja uma máquina ou um algoritmo? Já sabemos que nos próximos vinte anos os computadores serão mais poderosos do que o cérebro humano. Espero experimentar isso enquanto ainda estiver vivo. “

” Porque temos duas opções de como visualizar esse processo: podemos considerá-lo uma tragédia e entender nossa era atual como uma era pré-Terminator que levará a sociedades dirigidas por máquinas e não mais por seres humanos. Ou também podemos vê-lo como uma bênção e ter fé na raça humana, que no passado sempre foi flexível o suficiente para lidar com a tecnologia, crescendo e evoluindo com ele. Eu, pessoalmente, não posso esperar para colaborar com mais e mais instrumentos digitais inteligentes. “

” Dito isto, todo trabalho relevante de música que foi lançada nos últimos quarenta, cinquenta anos tem sido importante porque superou a pura tecnologia. Em outras palavras: cada plug-in, instrumento ou computador é apenas uma ferramenta. Se você quiser criar um pedaço de música que vai durar você tem que encontrar uma maneira de definir o seu próprio idioma musical único. É como descobrir sua própria impressão digital musical. Os formatos têm sido o resultado de tais esforços individuais. Por causa do piano temos o concerto. Por causa de Elvis Presley temos o formato do single de três minutos e o jukebox. E porque Native Instruments inventou o plug-in “Massive” temos o dubstep como um estilo. Quer você goste ou não, a tecnologia sempre veio em primeiro lugar. Em seguida, os músicos chegaram e experimentaram com os instrumentos e mais frequentemente do que não os resultados mais pungente veio de usar esses instrumentos contra o grão ou, pelo menos, contra a idéia original do seu criador de como eles devem ser usados. “

” Deixe-me dar-lhe um exemplo muito específico da minha própria experiência de trabalho quando aconteceu o contrário. Por décadas agora, eu tive essa visão muito clara de como certas coisas têm de ser para que eu possa usá-las e incorporá-las em meus conceitos. Ao longo dos anos, eu sempre compus ambientes sonoros complexos – camadas e camadas de música que se desdobram tridimensionalmente como sons. Eu sempre quis traduzir isso em cinematografia 3D e design de palco tridimensional virtual para os meus concertos. Mas a tecnologia 3D, como sabemos, não é capaz de permitir esta experiência ainda. Então, estou trabalhando em conjunto com pessoas que estão realmente tentando criar mundos virtuais tridimensionais que não o obrigam a usar óculos 3D. Estou falando de uma experiência visual total aqui e todos sabemos que é apenas uma questão de tempo até que ele estará no mercado. Eu sei do que estou falando. Eu usei projeções 3D no passado. Mas para mim essas projeções eram meramente truques, comparáveis aos primeiros passos do filme sobre celulóide, quando os irmãos Lumière exibiram seus primeiros curtas-metragens nas arenas de circo. “

” Outra coisa que me interessa é a flexibilidade. Atualmente estou viajando pela Europa apresentando meus dois álbuns Electronica, bem como a terceira parte da minha série Oxygène. Eu realmente gosto de estar em turnê. Estive em passeios no passado e eu dei alguns shows espetaculares em locais específicos. Mas só agora, bem no século XXI, eu sou capaz de mudar espontaneamente elementos visuais ou de áudio do meu show se eu quiser, porque a tecnologia finalmente alcançou minhas necessidades como um músico espontâneo. Esta é a primeira turnê onde eu posso relaxar e me divertir no palco porque eu posso confiar em tecnologia elaborada e sofisticada que me permite ser um ser humano. E é por isso que minha turnê atual é tão gratificante e inspiradora para mim: posso reagir às minhas idéias e sentimentos sem ter que me preocupar se as coisas são ou não factíveis. Pode soar estranho, mas graças à tecnologia não sou mais um escravo da tecnologia. “

Fonte: http://culture.pirelli.com/global/en-ww/jean-michel-jarre-innovation-in-music

 

GREEN ROOM – FRANÇA  – 29/12/2016

P: Oxygene foi incrivelmente inovador para a época …

JMJ: O álbum veio para preencher a experimentação eletrônica e uma certa concepção de melodia francesa, o patrimônio da música clássica, com longas faixas instrumentais que não tinham nada a ver com os formatos pop americanos . Era uma época em que eu misturei um pouco, eu tocava em bandas de rock, eu estava estudando composição e harmonia no conservatório e depois houve o encontro com Pierre Schaeffer. Sua ideia, especialmente em 1968, era de se rebelar, e não havia nada melhor do que a mergulhar em música eletroacústica no GRM (Grupo de Pesquisa Musical) a se revoltar contra tanto o estabelecimento clássico com Boulez e Xenakis dizendo de forma geral que tudo conceito de emoção na música é suspeito. E também se rebelar contra o estabelecimento do rock, porque sabemos que cada geração a sua quota de reacionária despreza o jazz clássico, jazz despreza o rock’n’roll que por sua vez odiava música eletrônica. Eu queria criar uma ponte entre esses mundos diferentes.

P: Você está exposto a um flop considerável?

JMJ: Mas foi durante dez anos! Peguei peças que não funcionam em tudo, mas eu mantive minhas experiências trabalhando com Christophe e Juvet ou através da realização de trabalhos práticos em áreas que me serviram muito mais tarde. Quando eu produzi Patrick Juvet em Los Angeles com músicos americanos, para mim, saindo do GRM era como ir a um passei de bicicleta com um Ferrari. Oxygene é beneficiado pela experiência, know-how, mas também de grande descuido. Eu não me perguntar a questão de saber se o álbum iria trabalhar ou não, e, além disso, o disco foi recusado por várias gravadoras antes de ser assinado por Dreyfus. Era totalmente contra o que os executivos ou empresas fonográficas queriam.

 

P: Quais foram os argumentos deles contra o álbum?

JMJ: Não havia cantor, sem baterista, as peças duravam doze minutos, não foi formatado para o rádio e as peças não tinha nome, mas decomposto em partes:  parte 1, parte  2 … O disco foi rejeitada por quase todos, incluindo Chris Blackwell (produtor e fundador da Island Records) que mais tarde admitira ter feito dois erros em sua vida: recusar Oxygene e o primeiro álbum de Elton John. Mas o sucesso do disco deve muito a Inglaterra  onde a  Radio One tocou  todo o álbum. Eles fizeram isso apenas duas vezes,uma vez  para o “Oxygene” e a outra para “Dark Side Of The Moon” do Pink Floyd.

 

P: Estavam com medo da Era dos Sintetizadores ?

JMJ: A ideia predominante era de que os sintetizadores não poderiam ser instrumentos musicais reais. A confusão foi total, em primeiro lugar, o enorme sucesso de “Switched-On Bach” por Wendy Carlos fez o público acreditar que os sintetizadores eram apenas truques concebidos para imitar violinos, trompetes, clarinetes, etc. Então veio o Kraftwerk com o seu pedido de desculpas pela poderosa máquina com permissão para instalar a ideia de que os sintetizadores estavam fazendo todo o trabalho. Uma ideia que também é encontrado em um grupo como Tangerine Dream que deixava o palco com os sequenciadores tocando sozinho, só para dizer que as máquinas eram independentes.

P: Você usou que equipamentos para Oxygene ?

JMJ: A configuração minimalista, com uma escolha de sons muito limitada porque havia poucos instrumentos eletrônicos no momento e eles eram muito caros. Eu usei um de oito pistas, dois sintetizadores com uma String Ensemble Eminem, pedais de guitarra para sons de tráfego. Eu tinha recuperado no Studio Ferber um velho Mellotron com metade do teclado quebrado. Assim, as notas que eu uso em Oxygene são as únicas que trabalham.

 

P: Quando você escuta o primeiro Oxygene, há coisas que você não gosta?

JMJ: É difícil responder a essa pergunta porque eu fiz algo que não tendem a devolvê-lo. Eu sinto que já não pertence a mim, tem que viver a sua vida como uma criança de fato. Eu só faço remasterização clinicamente a partir do original, porque ao longo dos anos a gravadora produzem vários masters diferentes, mas eu não gostou do som, não foi adaptado para o formato digital. Eu refiz os masterizações dos dois primeiros volumes e os três registros agora soam de forma mais consistente.

 

P: Em 1997, você compôs o segundo volume de Oxygene, como foi?

JMJ: Foi para continuar a história começada. Este é um disco totalmente em sintonia com o seu tempo que estava tomando o início da transição do analógico para o digital nos processos de processamento de som e de gravação. Era o início do 44/16, com todas as limitações imputada a esse formato hoje. A trilogia também conta uma história da tecnologia, o primeiro master foi em uma fita magnética, o segundo um cassete digital e o último é em um disco rígido. Acho que falta em Oxygene 2 é a intemporalidade sua encontrado no primeiro álbum e espero que exita no terceiro.

P: Por que dar sucessão a Oxygene e não a Equinoxe, Les Champs Magnétique ou Zoolook ?

JMJ: Eu gosto da ideia de sequências na literatura ou cinema, mas de alguma forma é um conceito raro na música. Les Champs Magnétiques ou Zoolook, são conceitos melhores fechados e não se prezariam para isto. Por conta, eu gostaria de criar uma sequência de Equinoxe, porque neste disco, como com o Oxygene, há um lado que permite usar a mesma abordagem, mas de forma diferente. Isso é o que eu pedi a Michel Granger, que nos permite modelar o trabalho que foi usado para a capa inicial para a mudança da caveira para um olhar 30 °.

P: Como você encontrou esta figura de Michel Granger que serviu de capa para o álbum ?

JMJ: Eu estava andando com Charlotte (Rampling, sua ex-esposa) em Paris, e caímos em uma galeria de arte que eu imediatamente fiquei com vontade de entrar. Eu tinha quase terminado o álbum, eu estava à procura de algo que não era uma simples ilustração de oxigênio ou uma máscara de gás ou uma lata de ar comprimido … Entre a palavra  Oxygene, o crânio e planeta cortante, tudo está perfeitamente montado.

 

P: E você têm impulsionado a carreira de Michel Granger …

JMJ: Ele debutou, e de repente viu-se conhecido no mundo graças a esta imagem. Ele pertence à geração Folon, mas mais sombrio, menos ingênuo e mais envolvido, ele é um grande artista que nós não falamos o suficiente na minha opinião. Ele contribuiu muito para o disco, este equilíbrio perfeito entre a música, a capa e a mensagem subjacente.

 

P: Uma mensagem ecológica muito à frente do seu tempo …

JMJ: Eu estava muito envolvido em questões ambientais, os ambientalistas foram vistos na época como neo-hippies e sonhadores. Ecologia não interessa a ninguém, até mesmo na música menos eletrônica, eu não era consistente com o meu tempo, não politicamente correto de alguma forma, de repente, é estranho que o disco tenha sido tão bem sucedido.

 

P: Falamos de cerca de 18 milhões de cópias vendidas!

JMJ: É esta cifra de número . Não estou reclamando, mas, infelizmente naquela época, as gravadoras mandavam naquele cenário, tinhamos contratos que não tinham nada a ver com o que se faz hoje. Além disto, houve alguns contratempos, no início do disco, há uma espécie de ruído branco, os ouvintes estavam pensando que eram um erro de fabricação e enviaram de volta para a gravadora do vinil. Na época, eu estava andando na Champs-Elysées com Francis Dreyfuss, eu tinha minhas dúvidas, lhe disse que nunca iria funcionar, e então vemos Elton John saindo da lojas de  discos na Champs com dez cópias de Oxygene,  e Dreyfuss me disse: “Na verdade, eu acho que ele vai estourar! “

 

P: Houve críticas assassinas ?

JMJ: O “Le Monde de la Musique” apenas começou a olhar para o tempo. Eles foram inflexíveis para julgar a capa e quatro páginas para o disco,mas eu tive que viajar para os Estados Unidos e não tive como fazer. Quando eu retornei, Oxygene havia se tornado um sucesso popular e eles dedicaram uma página inteira a ele bem crítico. Eu havia me tornado muito popular para eles, o que os interessava era o lado subterrâneo da abordagem, o sucesso fez o disco vulgar.

 

P: É verdade que a música de Oxygene foi utilizada em máquinas de rua ?

JMJ: Eu teria adorado e teria feito um grande clipe, mas confesso que a informação não foi passada a mim. Mas poderia ser, Oxygene tem sido utilizada em musicoterapia, meditação ou para dar à luz. Outro dia eu estava deixando o concerto de Kate Tempest no New Morning e um cara se aproxima de mim: “Estou muito feliz em vê-lo, eu tenho que lhe dizer isso, minha mãe ouviu o disco durante os nove meses de gravidez, era o seu ginecologista que o aconselhou ela e eu nasci na água com Oxygene ao fundo . “

Fonte: http://www.greenroom.fr/114138-oxygene-ou-lhistoire-de-lovni-electronique-vendu-a-plus-de-18-millions-dexemplaires/

 

 

THE TELEGRAPHY  – REINO UNIDO – 01/01/2017

A beleza da música eletrônica hoje é que você pode criar, produzir e até mesmo distribuir seu álbum do terraço de um café, ou mesmo do topo de uma montanha. É uma revolução absoluta.

Algumas pessoas dizem: ‘Oh, mas a tecnologia está em toda parte agora, e tudo o que vem dela é medíocre’, mas isso me faz pensar na atitude do Vaticano quando encarando Gutenberg, quando: ‘Ele está imprimindo livros em todos os lugares, e vamos perder nosso poder de conhecimento.’ Deveríamos realmente abraçá-lo e desfrutar da diversidade de expressão que ele permite.

Fiquei preso em todo o excesso louco dos anos 80. Você tem essa obsessão em tentar obter a música ideal um dia, mas é como sabão e você continua correndo para ele .

Eu estava sempre interessado em misturar experiências com a música pop e Brian Eno, Kraftwerk, Tangerine Dream – todos nós estávamos fazendo isso ao mesmo tempo, muito isolados uns dos outros, todos em nossas diferentes cavernas, em Mundos diferentes, sem a internet – underground em todos os sentidos .

Depois do concerto de La Concorde, comecei a receber todos esses pedidos de diferentes países e, obviamente, como um menino ruim, era realmente difícil recusar quando as pessoas estão dizendo:’ Você estaria interessado em tocar pela China pela primeira vez? ‘. Sim, as pirâmides no Egito, sim, a NASA em Houston, sim, então foram 3,5 milhões em Moscou (para o 850° aniversário da cidade em 1997).

Eu fui apanhado em todo o excesso louco daquele tempo. Cada vez mais, mais e mais caminhões [para equipamentos de palco], porque era o que todos estavam fazendo. Mas nesses grandes shows, eu quase me escondia. Eu não era uma estrela do rock tocando a guitarra sob um único foco. Eu era o inverso de Mick Jagger dizendo: ‘Me veja!’

Mas eu fiquei preso nele, e então sua vida privada fica exposta, e você certamente não está procurando por isso.

Sobre a Harpa Laser ? Você poderia acender um cigarro se encostar nela.

Estou preocupado hoje com o futuro dos jovens artistas. Quando o Spotify tem um valor de alguns bilhões de dólares e então um novo músico usando o serviço recebe o equivalente a uma pizza sem anchovas a cada ano, é claramente algo que precisa ser reajustado.  Nós nunca ouvimos tanto música, ou assistimos a muitas imagens em movimento. Indústrias criativas são mais importantes do que a indústria automobilística, jóias de luxo e moda. Eles ganham mais dinheiro e criam mais empregos, mas os artistas em seu núcleo nunca ficaram tão pouco, então temos que criar o novo modelo de negócios para o século XXI. Caso contrário, não vamos criar o próximo Coldplay ou Harry Potter, porque os jovens artistas não vão pensar que vale a pena seguir o sonho deles .

O paradoxo é que Mark Zuckerberg, Steve Jobs e todos os gigantes da tecnologia são maiores fãs de música do que alguns dos executivos que trabalham em grandes gravadoras. Mas essas empresas têm que ter cuidado: todos eles pensam que são os mestres do mundo, mas isto tudo pode mudar. Basta olhar para o MySpace.

Parar ? Não. Minha mãe, que estava na Resistência na Segunda Guerra Mundial, faleceu aos 96 anos, e era como se ela tivesse 60 anos. Eu quase tenho que me desculpar por meus genes.

 

Fonte: http://www.telegraph.co.uk/music/what-to-listen-to/jean-michel-jarre-reverse-mick-jagger/

 

Thanks Phil Jenkins (UK)

 

FORBES – E.U.A. – 30/01/2017

O músico francês Jean Michel Jarre celebra sua indicação para o Grammy Awards 2017:

 “Eu acho que isso é um sinal de que algumas pessoas nos EUA e geração mais novas também, tenham descoberto a música eletrônica através de EDM, e estão criando um link com o que a música eletrônica sobre tudo que representa hoje. Eu diria que o rock and roll nasce na América e invadiu o mundo. E a música eletrônica nasceu na Europa e invadiu o mundo. Portanto, existe um verdadeiro elo entre a música eletrônica e a Europa e é bom criar um link com o Grammy Awards e a Academia “.

“Estou muito feliz com a nomeação, obviamente, porque este projeto é algo que eu tinha em mente por um bom tempo que era reunir em torno dessas pessoas que foram uma inspiração para mim e reunir as pessoas que vieram de diferentes gerações e que são diretas e indiretamente ligadas a música eletrônica .Então eu estou muito feliz também por todas as pessoas envolvidas no projeto.”

“Na verdade, foi uma surpresa muito boa para mim; Foi um ano muito ocupado e positivo para mim porque eu liberei, em um ano, mais ou menos três álbuns, Electronica 1, Electronica 2 e Oxygene 3, e também estou muito feliz com o início da minha turnê mundial na Europa . É um projeto muito especial, vou trazê-la para os EUA em maio e é uma mistura dos clássicos Oxygene, Equinoxe e meus clássicos com os novos álbuns Electronica e muito excitante com gráficos tipo 3D. É algo completamente novo. “

Pra Jean Michel Jarre, reunir os artistas convidados no Projeto Electronica no mesmo palco, é realmente muito ambicioso:

“No início, minha idéia era envolver alguns colaboradores e percebi que seria uma verdadeira dor de cabeça tentar fazer uma turnê com os colaboradores dia a dia.”Então eu comecei a pensar sobre a turnê com duas horas e meia de música, foi muito fácil para mim tentar encontrar uma maneira de fazer uma turnê sem necessariamente a presença física dos colaboradores, mas mais de vez em quando , tendo alguns colaboradores juntando-nos como convidados, dependendo da disponibilidade. “

Fonte: http://www.forbes.com/sites/stevebaltin/2017/01/30/with-grammy-nomination-electronic-music-godfather-jean-michel-jarre-preps-first-north-american-tour/2/#56fa28714d05

 

 

GOLDEN GLOBE AWARDS – U.S.A. – 01/02/2017

Concerto de Houston – 1986

P: Seu show em Houston foi a sua única experiência americana. Por que você está vindo para a América só agora?

JMJ: Cada vez que estávamos planejando turnê na América, por razões diferentes, não era adequado para o calendário certo. Então, em duas ou três ocasiões eu estava prestes a fazê-la e eu tive que cancelá-la, porque eu estava envolvido em algumas outras coisas. E eu estou realmente feliz por finalmente estar neste país, porque eu amo a América por muitas razões diferentes e também meu pai se tornou um cidadão americano e sendo o compositor de boa trilha sonora que conhecemos. A relação com ele tinha sido um pouco difícil ao longo dos anos e tornou-se muito melhor no final de sua vida. Califórnia e trilhas sonoras era um pouco o território de meu pai. Acho que razões psicológicas me fizeram adiar.

 

P: O que Hollywood significa para você?

JMJ: Na verdade, é muito estranho, porque Hollywood significa para mim o que significa para todos, quero dizer, o centro do entretenimento em termos de filmes e música. Mas também para mim, é algo bem diferente. Meu pai faleceu há seis anos agora e eu me sinto muito perto dele nos dias de hoje, é um pouco como se ele estivesse comigo e apenas com a ideia de me treinar, estarmos juntos. Eu passei muito tempo com este projeto da Electronica em Hollywood, e é como uma parte de minha terra natal de uma maneira muito estranha. Eu nasci em Lyon, na França, mas quase sinto o mesmo tipo de coisa quando estou em Hollywood. É muito estranho porque é muito familiar, como algo próximo da minha família, porque isso é algo muito pessoal e eu diria que até mesmo aumentar o meu desejo de trabalhar mais perto de Hollywood, talvez fazendo trilhas sonoras ou projetos diferentes e passar mais tempo aqui Hollywood. E isso é o que eu estou planejando fazer para os próximos dois ou três anos.

 

P: Você começou por escrever música de filme a anos e anos atrás, mas você não fez isso tanto quando você se tornou famoso. Por que isso aconteceu?

JMJ: Na verdade, pelo mesmo motivo. É que sempre considerei minha carreira como artista de gravação, fazendo shows e shows. Trilhas sonoras, elas eram realmente o território de meu pai. Na verdade, eu recusei muitas bandas sonoras em minha vida, dizendo que tudo bem, eu deixo isso para o meu pai em um sentido. E eu não sei se foi uma coisa boa ou ruim, mas é o que aconteceu. Recusei muitas trilhas sonoras na minha vida e agora tudo o que mudou. A maneira como estamos fazendo trilhas sonoras nos dias de hoje é diferente, onde podemos ver que mais e mais compositores de filmes atuais estão usando a música eletrônica como um estilo sério para trilhas sonoras e talvez isso não tenha acontecido no tempo, onde até mesmo para Sci-Fi Filmes, eu sempre fiquei espantado com o fato de que sistematicamente, esses grandes filmes, eles estavam usando cordas e orquestras e além de Blade Runner, a maioria deles foram concebidos com uma orquestra sinfônica. Agora as coisas mudaram e eu acho que tenho coisas para trazer e eu sinto isso, e estou dizendo isso de uma maneira humilde, mas acho que hoje, meu envolvimento em trilhas sonoras em potencial provavelmente seria mais relevante do que era antes.

Maurice Jarre e Jean Michel Jarre

P: Como foi o relacionamento musical com seu pai? Porque durante anos eu pensei, ele é o filho de Maurice Jarre e é por isso que ele é um músico. E então eu descobri que era seu avô materno aquele que influenciou você. Quando você se encontrou com ele, vocês falaram sobre música?

JMJ: Você sabe, é estranho, quase não. Nós nos encontramos muitas poucas vezes em minha vida. Meus pais se separaram quando eu tinha cinco anos e ele foi para a América. Eu cresci na Europa muito longe de sua influência. E foi quando os compositores de trilhas sonoras eram misteriosos. Não estamos falando de compositores de trilhas sonoras como estamos falando sobre eles hoje. Então, foi realmente abstrato o que ele estava fazendo. Eu realmente cresci longe de sua influência, mesmo do ponto de vista musical. E porque nunca nos vimos muito, quando estávamos nos encontrando, não sei se foi porque ele era um pouco tímido, mas nunca falamos de música, o que é algo que hoje me arrependo.

 

P: Sua indicação ao Grammy veio em cima de sua reconexão com a América. Você se sente esquecido? Quero dizer, você teve outra nomeação antes, mas você tem trabalhado nisso há mais de cinquenta anos. Você já se perguntou antes, por que eles não estão prestando atenção ao que estava fazendo?

JMJ: Não, não. E você sabe, você tem tantos atores talentosos e diretores que nunca ganharam um Oscar em sua vida e quando você pensa em Charlie Chaplin ou Orson Welles, isso o torna muito humilde. Ou Ennio Morricone, que acabou de conseguir o seu primeiro Oscar no ano passado, o que o torna muito humilde. Então eu não estou pensando assim. Quero dizer, obviamente, uma indicação ao Grammy é uma grande honra e é também para mim muito importante porque é sobre os colaboradores e toda a equipe que trabalha comigo. Mas, obviamente, se eu conseguir voltar para casa com esse Grammy, seria uma grande conquista. Mas eu estou fazendo como muitos artistas, onde eu não estou necessariamente fazendo música ou filmes para receber Oscars ou Grammys e, obviamente, se isso acontecer que seria uma coisa boa. Mas eu nunca senti qualquer tipo de frustração antes, e sabemos o negócio e é realmente uma mistura de tantos parâmetros.

 

Fonte: http://www.goldenglobes.com/articles/jean-michel-jarre-music-film-and-hollywood